Copyright ©2026 Žarko Paić

Blog

O singularnosti i ljudskoj želji za statusom quo

O singularnosti i ljudskoj želji za statusom quo

U izvrsnome razgovoru tehnofuturista Raya Kurzweila i transhumanista Maxa Morea o budućnosti umjetne inteligencije i razvitka znanja o tehnološkoj singularnosti, koje se nalazi u tematu „Umjetna inteligencija – moć, izazovi i granice“ u časopisu Europski glasnik 28/2023., nailazimo na dvojbu potonjeg u brzinu i vjerodostojnost bezuvjetnoga napretka koji „neumitno“ mora doći u nadolazećoj budućnosti. Na jednom mjestu More u maniri spoznajno-teorijskoga skeptika kaže da bi vjerojatno tzv. „kulturna pobuna zavedena vjerskim i kulturnim poticajima za stabilnošću i mirom i protiv ‘oholosti“ i ‘nepoznatoga’ vjerojatno mogli izbaciti iz kolosijeka tehnološko ubrzanje“. Ne da More ne vjeruje u nužnost tehnološke evolucije, već misli da nije posve siguran njezin put neizbježnosti u budućnosti. Razlog je, naravno, ljudska nesavršenost u ovom biološkome stupnju razvitka čovjeka ili, drukčije rečeno, njegova sklonost posvemašnjoj destrukciji zemlje i drugih ljudi i autodestrukciji koja proizlazi iz tymosa, što bi rekao Platon, borbeno-gnjevne naravi čovjeka. Uz superinteligenciju strojeva koji su još uvijek nastavak ljudske inteligencije drugim sredstvima, temeljni je problem u mogućnosti i zbilji provedbe zla kao onog što ni za Kanta ni za Schellinga nije tek negacija dobra, već nešto Unheimlich, gotovo nesvodivo na bilo što autonomno i normativno u svijetu. U povijesti se mogu lako naći primjeri kočenja i obuzdavanja napretka i razvitka tehnološke evolucije, a znamo da se i Marx bezobzirno rugao sindikalnome pokretu ludista, radničke klase, koji su svoju pobunu protiv neljudskoga karaktera kapitalizma sručili na razaranje prvih parnih strojeva. Nitko još nije, koliko mi je poznato, organizirao pobunu protiv tehnosfere, AI i kibernetičkoga sustava proizvodnje, pohrane i razdiobe informacija, na analogan način. Nema tih suvremenih „ludista“ koji će krenuti u organizirano uništenje superinteligentnih računala s kojima IT-kapitalizam ubire ekstra profite i od Billa Gatesa do Elona Muska na vrh piramide najbogatijih ljudi na svijetu postavlja kompjutorske i tehnološke freakove. Usto, takva bi „revolucija“ bila primitivno barbarstvo i teror protiv čega? ,Možda „imanentne transcendencije“, „društva kontrole“, „tehnoznanstvenoga uma“, „interaktivne komunikacije“. Otpada, dakle, bilo kakva analogija s analognim svijetom pobune protiv strojeva iz jednostavnog razloga što AI nije tehnika niti tehnologija, već autopoietički sustav tehnosfere. Mrežu ne možemo razoriti nikakvim terorom iznutra ili izvana, jer nema središta ni rubove, već samo čvorišta koja se neprestano obnavljaju i beskonačno uvećavaju poput paukove mreže. Kurzweil odlučno odbija bilo kakav skepticizam Morea i u maniri mislioca apsolutne nužnosti tehnološke singularnosti kaže da su svi takvi pokreti i fundamentalističke težnje za imaginarnim rajem povijesti „reakcionarni protupokreti“ koji će se ugasiti sami od sebe kako se bude sve više usavršavao praktični horizont poboljšanja djelovanja AI u smjeru sve veće i hiperplastičnije realnosti vladavine Uma nad Strastima. Kurzweil je u tome na razini tehnoznanstvene eshatologije. On, naime, uistinu „vjeruje“ da je za ljudsku vrstu u suočenju s kozmičkim zakonima entropije ili nužne propasti Zemlje kao bio-ekosfere u bliskoj budućnosti jedini izlaz u ubrzanju mogućnosti homo kybernetesa da prevlada granice ljudske ograničenosti u prostoru i vremenu biološke evolucije. Nije to ništa čudovišno neljudsko što Kurzweil zagovara. Isto je u tendenciji mislio i otac-utemeljitelj kibernetike Norbert Wiener kad je kazao da je čovjek uronjen u svijet i da je jedini način njegova preživljavanja ove nužne entropije i kaosa u stvaranju univerzalne znanosti upravljanja svijetom koju je nazvao kibernetika po grčkome izrazu za upravljanje brodom u smislu kormilarenja i navigacije. Slika broda kojim upravlja čovjek kroz olujna mora pretpostavlja ishodište za ono što će u metafilmu svih filmova prikazati i Stanley Kubrick u 2001. Odiseji u svemiru. Zaboravljamo često u tumačenju ovog filma da borba između superinteligentnoga računala HAL-a 9000 i astronauta Bowmana oko preuzimanja kontrole nad vođenjem i upravljanjem svemirske letjelice Discovery One završava ipak pobjedom čovjeka nad AI. No, ta je pobjeda pirova, jer čovjek mora svoju zastarjelu ljudskost u suočenju s posthumanim stanjem ili radikalno učitati u tehnološku singularnost kao kôd traga svoje povijesne sudbine ili naprosto stoički pomiriti se da će biti ubrzo suvišan i nepotreban za funkcioniranje tehnosfere. Bio je, čini se, uistinu u pravu Jean-François Lyotard kad je u spisu Neljudsko dao do znanja da je moguće misliti bez tijela i da to mišljenje nadilazi svaki humanizam jer počiva na logici kalkulativnosti i algoritamskoga komputiranja informacija, pa stoga čovjeku jedino preostaje filozofijski obraniti pravo na nesvodivost neke vrste postmodernoga stoicizma s mišlju o užitku trajanja na ovome svijetu dok je to ne samo moguće, već ponajprije smisleno. Više se ne možemo zaustaviti na putu spram tehnološke singularnosti čak i da to stvarno želimo ne iz onih razloga koje je naveo Max More, nego iz želje za ovjekovječenjem status quoa. Zašto ne bismo jednostavno ostali ukočeni i usporeni na ovom stadiju napretka AI i rekli da je to maximum koji tehnosfera može podariti čovjeku i svijetu? Ni koraka više dalje, zar ne? Poput onih futurističkih šarlatana koji sada kad je stvar s AI otišla možda odveć daleko predlažu neke fantomske bioetičke ludorije tipa „održivoga razvitka AI“ koji bi se sastojao u mogućnostima posvemašnje ljudske kontrole, tako je i svaka ideja obuzdavanja tehnološke singularnosti naprosto neodrživ oportunizam novih avatara tehno-reformatorstva. Draži su nam svi zadrti religiozni fundamentalisti koji proklinju modernost i tehnologiju negoli nedosljedni zagovornici razvitka i napretka tehnosfere. Kurzweil je apsolutni nasljednik racionalizma i prosvjetiteljstva u 21. stoljeću, a More unatoč skepticizma pripada istoj „tehno-fronti“ koja se ne zaluđuje otporima kapitalizmu s neljudskim licem AI i sličnim antimodernim Weltanschauungom. Kad čitamo stoga razne tzv. kritičke tekstove o tzv. mitologijama post-i-transhumanizma, onda je to samo pitanje je li dolazak ere tehnološke singularnosti 2035. ili 2050. godina i je li vladavina superinteligentnih računala ona koja pretpostavlja autonomne objekte u cjelini postljudske civilizacije ili je vjerojatnost veća da će to još pričekati čak i kraj 21. stoljeća, pod uvjetom da čovjek preživi globalno zagrijavanje planete i druge katastrofične scenarije. Uglavnom, pitanje svih pitanja nije više nikakvo metafizičko o smislu egzistencije čovjeka i svijeta u doba tehnosfere, već je to tehnoznanstveno pitanje o mogućnostima njegova očuvanja i održanja u drugoj formi postojanja, onoj koja kroz homo kybernetesa vodi spram otvorenosti druge i drukčije povijesti. Zato je krajnje nemisaono ironizirati tehnofuturizam kao puke sanjarije i maštarije valjda dokonog robotičara i stručnjaka za računalnu inteligenciju kao što je to Kurzweil, autor knjige o spiritualnim strojevima. Nemamo odgovor koji bi filozofijski bio išta drugo negoli „konzervativan“ i „reakcionaran“ osim alternative ovoj novoj Odiseji u svemiru 2045. u povratku Parmenidovoj kerygmi kao što je to činio Emanuele Severino u svojim promišljanjima metafizike i njezina kraja na Zapadu. I baš zato što je to naivno i romantično shvaćanje nalik Heideggerovu Gelassenheitu, jer u svojoj zavičajnosti i provinciji ne želimo izaći u buku i bijes hipermoderniteta, posve je bjelodano da nas još jedino može spasiti novi „bog“ tehnosfere. Ali taj spas, ta tehno-eshatologija i tehno-soteriologija, neće biti spas čovjeka i svijeta kakav već uvijek jest, već spas onoga što više nije ljudsko-suviše-ljudsko. Spasonosno je učitano u nešto što nastavlja evoluciju čovječanstva izvan ove mistične individuacije u duhu-duši-tijelu naše jednokratnosti i neponovljivosti, jednom i nikad više.

November 12, 2024
O apologiji prstiju

O apologiji prstiju

U eseju „Oživljavanje slike“ u kojem se bavi slikarstvom Diega Velázqueza španjolski filozof Ortega y Gasset lucidno upućuje na problem korelacije između uma i tjelesnosti iz obrata tradicionalne metafizičke sheme platonizma prema kojem ideje određuje pojavnost stvarnosti. Sada, naime, sami prsti slikara-majstora postaju stvaralački organ nastanka ljepote i uzvišenosti. ʺSlikarski prsti su, kaže Bellini, talijanski pisac iz istoga 17. stoljeća, dita pensosa, misaoni prsti, prsti koji razmišljaju i u kojima je sažet sav naboj nečijeg postojanja, kao u prekidaču dinamo stroja prije no što će sijevnuti iskra. I upravo je to ono što trebamo oživjeti, ponovno vidjeti kako se događa, djeluje i nastaje, kako bismo mogli tvrditi da uistinu vidimo potez kistom.ʺ (José Ortega y Gasset, ʺOživljavanje slikeʺ, u: Dehumanizacija umjetnosti i drugi eseji, Litteris, Zagreb, 2007., str. 117. Sa španjolskoga prevela Dunja Frankol.) Prsti su materijalno-energetski eficijentni uzrok stvaranja novoga. To može biti bilo što, zidarstvo, kuhanje, pantomima, pisanje, bacanje kamena u more za vrijeme oseke koji pravi divne osmice na površini. Stvaranje nije moguće svesti jedino na tzv. umjetnost kao neki sveti prostor odjelovljivanja bitka. No, prsti u kibernetičkome shvaćanju više nisu dita pensiosa već digitalni neurokognitivni „alat“ proizvođenja umjetne stvarnosti s kojom postajemo atraktori tehničkoga svijeta. Uostalom, digitalnost se odnosi na pokrete prstiju na tipkovnici, na pokretu „miša“ koji omogućuje brzinu kretanja slikom izmjerenom u pikselima na tzv. sučelju računala. Ova prstomisaona operacija stvaranja novoga događaja počiva na pojmovlju kontingencije i emergencije, te virtualne aktualizacije a ne na kantovskim kategorijama modalnosti kao što su mogućnost, zbilja i nužnost. Pogledamo li kako se razlika između prstiju u baroknome španjolskome slikarstvu i onih u okružju digitalnoga dizajna s pomoću umjetne inteligencije odigrava u načinu materijaliziranja/dematerijaliziranja površine na kojoj ostaju tragovi i znakovi stvaranja novoga, vidjet ćemo kako se u prvome slučaju radi o otporu drva, stakla, papira i njihovoj grubosti spram minucioznoga nasilja kista ili pisaljke koji urezuju samu ideju u materiju kao čistu formu slikarstva i spisateljstva. U drugome, pak, slučaju posrijedi je glatkoća i čistoća artificijelne površine s kojom se stapamo i uranjamo u virtualnost bez otpora. Sjetite se, Vi analogni dinosauri Guttenbergove galaksije kakav sam i sam, kako smo brutalno lomili prste na mehaničkim pisaćim strojevima 1970-1980ih godina i kako se do praskozorja čula buka one strojopisne kugle i valjka koja kad dođe na kraj reda zahtijeva prebacivanje s pomoću okretaja uređaja s desne strane, a papir šušti među prstima poput svitka božanstvenog vrgoračkoga duhana. Sada, hm, sada, prsti su izravno povezani s našim umornim mozgom i mozgovljem, pa smo osuđeni na programsku podršku onog što neurokognitivisti pripisuju enaktivnoj svijesti. Vjerojatno će se ubrzo završiti ovaj digitalni ples homokibernetičkoga svijeta čim AI dospije do stadija autopoiesisa i čim nam u uho ugrade senzore nalik onima iz Borg-kolonije u nekoliko sjajnih epizoda TV-serije Zvjezdane staze. Prsti će nam biti možda manje stvaralački usmjereni na hvatanje i oblikovanje formi u metamorfnoj stvarnosti postdigitalnoga svijeta aplikacija i neurokognitivnih mreža. No, nećemo ih izgubiti kao nepotreban instrument ove posljednje preobrazbe biološke tjelesnosti u tehnološku singularnost. Mislio sam da ću kad prestanem pušiti ujedno prestati i misliti. Kad dođe taj dan, taj strašni dan apsolutnoga pročišćenja tijela, duh će mi prestati proizvoditi refleksivne ludorije i stvarati te silne problematične pojmove jer će mi ruke i prsti biti lišeni ovisnosti i elementarnoga zadovoljstva u radu na Lustprinzipu. Nije mi tada još palo na pamet da će time ovo posvemašnje oslobođenja od tjelesnih nakupina otrova biti duhovna preobrazba i put spram čiste misaone avanture koja nadilazi sve prethodno u znaku robovanja užitku prstohvatne metafizike corpusa mysticuma. Prsti koji motaju cigaretu i plešu u ritmu ničeanskih lutanja prostorima prevladane metafizike kakvi bijahu oni Vanje Sutlića ili poetska mappa mundi autora zbirke Diktator Josipa Severa dok se ne dimi „hašiš“ kao i prozna kozmogonija dima i magle u liku Danila Kiša dok njegova duša ispraća Oca E.S. s kolodvora u Subotici na dugome putu u krematorij izabranoga naroda, to su PRSTI onkraj svekolike tjelesne tragedije uzvišenoga duhovnog bitka, to su PRSTI mitopoetske vedrine stvaranja u ovom jednokratnome životu koji se živi u posvećenosti mudrosti i muzama tamnoga sjaja. Nije, dakle, sve iščezlo s krajem onih misaonih prstiju o kojem tako divno zbori španjolski filozofski Don Kihot. Premjestilo se u nešto posve drukčije i drugo, u prostor čistine i nigdine, u duh tehnosfere s kojim svakodnevno općimo i odlazimo čak i u smrt poput digitalnoga traga praznine koji se „učitava“ u naše drugo JA, ono koje pripada posthumanome stanju i koje je kao i Sokratova duša naprosto besmrtno i zauvijek kruži svemirom poput glatkoće crnoga megalita iz Kubrickova filma 2001. Odiseja u svemiru. Ah, prsti moji misaoni, opustite se i onda full speed ahead, čeka Vas još toliko nezapisanih stranica u transverzalnoj povijesti svijeta! Čitav arhipelag snova i vizija nadolazeće filozofije.

November 11, 2024
O životinji u posthumanome stanju

O životinji u posthumanome stanju

Pitanje o biti životinje u posthumanome stanju nije tek neko usputno pitanje tzv. animalizma ili onog što se danas interdisciplinarno naziva animal studies naspram tradicionalne ontologije. U prvome svesku moje Tehnosfere naslovljene „Žrtvovanje i dosada: Životinja – Čovjek – Stroj“ sve je već konceptualno jasno određeno. Pokušat ću sažeto objasniti temeljne postavke uvodnoga poglavlja, ali i naslova ovog sveska iz kojeg sve dalje proizlazi. Ponajprije, nije slučajno da sam odmah na početku razmatranja pokazao da je film Stanleya Kubricka 2001. Odiseja u svemiru naprosto savršeno vizualno-kinematičko razjašnjenje ovog misterija kontingencije i emergencije onog što označavamo pojmom kozmičko-biološke evolucije. No, nije to evolucija čovjeka kao najvišeg bića u hijerarhiji bića prema skolastičkim načelima univoknosti bitka i ekvivoknosti bića u odnosu spram Boga kao ens realisimum. Ne, to je evolucija svijesti koja se u reverzibilnoj linearnosti razvija od onog formalno „nižeg“ do sadržajno „višega“ poretka složenosti života i doseže svoj vrhunac u strojnoj inteligenciji koja se, naposljetku, kao autopoietički sustav izjednačava s ontologijskom statusom boga-Boga u Aristotela i sv. Tome Akvinskoga. Svijest kao samosvijest, međutim, ne može postojati bez „utjelovljenja-otjelovljenja“. Problem nastanka ove enaktivne svijesti nije razriješen jednoznačno ni danas procvatom neurokognitivnih znanosti. Koliko god se mi trsili kritički prevladati kartezijanski dualizam res cogitans i res extensa, to nije moguće u okviru logike metafizičkoga shvaćanja odnosa između svijesti i svijeta, jer suprotnost idealizma i materijalizma pokazuje nam kako se esencijalistički i antiesencijalistički spoznaje svijet, ali ne i kako i zašto je ova svijest nastala i zašto je svijet nastao kao takav. Tek iz logike tehnosfere kao realizirane kibernetike nestaje i kartezijanstvo i psihoanaliza i fenomenologija koje uza sve razlike govore isto, naime da je svijest svagda svijest „o“ nečemu kao nečemu, svijetu, noemi, predmetu svijesti. Kad tehnosfera iz sebe same, kao umjetna inteligencija proizvodi svoju „noemu“, svoj svijet, više nema razlike između duha i tijela, supstancije i subjekta. Apsolut u formi enaktivnoga subjekta-supstancije nadilazi sve što je dosad bilo razdvojeno poput ideje i pojave, transcendencije i imanencije, duha i materije. Život kao jednoznačnost bitka u mnoštvu bića otpočinje stoga nužno evolucijski s onime što označava riječ animal, dakle, životinja. Animal u jezičnome smislu jest latinski prijevod grčkoga psyché. Hrvatski izraz jest duša, jer kad život živoga bića sa sviješću o sebi nastaje, to je trenutak udaha, a kada iščezava to je trenutak izdaha. Život je stoga duševnost duše koja prebiva animistički u prirodi, grčki physis, odnosno u svim bićima kojima podaruje životnost. Ne kaže slučajno Aristotel u spisu De anima da je duša na neki način sve, odnosno svekoliki bitak. Životinja nije samo nužna kontingencija sraslosti s okolišem u smislu onog što se s Husserlom i fenomenologijom naziva okolnim svijetom, njemački Umwelt, već početak oblikovanja svijeta kao izvornoga obitavališta. Iako će Heidegger u svojim predavanjima od 1930ih godina do Pisma o humanizmu 1946. godine zagovarati stav da samo čovjek ima svijet, dok je životinji uskraćeno prebivanje u svjetovnosti svijeta jer nema ono što je bit svijeta, naime duh i duhovnost u smislu misaone otvorenosti spram bitka samoga, ovaj ćemo radikalan metafizički stav ostaviti ovdje neproblematiziranim i samo kazati da životinja ima posve drugi način oblikovanja svijeta za razliku od čovjeka, a to je ono što iskonski odlikuje životnost života kao svezu uronjenosti u okolni svijet i duševnost, psyché ili anima mundi. Povijest kao razvitak „duhovnoga bitka“ ne otpočinje stoga s filozofijom povijesti kao u Hegela, već s otvorenošću mitsko-religiozno-umjetničkoga događanja životnosti života drevnih Grka kao začetnika zapadnjačke metafizike i to s Homerom kao utemeljiteljem kazivajuće sudbine čovjeka u razlici i srodnosti spram životinja i bogova. Ta je povijest nužno u znaku onog što je svim ljudima i životinjama zajedničko, a to je četvorstvo zemlje i neba, smrtnika i bogova kroz suosjećanje spram patnji Drugoga. Povijest, međutim, nije otvorenost ovog etičkoga univerzalizma sinestetičke logike tjelesnosti, nego žrtvovanje i dosada koja spaja čovjeka i ono neljudsko što Grci imenovahu téchne. Imati „dušu“ znači osjećati drhtaj svijeta i u području duhovnoga bitka (filozofije, umjetnosti i znanosti) i u području svetosti života (mita i religije). Tek iz iskustva žrtvovanja Drugoga i samožrtvovanja, od slučaja Antigone do Isusa Krista i dalje, čovjek postaje svjestan tragične biološke „sudbine“ svojega života koji se vodi kroz borbu i vladanje zemljom i ljudima, a što Hegel u Fenomenologji duha opisuje kao borbu između roba-sluge i gospodara. Riskiram ovdje „krivo tumačenje“ odnosa spekulativne dijalektike i historijskoga i dijalektičkoga materijalizma, dakle Hegela i Marxa i tvrdim da je Marxova praksa rada kao znanstvena povijest u smislu realiziranoga komunizma ništa drugo negoli preokrenuta fenomenologija duha. Apsolut kao samosvijest na kraju povijesti postaje subjekt-supstancija u liku Moći same tehnologije koja umjesto žrtvovanja prirode uvodi u mišljenje-djelovanje totalnu dosadu rada inteligentnoga stroja. No, što ćemo sa životinjom ako je jasno da je čovjek kao realizirani homo kybernetes svoje otpjevao i „prošao kao dah“, kako je to najavio genijalni vidoviti pjesnik, Arthur Rimbaud, u poemi Solleil et char (Credo in Unam)? Životinje nisu samo rex extensa, sklop fiziologije i animalnosti u smislu organske svrhovitosti prirode i to na nižem stupnju razvitka ‘duhovnoga bitka’. Da je tome tako, dobro je znao znameniti strukturalni antropolog Claude Lévy-Strauss. Pred kraj života posve se osamio i udaljio od svijeta. Pisao je i čitao svoje posljednje stvari svojem psu. U zvučnoj instalaciji Heinera Gobbelsa Stifterove stvari (Stifters Dinge) u kojem se propituje praiskonsko i ono što ostaje na kraju povijesti civilizacije u iščeznuću svjetova prirode i čovjeka, uz Lévy-Straussa, čujemo još glasove Papuanaca s Nove Gvineje, Bachov Talijanski koncert u F-duru, Malcolma X, glas Williama S. Bourroughsa dok čita tekst „Nova Express – Tower Open Fire“. Bit životinje kad je mislimo izvan okvira klasične ontologije nije u zatvorenosti u okoliš. Kako vidimo, sve se životinje kao i ljudi prilagođavaju novim uvjetima opstanka kao nomadi i prognanici iz svojeg izvornoga obitavališta. Problem je u novome shvaćanju onog što nedostaje ovome svijetu apsolutne bezavičajnosti i etičke ravnodušnosti spram patnje Drugih. To je novo shvaćanje „duhovnoga bitka“ koje je životinju isključivalo iz razdiobe osjetilnosti i kognitivne zajedničkosti rodova-vrsta, a posve je jasno da osjećajnost ili onaj izvorni psyché u npr. gorila ili slonova možda uvelike nadilazi ljudsku privrženost životu u zajednici i brizi za Drugoga. Kognitivne sposobnosti čimpanzi u nekim aspektima vizualnoga pamćenja bolje su od ljudskih. Što im, dakle, nedostaje da bi, rekao bi Heidegger, mogli imati „svijet“ (Welt)? Odgovor je tako jednoznačan – tehnologija kao sredstvo-svrha njihove realizacije slobode. Bez téchne životinja ostaje uronjena u duševnost bio-animalizma. No, u posthumanome stanju, hipotetski, životinja postaje uvjet mogućnosti „produhovljenja“ tehnosfere iz jednostavnoga razloga što mašineriji neljudskoga nedostaju „posljednje stvari“ koje ima samo životinja. A to su igra, suosjećajnost i elementarna radost u susretu s Drugime, radost onkraj Lustprinzipa, beskrajna i „luda“ kao ono što nema ni svrhu u sebi ni izvan sebe, naprosto ludo radovanje Drugome kao takvome. Životinje nisu kafkijanski ocrnjeni kukci i insekti u svojem ništavilu, već rizomatski kopači kroz utrobu povijesti i ona ptica koju iz nepoznatih razloga simbolički ne znamenujemo znakom mudrosti, poput gavrana, već to pripisujemo sovi, pa makar i na ramenu božice Atene s Fidijina kipa u Partenonu.

November 10, 2024
Slava otpalim diletantima!

Slava otpalim diletantima!

Čitam kako se neki urednik provincijalnog časopisa za kulturu hvali kako ga je uspio iz pepela uskrsnuti i, gle vraga, odmah mu je na stol pristiglo preko pedesetak uradaka svih rodova i formi od crtica do eseja i romana, sve gola genijalnost do neba! To me je podsjetilo na davne dane čitanja raznih kupusara vulgarnoga materijalizma s Plehanovom kao kapel-majstorom i Ždanovom kao kunst-egzekuturom, kad se uvelike slavio kult kvantiteta iz kojeg, a što drugo, mora dijalektički nužno nastati barem 100 kubika žive vage remek-nedjela. Gledam katkad na nekim streaming-platformama reality-show tipa „Mikrofon je Vaš, pokloni se i počni!“ i ne mogu se načuditi silnoj želji gomile trudbenika slave za pet minuta (jao si ga Andyju Warholu!) kako stupaju pred tzv. umjetnički žiri i ogoljuju svoj neviđeni talent da bi ih drugi bezveznjaci s diplomom ili orkestrirana gomila publike proglasili „vauuu…Amazing…bez riječi sam!“ Slušam tu-i-tamo na youtube pjevače rumene kadulje u lokalno-globalnim okružjima kako na engleskom jeziku s turbo-zvukom motorne pile oponašaju svoje i tuđe idole iz prošlosti, sadašnjosti i užasne budućnosti pop & rock glazbe. To me smiruje toliko da posve jasno mogu kazati da je ona drevna kineska „dabogda živio u zanimljivo vrijeme“ više od kletve kakve babe-vračare iz okolice donjeg Kistanja. Znam, reći ćete, čemu zdvajanje i prolom kulturpesimizma u trećoj dekadi 21. stoljeća kad je sve to prije sto i više godina bilo najavljeno u knjigama tzv. Zeitgeista u rasponu od Spenglera, Ortege y Gasseta do Evole i drugova. Dobili ste što ste tražili. Čovjek je grabežljiva životinja koja teži sublimnoj slavi. Moj zbornik Što s intelektualcima? Kritika društva, angažman i spektakl, Litteris, Zagreb, 2022. mislim da podaruje cjeloviti odgovor na ovaj problem masovnoga ispražnjavanja smisla kulture uopće. https://knjiga.hr/sto-s-intelektualcima-zarko-paic-ur-1/Nije mi bilo stalo da opetujem navadu takvih danas traženih knjiga-proizvoda koji hrestomatijski udaraju u isti rog za potrebe studenata društvenih i humanističkih znanosti u smislu sve na jednom mjestu: od majmuna do Avnoja i dalje s tekstovima klasika-divova i njihovih patuljaka koji im draškaju ramena svojim nezgodnim pitanjima bez odgovora. Nije ovdje riječ o Julien Bendinoj optužbi o izdaji intelektualaca u drugom kontekstu, ne više moralno-političkoga posrnuća pred zahtjevima nacionalizma, već zagrljaja s onim što je od rimskih Saturnalija bilo poznato kao svetkovina trijumfa vječne slave (gloria in excelsis) heroja i njihovih podviga kojima se divi masa poklonika. Intelektualci su u medijsko doba tehnosfere 1990ih kad su izgubili svoju vjerodostojnost kritike pervertiranoga društva i smisao javnoga angažmana za univerzalne ideje istine, slobode, jednakosti i pravednosti sami pali pod narcistički jaram preobrazbe u stil života. Zato sam koncipirao zbornik posthegelovski, u trijadi uspona, pada i konačnoga nestanka subverzivno-kritičke figure posjednika znanja i njegova korporativnoga privatiziranja u insceniranju samoga života. Mase nisu fantom kraja povijesti, nego njegova posljednja istina i moć pseudosinteze kapitala i tijela. I to se nastavlja do danas samo još s većim intenzitetom perverzija i morbidnosti. Naravno, onaj koji je najdalekosežnije shvatio kako je posrijedi ontološki obrat u biti kapitalizma kao društva spektakla bio je neoavangardni umjetnik, jedan od pripadnika Situacionističke Internacionale, „slavni“ Guy Debord s njegovom knjigom-manifestom Društvo spektakla (La société du spectacle) iz 1967. godine. Preobrazba paradigme kapitalizma iz rada u kulturu, iz jezika u sliku, iz klasno-socijalne diferencijacije u figuraciju životnih stilova bilo je upravo ono što će obilježiti pojam tzv. difuznoga spektakla koji umjesto koncentriranog vezanog uz totalitarnu i autoritarnu politiku 20. stoljeća glorificira zakone tržišne privrede i osobito američki way of life s proizvodnjom kulture kao zabave (entertainment). Eto, to se u potpunosti i na globalnoj razini realiziralo. Zato u mojem zborniku posljednje, treće poglavlje s izabranim autorima ima zasluženo mjesto kako po opsegu, tako i po važnosti onog što je možda sociologijski najbolje promislio Gilles Lipovetsky, autor knjiga Carstvo prolaznoga, Paradoksalna sreća i Doba praznine. Usput, ova potonja je njegova prva i možda i najznačajnija knjiga-esej o zloduhu postmoderne i njezina kulta potrošnje i razlika, a naslov je, priznat ćete, naprosto nenadmašan. No, vratimo se mi našim dragim diletantima. Njihova je milost i zadaća u „carstvu praznine“ toliko bitna da je se ne smije nipošto izostaviti u ovome razmatranju. Psihologija njihove želje za uspjehom i dosezanjem slave koja više ne pripada herojima rata i represije/depresije suvremenoga života, već zvijezdama show-biznisa, ima nešto duboko „tragično“ u svojoj mahnitoj opsesiji s oponašanjem palih bogova vječne dekadencije. Ponajprije, oni doista vjeruju da su „iznimni“ i „Amazing“ inače se ne bi prijavljivali na te silne natječaje za nove zvijezde reality-showa, osim ako su fantastični autoironični podrugljivci na vlastiti račun, a to je gotovo nemoguće poslanstvo iz jednostavnog razloga što je bit ljudske natjecateljske „duše“ u agonu i tymosu. A to je, naravno, najbolje znao Platon. Konkurencija i samopriznanje su temeljne značajke suvremenoga društva spektakla. Svaka tzv. zvijezda mora imati „ono nešto“, pa makar bila i tamnoga sjaja i s dna kace diletantske povijesti beščašća. Američka propagandna fun-industrija to „nešto“ naziva personality. Gledali smo niz dobrih filmova o povijesti ovog ludila, među kojima je onaj redatelja Sydneya Pollacka s mladom Jane Fonda naslovljen I konje ubijaju, zar ne? (They Shoot Horses, Don’t They?) iz 1969. godine i danas ne samo gledljiv, već ubitačno poticajan za uvid u samu stvar s prokletstvom slave i uspjeha u permisivnome narcističkom društvu spektakla. No, ovo je u konačnici ipak kritička satira i svojevrsna „tragedija“ jer su svi sudionici igre maratonskoga plesa do iznemoglosti i smrti žrtvovane kultu apsolutnoga pobjednika. Poraženi su „luzeri“ i za njih nema mjesta u estetskome vrtlogu samopriznanja u društvenim odnosima totalne kompetitivnosti. Mi, u kontekstu dokumentarnih filmova u Hrvatskoj imamo jedno malo remek-djelo. To je film Krste Papića Mala seoska priredba iz 1971. godine. Prikazuje se, dakle, priredba u međimurskome selu Orahovica u kojoj razni lokalni izvođači pjevaju tada popularne zabavne melodije, izvodi se potom folklorni ples, pričaju masni vicevi, a sve završava izborom lokalne miss 1971. godine. Prikazom karikaturalnih izvedbi pop-pjesama i defiliranja seoskih „ljepotica“ Krsto Papić na uistinu sjajan način pokazuje što se zbiva kad seljaci pokušavaju oponašati urbanu kulturu. Film je bio iznimno popularan u svoje doba, a izraz „mala seoska priredba“ ima pečat onodobnog duha vremena. Čitav problem s nastankom nove „kulture slavnih“ (celebrity culture) jest u tome što su njezini subjekti/akteri krajnje nestabilni, fluidni, promjenjivi, zamjenjivi, nadomjestivi, jučer jesu-danas nisu, pa je posve razumljiva želja mladih i onih koji ih oponašaju na pragu starosti da uđu u taj spektakularni klub koji omogućuje ne samo obožavanje publike poklonika, već i veliku zaradu i ono što francuski sociolog Pierre Bourdieu naziva pojmom simboličkoga i kulturnog kapitala. Zvijezde show-biznisa nisu više „slavni praznoglavci“ koji lamataju i glumataju u zaleđu društvene piramide moći o svemu i svačemu kao medijski intelektualci nalik onim histeričnim lutkama iz Muppet-showa. Oni postaju dolaskom društvenih mreža (Facebooka, Instagrama, Tik-Toka) nezaobilaznim figurama javnoga mnijenja, pa sve do toga da s Ronaldom Reganom i Arnoldom Schwarzenegerom u taboru republikanskih političara u SAD-u predstavljaju model nove neoliberalne politike koja savršeno spaja populizam i fundamentalizam u ideologijskome smislu. Bez njihova stava, naime „kulture slavnih“ koja se prvotno oblikovala u difuznome spektaklu TV-mreža, a onda prešla u stadij integrativnoga spektakla s globalnom moći interneta i društvenih mreža, više ništa ne može proći intaktno. Naravno, nemojmo od miševa praviti slonove, jer ikone ove „kulture slavnih“ unaprijed znaju svoje životno-misaone i etičko-političke granice. U našem slučaju, u slučaju, dakle, lokalne i provincijalne male seoske priredbe baš kao i u slučaju naše tzv. velike seoske priredbe i njezina statusa u razmjeni simboličkoga kapitala kulture stvar je posebno iritantna i groteskna jer „mali“ žele po svaku cijenu postati „veliki“, pa kao u Papićevu filmu oponašaju ono što je strano i sublimno spektakularno baš kao što su to slučajevi onog što je u populističkoj politici današnjice evidentno kao pojam operetne diktature koji je literarno skovao njemački intelektualac Hans Magnus Enzensberger. U našim reality-show „malim seoskim priredbama“ nema više nikakve romantike iz vremena „kad je željeti još pomagalo“, kako je to pjevao Peter Handke u njegovoj knjizi Živjeti bez poezije. Sve je postalo totalnom lakrdijom i borbom za ulazak diletanata u veliki show svim mogućim sredstvima. Luzeri i diletanti nisu više figure „tragične svijesti“, već depresivno-manijakalne figure koje sve javno ispovijedaju svoje psiho-boljke i težak život traumatizirane osobe. Još samo fali da na nekoj takvoj amazing-lakrdiji pristupnik za talenta godine u kategoriji davljenja publike pjesmom i plesom naroda onkraj Vrlike i okolnih planina svoje hip-hop madrigale ne začini priznanjem da ga je silovao Otac u prednatalnome stanju, a Majka ga uspavljivala s kokainom, vodkom i pjesmicom iz genijalne nadrealističke svaštare velikog srpskoga pjesnika Vaska Pope, Od zlata jabuka koju vrijedi posebno istaknuti kao credo ne samo za vječne balkanske prostore, već i mnogo, mnogo, premnogo šire: Biće jednom i u paklu vašar. Davno je prošlo vrijeme kad su diletanti bili okupani samilošću jednog Borgesa koji je i manjem pjesniku iz antologije posvetio dužnu pozornost, a čak i najgorim takvim amaterskim piskaralima dao kakvu-takvu metafizički uzvišenu fusnotu, nek’ im se nađe na putu za krivi Parnas. Sada takvi likovi kipte od bijesa i prijete žiriju i organizatorima da će doći i dogodine da im se napiju krvi zvjezdobiznisovske. Obećavaju im da će sa sobom povesti ludog strica i klobučara, velikog strašnog Zeca i orkestar trubača iz Guče, pa kome obojci kome odojci. Nema priznanja poraza i gole istine da čak i ako netko proda vozni park svojih bagera i kamiona jer je umislio da je u njemu nepatvoreni VOICE bolji od Alage Gagića i Elia Piska, ma što to govorim, Mitra Mirića i Franka Sinatre, da bi doživio vatreno obožavanje publike i pad u trans-ekstazu ponajveću, jest ono što jest, naime diletant i tako će zauvijek ostati. Ne, to je kraj svekolike velike priče o smislu životu u doba vladavine društva spektakla. Jeste li ikad čuli da je neki vrhunski književnik, primjerice, slavni Stephen King Horor poželio biti top-manager godine i zaposliti se kao saldo-konto-kupac u korporaciji koja se bavi sintetičkim otpadom, ili, pak, da je slikar poput Luciana Freuda tako mahnito težio postati šefom postrojenja za vađenje granita u nekom velškome rudniku i imati u svojim rukama čitavu britansku industriju koksa i žive. Naravno, to bi bilo ekscentrično i bizarno ludilo slavne osobe koja je, eto, na kraju svoje karijere jednostavno puknula. No, kad generali, pape, bankari, domaćice, profesorice, umjetnici i umjetnice tako suludo teže slavi reality-show trudbenika i trudbenica, onda je to ne samo samorazumljivo, već i paradoksalno kazano, opravdano. Zašto? Čemu sva ta gnjavaža da je čak i meni nelagodno slušati njihove glasove koje naliče tupome nožu koji te reže natenane i još u tome beskrajno uživaju misleći da su ono što nisu i želeći da ih svijet konačno prepozna i kao maestralne umjetnike/umjetnice iz paklenoga raja diletantizma? Lako je još bilo Papićevim seoskim zvijezdama iz međimurskoga sela Orahovica. Publika je znala svakoga od diletanata i svi su lokalni diletanti znali svakoga u publici. Nitko nikome nije mogao prodavati bozu pod drenovaču. No, svi su također znali već tada da ono što nadilazi malu seosku priredbu nije ništa lokalno, već ima globalne potencijale ponajprije u tehničkome smislu. Svi su znali da su snimani i da ih ne gledaju samo susjedi i susjede, već i Veliki Treći, oko filmske kamere koje nikad nije ništa neutralno. Ono je sublimni objekt narcističke kulture spektakla u kojem i najmanji Nitko postaje najveći Netko i obratno, u kojem ni one Hegelove šarene krave u noći nisu više crne, već su simulakrum tehničke slike koja ubrzano smjera vlastitoj samoproizvodnji privida i doživljaja polazeći od onoga što pripada ljudskoj želji za samopriznanjem. Heroji su odavno passé, jer njima pripadaju groblja, nazivi ulica i nakaradni spomenici na javnim trgovima. Umjesto heroja svi žele biti umjetnici života, elita „kulture slavnih“, ne više onih 15 minuta koje im je štopericom mjerio papa pop-arta u njegovoj Factory, već zauvijek, pa makar ta vječnost bila i manja od zadanog vremena prema Mr. Warholu. Svi žele svoj urođeni diletantizam razviti do profesionalne karijere. Tako je bilo i s Pasolinijevim i Herzogovim naturščicima iz njihovih slavnih fimova, koji se nisu mirili da iznova padnu u zaborav anonimnosti i besmisla, pa su poneki od njih nastavili s glumom uglavnom u nekim drugim lošim filmovima. Njihov je problem bio što nisu shvatili da imaju smisla samo u anti-filmskoj estetici njihovih slavnih redatelja. Izvan tog kruga smisla posve su beznačajni i otpadaju iz ove igre tamo gdje su preživljavali i prije no što su ovjekovječeni na filmskome platnu. Rubne su sudbine samo i jedino sudbine ruba i tako će i ostati. Problem više ipak nije samo u Velikome Trećem, tom svevidećem Oku prazne slave, nego u strašnome otrovu taštine. Proživjeti ovaj jedan život kao Borgesov manji pjesnik iz antologije u kakvoj fusnoti od nepriznanja, poput luzera i nepoznatoga nekog u moru svatkovića/nitkovića ꟷ ima li gore kazne za ovaj samoljubivi ego jednog društva koji se raspada od želje za produljenjem spektakla do posljednje postaje tehnološke singularnosti? Ima. Još je gore vjerovati da je to važnije od svega drugoga u životu. Hermann Broch je etički poziv umjetnosti smatrao uvjetom mogućnosti svakog estetskog ludila slave i savršenstva djela. Je li bio u pravu? Nije, kao što nisu u pravu ni oni poput mladoga Handkea koji je krajem 1960ih napisao svoj manifest esteticizma književnosti naslovljen Ja sam stanovnik kule od bjelokosti. Nitko nije u pravu. Djelo govori samo za sebe, a diletanti služe da pogon umjetnosti u svim svojim aspektima i nadalje pokazuje putokaz ljudima da ne polude od svoje urođene genijalnosti. Slava otpalim diletantima!

November 9, 2024
Mijenja li uzdah čovjeka?

Mijenja li uzdah čovjeka?

1. Paul Valéry je za života objavio knjigu poezije naslovljenu Charmes, a u svojim je Cahiers koje je pisao svaki dan u praskozorje ostavio podosta nacrta i gotovih pjesama nakon 1925. godine. To je doba kad je sâm na začudan način pokazivao znakove tzv. odustajanja od poezije premda je već 1898. prekinuo s poezijom i posvetio se filozofiji i poetici. No, odustajanje valja razumjeti kao preispitivanje i skeptičko vježbanje vlastite estetičke egzistencije koja je nakon Mallarméa zacijelo jedinstveni slučaj spajanja duhovnoga eskapizma i divne samotnosti koja omogućuje duhu usmjerenom na biti stvari posvemašnju strogost i jasnoću. Ipak je on filozof i pjesnik koji se nadovezuje na ishodište francuskoga racionalizma koje otpočinje s Descartesom. Tako u posljednjem fragmentu pjesme u prozi, simboličke parabole „Toplo more“ koja zaslužuje da je se u cijelosti navede čitamo: „Sa knjigom zatvorenom, pijan od uzvišenog pijanstva brzih prisvojenih imaginacija, trčah kroz poljanu bujicom misli ponesen. I nisam video ništa. Moj mi se život suprot- stavljao i posmatrao sam ga izvan sebe kao kakav roman, čitan u mom mozgu. Tako dobro da naglo probuđen jednim udar- cem sunca između grmova, ili piskom mašine ꟷ nije važno ꟷ JA VIDEH! I u istom trenu ucrta se ukazani krajolik, u mome duhu. „Grad“ je, sada, blistao daleko ꟷ Stvarni nastavak sa imaginarnim poglavljima već pre- đenim. Što određuje ovu poeziju ako ne duh korelacija između tradicionalnog simbolizma ranoga modernizma i prožimanja refleksije s fragmentima kaotične pojavnosti. Poezija je stoga unošenje reda u ovaj kaos i entropiju svijeta. Zato je Valéry za mene uvijek bio više-od-pjesnika u metafizičkome smislu te riječi. On „proizvodi“ višak osmišljavanja i to u doba koje više nema ništa u sebi „poetsko“, a što su u 19. stoljeću već slutili i najavljivali njegovi veliki prethodnici poput Mallarméa i Baudelairea. Sve je već stiješnjeno u duhu čovjeka koji, kako to kaže sam Valéry na jednom mjestu, sebi samome razotkriva kako na kraju svake misli postoji uzdah. U fragmentu pjesme „Toplo more“ susrećemo se s „knjigom“, „uzvišenim pijanstvom“ i „Gradom“. Nije to, dakle, opjevavanje nečeg što već postoji u ovome svijetu bačenosti čovjeka u svijet i izbačaja samoga svijeta kao onog što se čovjeku suprotstavlja kroz silinu i moć prirode i kontingenciju života koji pretpostavlja bujanje, rast i usahnuće. Veličina je Valéryjeve poetske misaonosti u tome što nas dovodi do kraja mogućnosti pjevanja uopće jer poiesis prestaje biti „proizvodeći“ jezik stvaranja svijeta onog trenutka kad se preobražava u autopoiesis, tu samozatvorenu strukturu proizvodnje teksta bez izravne sveze s pojavnošću stvari. Misao je energetizirana i odjelovljena u samorefleksiji. Otuda „knjiga“, „uzvišeno pijanstvo“ i „Grad“ pripadaju simbolima moderne raščaranosti koja od Mallarméa do Rimbauda traži posve drukčije nadahnuće za mogućnost poezije od mimetičkoga zanosa s onim već uvijek opstojećim. Život koji se odjednom pjesniku pokazuje kao „kakav roman, čitan u mom mozgu“ postaje čin samoproizvođenja jezika koji se suprotstavlja onome zbiljskome svim silama očuvanja dostojanstva samoga „pjesničkoga umijeća“, kakvo je zahtijevao Nicolas Boileau-Despréaux (1636.-1711.) u svojoj poznatoj raspravi. 2. U eseju „Čista poezija: Bilješke za predavanje“, Valéry nam kazuje kako je gotovo onako uzgred, bez većih pretenzija i nakana, spomenuo u predgovoru knjige stihova jednog njegova prijatelja izraz ꟷ čista poezija. Sâm nije ni mogao pretpostaviti kakve će posljedice sve to imati za daljnju raspravu o smislu poezije u 20. stoljeću i uopće za književnost(str. 297). Budući da izraz, po Valéryjevim daljnjim objašnjenjima, nema nikakve veze s nekom novom teorijom poetske djelatnosti, već ukazuje na neku vrstu „udaljavanja“ od tzv. čistog praktičnoga svijeta, čini se stoga da se dospijeva u poeziji do mogućnost dosezanja „uzvišene i žive supstancije“ (str. 297). Ono „čisto“ o kojem se u ovom eseju jasno govori nije ništa drugo negoli pročišćeno i otuda iskonsko i samostojeće, oslobođeno svih natruha izvanjskih utjecaja koji „mute vodu“. I zato Pjesnik može s punim pravom kazati da je to isto kao kad „fizičar govori o čistoj vodi“ (str. 280). Filozofijski je govor još stroži u tom pogledu. U isto vrijeme negdje, Husserl u svojim zahtjevima za čistim idejama iz fenomenologijskoga stajališta uvodi u optjecaj pojam eidetske redukcije. Sve se mora svesti na najmanji zajednički nazivnik procesom odstranjenja svih postojećih onečišćenja ma kakvi god bili njihovim svođenjem na ono prirodno i nesvodljivo kao takvo. Iz pojave se izvodi ideja. Iz ovog motrišta je čista poezija toliko jasna i nedvosmislena. Ona se pokazuje u svojoj „čistoći“ na isti način kao i „čista filozofija“ ili „čisto nebo“, što znači da je imanentno poeziji ono što nije ni etika ni politika, niti svodljivost na društvene odnose niti, pak, na neke krajnje mesijansko-eshatologijske vizije povijesti. No, Valéry će u jednom trenutku sve ovo dovesti u pitanje te uputiti na mogućnost da je zapravo čista poezija „fikcija nastala iz promatranja“, pa predlaže ni manje ni više gotovo „prokazanu“ riječ koja bi trebala nadomjestiti „čistoću“. Taj zamjenski pojam jest ꟷ apsolutna poezija. U 19. stoljeću je vladalo oduševljenje za svime što je imalo takav prizvuk. Glavni je krivac za sve to, a tko drugi negoli Georg W. F. Hegel. Njegova je filozofija spekulativno-dijalektički put razvitka svijesti do samosvijesti i do apsolutne znanosti duha. Isto će u drugom mediju, onom glazbe, zahtijevati i Ludwig van Beethoven, iako je izraz apsolutna glazba ponajviše rabio Richard Wagner.Ne ulazeći ovdje u prijepor oko tog pojma, dostatno je samo još pripomenuti da Valéry u izrazu čista poezija nastoji obuhvatiti odnose između riječi i osjećajnosti koju ova majka svih umjetnosti kazivanja iznosi na vidjelo. Na taj način nastaje ono što je očigledno vladajući duh vremena modernosti i postmodernosti 20. stoljeća: poezija nije više samo pjevanje o svijetu nego teorija samoga poetskoga djelovanja u svijetu s pomoću dekonstruiranoga jezika. Valéry je u filozofskome smislu nastavljač Descartesa drugim sredstvima. To, međutim, ne znači da poeziju razdvaja na dvije strane poput res cogitansa i res extensae. Ono osjećajno se ne može svesti niti na učinak uma niti na podražaje tijela, već u svojoj autonomnosti izranja iz cjeline svih jezično-glazbenih odnosa kojom se poezija od iskona pojavljuje u svijetu kao mimesis, reprezentacija, doživljaj i ekstaza samoga života. Jasno je da se time otklanja instrumentalna funkcija i jezika i poezije, te se oslobađanje jezika u samome sebi događa u korelaciji s „pjesničkim umijećem“ onkraj bilo kakve praktičnosti i prigodnosti. Valéry ulazi suptilno u analizu čiste poezije tako što stvara analogiju glazbe s jezikom. Zanimljivo je, pritom, da njegova razlika „svijeta zvukova“ od „svijeta šumova“ nastoji pokazati, uistinu kartezijanski, kako se nastanak glazbe kao ljudskog, duhovnoga umijeća i onoga što pripada umjetnosti zbiva kroz razliku prirode i duha. No, analogija koju uzima ovdje nije puko pojavljivanje onog što je slično, već se time želi ukazati na kvalitativnu razliku koju poezija u odnosu spram glazbe unosi u svijet. Poezija, naime, svoju ljepotu i uzvišenost s jezikom postiže tek onda kad se pročisti od svakodnevice koju jezik opisuje i koristi samo u funkcionalnome smislu. Razlika između glazbe i poezije, kako to Valéry naglašava, sastoji se u tome što je poeziji inherentan smisao, a glazbi poredak zvukova (str. 303). Sve što jezik u poetskome smislu krasi odvija se u složenosti „fonetike, metrike, ritmike“ u suglasju sa „logičnim i semantičkim oblikom koji sadrži retoriku i sintaksu“ (str. 303). Kad to imamo u vidu, razvidnim se čini kako je zadaća „čiste poezije“ onkraj granica jezika kao takvoga. To je ono nesvodljivo područje neiskazivosti i nedokučivosti što se već od nastanka filozofije u iskonu Grka pojavljuje gotovo aporijom jer mudrost nikad nije ono što je dosegnuto razumom, već i ono što u svojoj iskonskoj šutnji podaruje svijetu tajnu koju poezija u navlastitoj čistoći razotkriva u skrivenosti. Valéry promišlja vlastitu zadaću pjesnika i kad se čini da je njegovo odustajanje od poezije neporecivo. 3. U poemi „Morsko groblje“ („Le Cimètiere marin“) dovršene 1920. godine uvijek sam čitajući je uživao u simboličkim sklopovima ili slikama mišljenja, kako bi to rekao Gilles Deleuze. Možda i jedna od takvih najmoćnijih misaonih slika jest ꟷ hram vremena. Četvrti fragment ove poeme glasi ovako. Navest ću ga razlomljeno. „Hram vremena, kog sažima uzdah, čistom visu penjuć se obuzdah, okružen svojim pogledom morskim…“ (str. 128) Zašto razlomljenost i zašto blasfemično prizivanje veličajne poeme koja bi zahtijevala ponajmanje jednu opsežnu analizu duhovnoga ozračja i simboličke usmjerenosti nečeg takvog kao što je to „Morsko groblje“? Samo zato što se i ovdje susrećemo s uzdahom. Sjetimo se ovog Valérijeva stiha već spomenutoga u ovom tekstu: Na kraju svake misli postoji uzdah. Život je disanje, uspinjanje spram zračnih prostranstava duše i sva je poezija samo to: prvi i posljednji uzdah. Prolazeći kroz taj nevidljivi „hram vremena“ osluškujemo mirise i zvukove mora zagledani u ogledalo vlastite fluidne besmrtnosti. Čista poezija? A kakva drugo još ima smisla u ovom napuštenome svijetu kojeg od propasti još samo čuvaju filozofi i pjesnici mlade Parke, zar ne?

November 8, 2024
Zijev neba, pjev zemlje

Zijev neba, pjev zemlje

1. Umjetnost između bezdana i svjetla Ni jedan veliki suvremeni filmski redatelj ne može se svesti na umjetnika kao pukog utjelovljenoga prenositelja na filmsko platno mišljenja nekog od prekretnih filozofa suvremenosti. Postoje ipak filmovi-ideja poput Matrixa braće Wachowski koji su gotovo prijepis bodrijardovskih postavki o stvarnosti kao poretku simulakruma. Baš je to nagnalo Borisa Groysa da taj film proglasi slučajem ‘ofilmljenja filozofije’ u smislu čiste tautologije mišljenja-kao-slike. Zato se ovome filmu riskira uputiti ozbiljne prigovore iz razloga što bi onda to bio ujedno i kritički govor o Baudrillardovoj postmodernoj strategiji mišljenja, a ne o vrlinama i manama kultnoga filma generacije X. (Boris Groys, „Die Verfilmung der Philosophie – Die Philosophie der Matrix“, https://www.schnitt. de/themen/artikel/philosophie der_matrix_die_verfilmung_der_philosopie. html./ i „Iconoclasm as an Artistic Device: Iconoclastic Strategies in Film’, u: Art Power, The MIT Press, Cambridge-Massachusetts, London, 2008., str. 67-82. ) Godard nije ‘ekranizirao’ filmsko mišljenje Deleuzea, kao što Bergman nije filmizirao Kierkegaardove i Freudove ideje u svojim djelima poput Sedmoga pečata i Divljih jagoda. Između filma kao filozofije i filozofije kao filma uistinu postoje složene međuovisnosti. No, ipak postoji jedna potpuna iznimka zbog čega nije rijetkost da se za njegovo filmsko stvaralaštvo već uobičajilo rabiti izraz hajdegerijanski film. (Marc Furstenau i Leslie MacAvoy, „Terrence Malick’s Heideggerian Cinema’, Vertigo, 7.9. 2023. https://www.closeupfilmcentre.com/vertigo_magazine/volume-2-issue-5-summer-2003/terrence_malick-s-heideggerian-cinema7) Znači li to da je suvremeni američki redatelj Terrence Malick hajdegerijanac kao onaj koji slijedi misaone putove majstora iz Todtnauberga u svojim filmovima kao slikama događaja ili, pak, da samo podaruje filmu neki gotovo hermetični ugođaj koji tek posredno izaziva asocijacije na Heideggerove pojmove poput četvorstva (Geviert), zgode (Ereignis), opuštenosti (Gellassenheit)? Čini se da je odgovor između ove dvije suprotstavljene logike kao vladavine diskursa nad slikom i obratno, odnosno da je onkraj ovih suprotnosti. Da bismo to pokazali, jer se u filozofijskome razumijevanju filma ne događa nikakvo konačno presuditeljsko dokazivanje vlastite spoznajno-teorijske pozicije u sporu oko ‘istine’, već je riječ o promišljanju filmskoga mišljenja kroz slike događaja u nastojanju približavanja onome odlučnome za egzistencijalni susret slobode i bestemeljnosti bitka, pokušat ćemo analizirati dva Malickova ključna filma koja se nude kao otvorenost struje mišljenja onog što pripada Heideggerovoj postavci o prevladavanju metafizike (Überwindung der Metaphysik) i „drugome početku“ (andere Anfang) novoga mišljenja smisla bitka i vremena. (Martin Heidegger,,Überwindung der Metaphysik“, u. Vorträge und Aufsätze, Klett-Cotta, Stuttgart, 11. izd. 2009., str. 67-95. i Martin Heidegger, Über den Anfang,(1941)GA, sv. 70, V. Klostermann, Frankfurt a. M., 2005. 12. izd.) To su filmovi Dani raja (Days of Heaven) iz 1978. i Tanka crvena linija (The Tin Red Line) iz 1998. godine. Malick je u suvremenom američkome filmu i uopće u svjetskoj kinematografiji ekscentričan slučaj redatelja na rubu između filozofije i poetizacije života. Usto, on sam stvara jedan očigledan paradoks kad je riječ o Heideggeru i filmu. Naime, poznato je da je mislilac povijesnosti bitka i vremena u svojem traganju za izvornim smislom događaja koji nadilazi novovjekovnu zapalost bitka u postav (Gestell) kao bit tehnike, ostajao ravnodušan spram filmske umjetnosti i filma kao novoga medija u 20. stoljeću. Razlog je istovjetan Heideggerovu stavu spram avangardne umjetnosti slikarstva zbog njezine redukcije bitka na apstraktnu sliku koja mišljenje kao kazivanje u cijelosti podvrgava procesu tehničkoga subjektiviranja. Drugim riječima, umjetnost slikarstva, uz iznimke Cézannea i Klea, ne otvara mogućnost osmišljavanja bitka iz izvorne poetske kaže (Sage). Umjesto toga, sve se nihilistički svodi na uspostavljenost i ustrojenost pogona ‘kulture’ i ‘estetike’ kao nadomjesnih struktura umjetnosti. Ona gubi višeznačnost jezika i postaje puki ‘doživljaj’ dehumaniziranoga subjekta kojemu metafizika daje posljednje opravdanje. (U jednoj bilješci uz Kleeov dnevnik, Heidegger zapisuje: „Današnja umjetnost: Nadrealizam = metafizika; apstraktna umjetnost = metafizika; nepredmetna umjetnost = metafizika“. – Vidi: Günter Seubold, Kunst als Enteignis: Heideggers Weg zu einer nivht mehr metaphysischen Kunst, DenkMAL Verlag, Bonn, 2005. 2. izd. str. 125.) Paradoks je, dakle, u tome što jedini mislilac suvremenosti koji nije u filmu vidio ništa odlučujuće za obrat u biti metafizike postaje zahvaljujući Malicku vjerodostojnim znakom moguće filozofijske interpretacije filma ili još bolje, filmskim mišljenjem kao mogućnošću drukčijega uvida u otvorenost nadolazeće budućnosti. Naravno, postoji podosta razloga zašto je baš Terrence Malick u svojem „hajdegeriziranju“ filma kao slikovne umjetnosti događaja onaj ekscentrični slučaj koji nadilazi sve već viđene mitopoetske i filozofijske pristupe filmu u 20. stoljeću. Ponajprije, nikad ne smijemo smetnuti s uma da je Malick studirao filozofiju na Harvardu i to sa Stanleyem Cavellom, uz Deleuzea najznačajnijim predstavnikom ontologije filma. 1965. godine dobio je stipendiju za nastavak studija na Oxfordu. Ali je već godinu kasnije prekinuo s profesionalnim putom filozofije i zaputio se u spisateljski posao kao novinar New Yorkera, Lifea i Newsweeka. Kao novinar je otišao 1967. godine u Boliviju da izvještava sa suđenja francuskome teoretičaru, mediologu i ljevičarskome intelektualcu Regis Debrayu, koji je bio najbliži suradnik Che Guevare u njegovoj revolucionarnoj gerilskoj borbi. 1968. godine Malick je poučavao filozofiju na MIT-u, a 1969. objavio je svoj prijevod Heideggerove znamenite rasprave O biti razloga iz 1929. godine (Vom Wesen des Grundes) s kritičkim uvodom i bilješkama. (Martin Heidegger, The Essence of Reasons, Northwestern University Press, New York, 1969. Prijevod s njemačkoga Terrence Malick. Vidi o tome: Stuart Kendall i Thomas Deane Tucker, „Introduction“, prir., Terrence Malick: Film and Philosophy, Continuum Books, London, 2011., str. 5-6. ) Drugi razlog, po mojem sudu, zašto Malick stvara formalno hajdegerizirajuće filmove kao predstavnik novog holivudskoga filma krajem 1960ih i 1970ih godina zajedno s Coppolom, Lucasom, de Palmom, Lynchom, Spielbergom, Scorceseom i drugima, leži u tome što je, kako je to precizno ustvrdio Stanley Cavell, pronašao ono što čini bit filmske ontologije uopće, a što proizlazi iz fotografske slike kako su to razvili Siegfried Kracauer i André Bazin. Bez ove inovacije njegovi filmovi ne bi imali auru slikarskoga ugođaja i ozračja umjetnosti koja otvara temeljna pitanje o biti svijeta između bezdana i svjetla. Naime, ove su slike, prema Cavellu, kao refleksivne slike one koje posjeduju ontologijski status objekta projiciranoga na platnu“ i stoga „samo-referencijalno razmišljaju o svojem fizičkome izvoru. Njihova se prisutnost odnosi na njihovu odsutnost, njihovu lokaciju na drugome mjestu.“ (Stanley Cavell, The World Viewed: Reflections on the Ontology of Film, Harvard University Press, Cambridge-Massachuetts, 1979.,str. xv.) Filmska fotografija postaje refleksivna samo zbog toga što u filmovima Terrencea Malicka kamera ne slijedi logiku stvarnosti kao takve, već se usmjerava na znakove drhtaja i treptaja, vibracije zemlje i neba, oceansku tišinu duše, osluškivanje vjetra u stablima kao navještaj uzvišenoga i traumatskog događaja. Nekim je tumačima to dokaz da se iza sklopa hajdegerijanskoga filmskoga stvaralaštva skriva ono božansko kao u filmu Drvo života (The Three of Life) iz 2011. godine. Umjesto Boga kao apsolutne transcendencije kao da Malick usmjerava pozornost na ono što poput slike nevidljiva duha ulazi u svijet kroz tiho treperenje vlati trave i sve se odjednom pokreće, sva duhovnost-duševnost svijeta koji se filmom kao slikom događaja ne prikazuje i ne predstavlja, ni simbolički ni alegorijski, već se u fizičkoj odsutnosti pojavljuje kao zvuk uzvišene ljepote onog što spaja nebo i zemlju, besmrtnike i smrtnike kao iz Heideggerove misli o četvorstvu onkraj metafizike (Geviert). (Vidi o tome: Christopher B. Barnett, „Spirit(uality) in the Films of Terrence Malick“, Journal of Religion and Film, https://digitalcommons.unomaha.edu/jrf/vol17/iss1/33) Treći razlog, naposljetku, zacijelo je odlučujući za Malickov paradoksalni naum da u suvremeni film, i to u kontekstu američke holivudske apokaliptičko-komercijalne spektakularnosti od 1990ih do danas, unese posvemašnji Gelassenheit-sindrom. Naime, da umjesto buke i bijesa hiperrealnosti i biografske dokumentarnosti otvori put začaranosti mitopoetskim romantiziranjem svijeta kao slikovnoga ofilmljenja iskustvom elementarne osjećajnosti koja dolazi iz biti onog što pripada jednostavnosti života na zemlji. Prvi koji je jasno upozorio na izravno-neizravni odnos između Heideggera i Malickovih filmova bio je, dakako, Cavell i to zato što je posrijedi uvođenje posve novih pojmova izvan granica metafizike. Kao što je Heidegger u analizi umjetničkoga djela otvorio mogućnost uvida u trojstvo onog što pripada biti samoga djela kao postavljanja-istine-u-djelo (Ins-Werk-Setzen der Wahrheit), uz umjetnika i samu zemlju kao događanje izvornoga tla kao ukorijenjenosti bitka u svijetu, tako se i u Malickovim filmovima zbiva pokušaj smjernoga uzdizanja čovjeka iz svoje uspostavljenosti kao subjekta i gospodara nad zemljom. (Martin Heidegger, „Der Ursprung des Kunstwerkes“, u: Holzwege, V. Klostermann, Frankfurt a. M., 2003., str. 1-74. Vidi o odnosu Heideggerova shvaćanja biti umjetniosti i Malickovih filmova tekst Roberta Sinnerbrinka, „A Heideggerian Cinema’? On Terrence Malick’s The Thin Red Line“, Film-Philosophy, Vol. 10.br. 3 , prosinac 2006, str. 26-37. https://www.euppublishing.com/doi/epdf/10.3366/film.2006.0027) Pogledajmo, dakle, kako se to kinematički oblikuje i kakve su dalekosežne posljedice ovog istinskoga obrata u biti suvremenoga filma njegovim povratkom onome što je izvornije od svake opsesivne želje za preobrazbom slike u događaj istinske stvarnosti života kao tehnosfere. 2. Dani raja ili o „tragičnoj nerazlučivosti“ Radnja Malickova vjerojatno najznačajnijeg filma uopće Dani raja (Days of Heaven) snimljenog 1978. godine se odvija u godinama pred Prvi svjetski rat. Nakon što u sukobu nehotice ubije nadzornika, siromašni tvornički radnik Bill, kojeg igra Richard Gere, bježi iz grada. S njim putuju mlađa sestra i njegova djevojka Abby, a igra ju Brooke Adams. Kako bi izbjegli ogovaranje Bill predstavlja i Abby kao svoju sestru. Pronalaze posao na osamljenoj farmi u Teksasu, čiji je vlasnik bogat ali teško bolestan mladić, kojeg je filmski utjelovio američki pisac, redatelj i glumac Sam Shepard. Njemu se svidi Abby, a Bill je nagovori da se uda i uzme nasljedstvo. Ona to prihvati. No, zdravlje njezinog novog muža se naglo poboljša i ona se počinje zaljubljivati u njega, a Bill postaje ljubomoran. Dok iz liječnikovih kola krade lijek za Abby, Bill slučajno čuje razgovor iz kojeg sazna kako je mladi vlasnik teško bolestan te mu ostaje tek oko godinu dana života. Farmer, sada svjestan da nema puno vremena, skuplja hrabrosti i približava se Abby. Pritisnut bijedom i brigama za njihovu budućnost, Bill je nagovara da prihvati gazdino udvaranje, uda se i potom stekne veliko nasljedstvo koje će joj pripasti nakon muževe skore smrti. Njoj se ta ideja ne sviđa, ali Bill, kojemu je dosta siromaštva, inzistira. Nakon završetka žetve, radnici napuštaju farmu, a Abby ostaje u farmerovoj kući zajedno sa svojim bratom i sestrom. Uslijedi vjenčanje. Abby isprva osjeća krivnju i nesretna je, no na bračnom putovanju uživa i počne se zbližavati s mužem. Bill je zadovoljan zbog novostečene materijalne sigurnosti i činjenice da ne mora po čitav dan raditi, ali počinje ga moriti činjenica da je Abby s drugim muškarcem. Njegovo zdravstveno stanje se stabilizira i postaje jasno da neće tako brzo umrijeti. Za vrijeme zajedničkog lova, Bill pomišlja na ubojstvo. Farmerov stari upravitelj sumnja da su njih dvoje prevaranti. Očinski zabrinut, upozorava svojeg poslodavca na što se mladić naljuti, ali i sam počinje razvijati sumnju. Istodobno, Bill uviđa da Abby voli svojeg muža. Ljutit napušta farmu i vraća se tek nakon nekoliko mjeseci. Svjestan da je sam kriv za nastalu situaciju, želi se konačno oprostiti od nje i otići. No njezin muž ih vidi zajedno i to ga razbjesni. Dok farmom haraju skakavci Bill pomaže da ih se istjera dimom. Farmer nasrće na njega i u bijesu izazove požar koji uništava cijelo polje. Bill ga u samoobrani ubije i bježi s Lindom i Abby. Farmerov stari upravitelj organizira potjeru i nakon nekog vremena ih pronalaze. Bill pruža otpor i ubiju ga. Abby, otprije shrvana krivnjom zbog svega što se dogodilo, smješta Lindu u djevojačku školu i ukrcava se na vlak koji prevozi vojnike, vjerojatno kako bi radila kao bolničarka. Linda sreće svoju staru prijateljicu, koju je upoznala dok su radili na farmi, i s njom pobjegne iz škole bez ideje kamo će naposljetku otići. Film je iznimno dobro prihvaćen od strane kritičara. Posebno je hvaljen snimateljski rad uz izbor lijepih scena, koje su inače karakteristične za sve Malickove filmove. Mnoge scene snimane su u jutarnjim i večernjim satima čime su postignuti posebni efekti osvjetljenja (nebo bez sunca). Snimanje se odvijalo u Alberti (Kanada). Za vrijeme postprodukcije, Malick je proveo dvije godine u radu oko montaže izbacivši mnoge scene dijaloga i zamijenivši ih pripovjednim ulomcima Linde Manz koja u filmu glumi mladu sestru. Da bi upotpunio film, godinu dana nakon završetka snimanja pozvao je glumce da snime dodatne scene. Snimatelj Néstor Almendros dobio je Oscara i još nekoliko nagrada za najbolju fotografiju (na izradi je također sudjelovao i snimatelj Haskell Wexler) a Malick je, kao najbolji redatelj, nagrađen u Cannesu kao i od strane američkih filmskih kritičara. Osim toga, film je bio nominiran za Oscara i u kategorijama izrade kostima, zvučnih efekata i originalne glazbe Ennia Morriconea uz korištenje melodije iz Saint-Saënsova djela Karneval životinja: Akvarij. 2007. film Dani raja je uvršten u američki Nacionalni filmski registar kao kulturno, povijesno ili estetski značajno djelo. Ponajprije, ni jedan drugi Malickov film osim možda Tanke crvene linije nema ovaj epsko-narativni scenarij koji sam po sebi kao da je izašao iz nekog veličajnoga romana o povijesti Amerike u 20. stoljeću. Tako nije začudno što Stuart Kendall u svojem izvrsnome tumačenju filozofijske strukture filma govori o „tragičnoj nerazlučivosti“. (Stuart Kendall, „The Tragic Indiscernibility of Days of Heaven“, u: Stuart Kendall i Thomas Deane Tucker, prir., Terrence Malick: Film and Philosophy,, str 148-164..) Iako je sinteza fotografske slike kao refleksivne slike događaja i onog što slika emanira u svojoj uronjenosti u ljepotu gotovo idilično-pastoralnoga prikaza prirode u svim svojim cikličnim zbivanjima poput Vivaldijevih godišnjih doba ono što Malick nastoji u ovome filmu dovesti do savršenstva, čitav se pripovjedni okvir filma podudara s onim što povezuje ljudsku tragediju ljubavnika i nomada s kontingentnom nužnošću prirodne-ljudske apokalipse. Laž, privid i neznanje o karakteru odnosa između ljubavnika i vlasnika farme ima strukturu želje za ovladavanjem Drugime sve dok Drugi nesvjesno ne stvori situaciju posvemašnjeg stanja entropije i to iz bezuvjetne ljubavi spram Abby. Sve se, dakle, raspliće u smjeru nužne tragične ne-razlučivosti između aktera ove snovite idile koja ima vrlo realan dekor uspona i propasti američkoga moderniteta onkraj velegradova, u srcu Zapada kao obećane utopije blagostanja i sreće. Nije slučajno Malick već na početku filma postavio pred gledatelje montažu fotografija s kraja 19. i početka 20. stoljeća odavši tako priznanje velikim američkim fotografima poput Lewisa Hinea i H. H. Benetta, uz slike pastorala iz europskoga slikarstva koje su obilježile vizualnu nostalgiju za selom i idiličnim krajolikom poput slika Breughela i Courbeta, primjerice. No, njihova je funkcija sve drugo negoli realistična. Posrijedi je čista tehnika postmodernizma s elementima parodije, pastiša i ironiziranja svijeta koji skriva svoju sklonost nasilju i traumatskoj povijesti kapitalizma iza bijega u snove i idealiziranu imaginarnu prošlost. Film Dani raja sjedinjuje, dakle, vizualno-auditivnu pastoralnost kao preludij buduće nesreće tragičnih razmjera. Ništa nije spokojno samo po sebi, pa čak ni veličajna simfonija prirode u svojoj bezrazložnosti, jer tragedija koja od Grka do danas proizlazi iz biti onog što je uncanny kao osjećaj jaza između božanskoga i ljudskoga otvara pitanje o razlozima zašto uopće nužnost rasapa svijeta u času njegove uznositosti i sklada. Malick se koristi u snimateljskim kontrapunktima tehnikom vizualizacije onog što nastaje iz pogleda u stvari i njihovu ne-skrivenost poput najezde onih skakavaca kao predznaka apokaliptičkoga događaja ubojstva vlasnika farme i velikog požara u preriji. Gledanje u Drugoga u svim modusima vizualizacije povezuje kameru i ljudski pogled. Što se to gleda ako ne obrisi vidljivosti iza koje ne stoji nikakva transcendentna forma pogleda skrivenoga Boga (deus absconditus), već ono što spaja zijev neba i pjev zemlje, sunce i tijelo u remboovskome značenju vizualne ekstaze života. Veliki modernistički redatelji poput Kurosawe ili Viscontija u svojim su filmovima nastojali vizualizirati ljepotu kao ono što zahtijeva pogled u sublimni objekt isijavanja aure same svjetlosti, što je bila velika težnja impresionista krajem 19. stoljeća. Tragedija se uvijek događa u okružju spokojstva i blaženstva prirode kao romantične idile jer je riječ o slomljenome apsolutu onog što nije grčki physis, već novovjekovna natura naturans i natura naturata. Dani raja ili na engleskome Days of Heaven u Malickovu imaginariju predstavljaju upravo onaj hajdegerijanski događaj Gelassenheita kao dvostruke opuštenosti spram nihilizma bezuvjetnoga postava moderne tehnologije i uopće kapitalističke volje za moć nad prirodom i čovjekom do konačnoga stadija eksploatacije i otuđenja. (Martin Heidegger, Gelassenheit, Klett-Cotta, Stuttgart, 2014. 16. izd.) Međutim, za razliku od modernističke distancije spram objekta snimanja ili pogleda kamere u izvanjski svijet, ovdje je distancija dokinuta i ne postoji više mogućnost osjećajnosti kao iskazivanja patnje i sublimnoga odnosa spram onog što je vidljivo, kao završne scene venecijanskoga lida u agoniji svjetlosti koja se stapa s horizontom uz Mahlerov Adaggieto iz V. Simfonije u Viscontijevu filmu Smrt u Veneciji. Malickova je postmoderna travestija-tragedija u Danima raja u znaku refleksivnih slika događaja iz kojih su likovi u svojoj impulzivnoj dramatičnosti uvijek i samo ikone-figure ne ideja, već onoga što Heidegger naziva u Bitku i vremenu (Sein und Zeitu) egzistencijalijama. I tako se sve uzdiže iz straha, tjeskobe, ugođaja, prisutnosti smrti kao ono što nadilazi ljudsku subjektivnost i postaje više-od-filma, više-od-slike uzvišenoga postojanja u okružju nemetafizičkoga četvorstva (Geviert) neba i zemlje, besmrtnika i smrtnika. ( Martin Heidegger, Unterwegs zur Sprache, Klett-Cotta, Stuttgart, 2007. 14. izd.) Malick je već u počecima svojeg filmskoga mišljenja i vizualnoga kazivanja postavio glumu izvan tradicionalne filmske slike. Umjesto prikaza-i-predstave nečeg kao nečeg, bitka bića govoreći hajdegerovski, krenuo je u ekscentrično dohvaćanje onog što nije iza fizičke prisutnosti objekta u prostoru. To nije nikakva ne-prisutnost ni stvari ni ljudi u prirodi kao pastoralnoj simfoniji života, već otvorenost događaja slike kao kazivanja onoga što je uistinu neskrivenost bitka samoga, ona izvorna grčka aletheia, ali sada uhvaćena okom filmskoga snimatelja i redatelja koji uporno i ustrajno raskida s idejom filma kao nastavkom književnosti, drame i fotografije drugim sredstvima. U njegovim filmovima susrećemo se oživljenim zijevom neba i pjevom zemlje u kojem ljudi kao namjesnici bitka i vremena tragaju za skladom i suglasjem, za smislom življenja onkraj nihilizma i rasapa svekolike bezavičajnosti čovjeka. 3. Tanka crvena linija ili o etičkome paradoksu 1998. Terrence Malick snimio je briljantan film Tanka crvena linija (Thin Red Line), koji se uz Coppolino djelo Apokalipsa danas (Apocalypse Now) može uistinu smatrati najboljim ratnim filmom uopće, iako je to ostvarenje posve onkraj granica tzv. žanra u kojem nasilje, teror, militarizam, patnje i užas ljudskih tragedija uz arsenal sofisticiranih filmskih efekata podaruje filmu moć komercijalnoga uspjeha. Doista se ovaj film pokazuje kao promišljanje pitanja o smislu bitka u hajdegerijanskome ključu filozofijskoga uvida. (Vidi o tome: Marc Furstenau i Leslie MacAvoy, „Terrence Malick’s Heideggerian Cinema’, Vertigo, 7.9.2023. https://www.closeupfilmcentre.com/vertigo_magazine/volume-2-issue-5-summer2003/terrence_malick-s-heideggerian-cinema i Robert Sinnerbrink, „A Heideggerian Cinema’? On Terrence Malick’s The Thin Red Line“, Film-Philosophy, Vol. 10.br. 3 , prosinac 2006, str. 26-37. https://www.euppublishing.com/doi/epdf/10.3366/film.2006.0027) Ipak potrebno je prije analize filma kazati i ovo. Postoji čitav niz pravovjernih filmskih „naratologa“ i kritičara koji odbijaju priznati Malicku vjerodostojnost umjetnički autentičnoga pristupa razumijevanju filma u doslovno sinkretičkome položaju između američkoga realističkog komercijalizma i europskog avangardnog konceptualizma, tvrdeći da su svi njegovi filmovi na rubu opažajne izdržljivosti masovne publike zbog nasilne mito-poetizacije života i zbog romantične estetizacije koje filmu daju snimateljsku ljepotu ikoničnih prizora, ali često glumce pretvaraju u puke objekte tajne mračne neiskazivosti. Nije ni Tanka crvena linija lišena ovih kritičkih zamjerki zbog „filozoficiranja“. Iako istini za volju valja kazati da su prizori kontrapunkta čudesne i uzvišene prirode, oceana i prašume, naspram užasa rata kao borbe do uništenja Drugoga u sukobu između Amerikanaca i Japanaca u Drugom svjetskome ratu na tropskome otoku Gvadalcanal u Tihome Oceanu, ono što Malick osebujno reinterpretira u svjetlu Heideggerove kritike metafizike, nihilizma i moderne tehnologije. Užas se ne događa nikad u iluziji moderne opčinjenosti arhitekturom velegradske uzvišenosti, osim u slučaju novih holivudskih blockbustera apokalipse i katastrofe koji su ništa drugo negoli ispod svake razine kritičke recepcije. Ne, njegova je „topologija bitka“ u iskonskome prostoru u kojem divlja priroda nije pokorena sredstvima ohologa antropocena. Zato je meditativnost glasa koji iskazuje one misli o kapi vode, rosi, trajanju, prolaznosti, vječnosti, iskupljenju i konačnome pomirenju čovjeka i božanskoga u istini bitka kao događaja otvorenosti smisla naprosto nešto što brutalnome realitetu ratnih razaranja i uništenja ljudskosti podaruje višu razinu estetske refleksivnosti. Tanka crvena linija jest ona misaona linija koja prolazi između svjetova metafizičke transcendencije i imanencije, onog prisutnoga i vidljivoga i onog što nadilazi sve patnje, užas i bol egzistencijalnoga nabačaja čovjeka u vremenu jednokratne događajnosti. (Vidi o tome: Hannah Patterson, prir. The Cinema of Terrence Malick: The Poetic Visions of America, Columbia University Press, New York, 2007. Ističem ovdje pristup američkoga filozofa Simona Critchleya koji tvrdi da Malickova filmska refleksivnost unutar okvira Heideggerova nastojanja prevladavanja metafizike Zapada valja biti otčitana ne kao filozofijski meta-tekst, već kao čitanje filma koji se sam umjetnički iskazuje kroz filozofijsku refleksiju. Drugim riječima, Critchley stoji na stajalištu autonomije filmskoga medija kao nečega što u sebi prožima svojim vlastitim slikovnim izrazom ono što nije prikaz i predstavljanje neke izvanjske zbilje, već same stvari koja povezuje filozofiju i film. Vidi: Simon Critchley, „Calm: On Terrence Malick’s Thin Red Line“, u: Rupert Read i Jerry Goodenough, prir. Film as Philosophy: Essays in Cinema after Wittgenstein and Cavell, Palgrave Macmillan, New York, 2005., str. 133-148.) Tanka crvena linija film je zasnovan na istoimenome romanu američkoga pisca Jamesa Jonesa. Film prati izmišljenu verziju bitke za Mount Austen koja je bila dijelom stvarne bitke na Pacifiku tijekom Drugog svjetskoga rata. Glavni likovi su pripadnici satnije “Charlie” koje igraju glumci Sean Penn Jim Caviezel, Nick Nolte, Elias Koetas i Ben Chaplin. Naslov filma referenca je na stih iz pjesme “Tommy” autora Radyarda Kiplinga. Film je imao iznimno pozitivnu recepciju i kritike i publike, a dobitnik je ugledne europske nagrade „Zlatni medvjed“ festivala u Berlinu. Ono što Simon Critchley lucidno uviđa u svojem tumačenju Malickova redateljskoga postupka jest da se filozofijska razina Tanke crvene linije pokazuje kroz tri korelativna tematska okružja kao što su, prvo, odanost u sukobu hijerarhijske nadležnosti pukovnika Talla kojeg igra Nick Nolte i satnika Starosa, a igra ga Elias Koteas; drugo, ljubav Bena kojeg igra Ben Chaplin iskazana u posvećenosti njegovoj ženi Marty, a igra ju Miranda Otto, nakon pisma da ga napušta jer je u vezi s drugim muškarcem; i treće, pitanje metafizičkoga odnosa borbe i savjesti između poručnika kojeg igra Sean Penn i Private Witta, a igra ga Jim Cazaviel. Nije slučajno da je Malick osim onog paradoksa da je preuzeo Heideggerovu misaoni okvir kritike metafizike za svoj refleksivni projekt filmske umjetnosti a sam je Heidegger film otklonio kao paradigmu moderne umjetnosti, isto tako učinio još nešto iznimno važno. To ću nazvati etičkim paradoksom. Poznato je, naime, da je Heidegger pojam etike na gotovo radikalan način izbacio iz svojeg mišljenja uopće, iako je u Bitku i vremenu pojam su-bitka (Mitsein) imao zadaću nemetafizičkoga potpornja puta spram drukčije tvorbe izvorne zajednice onkraj granica modernoga nihilizma u kojem čovjek biva sveden na subjekta i objekta masovnoga društva kapitalističke potrošnje. Usto, Heideggerova blizina s nacističkim projektom totalne mobilizacije njemačkoga naroda u politizaciji života značio je i prezir spram svake metafizički ustrojene etičke pozicije kao sustava vrijednosti. Zbog toga Malick, i u Tankoj crvenoj liniji te osobito u filmu Skriveni život (A Hidden Life) iz 2019. godine, romantičnoj epskoj priči o austrijjskome seljaku Franzu Jägerstätteru koji se iz apsolutne vjernosti kršćanskome nauku odbija svrstati uz naciste u Austriji i biti pripadnikom Hitlerova razaralačkoga stroja uništenja svijeta slobode i čovječnosti, uvodi u optjecaj pitanje o nužnosti odluke iz biti ljudske savjesti. Etički paradoks, uz onaj da tako kažemo ontologijsko-estetski, Malicka određuje kao mislioca u slikama događaja na tragu hajdegerijanske refleksivnosti (Besinnung).Što je smisao etičkoga imperativa u Tankoj crvenoj liniji? Nema dvojbe da se ovdje trojstvo istine, moralnosti i ljudskosti, kako to iskazuje Critchley u svojoj analizi, mjeri iz jedne druge i drukčije perspektive no što je tradicionalna etička u okružju metafizike. Postoji stoga pokušaj da se iz Heideggerova kasnoga mišljenja izvede sveza između pojmova kao što su četvorstvo i suosjećanje (Geviert i Mitleid) kroz promišljanje izvornoga grčkoga shvaćanja ethosa i onog što u suvremeno doba označava ranjivost egzistencije čovjeka u svijetu nihilizma. (Werner Marx, Gibt es auf Erden ein Maß?: Grundbestimmung einer nichtmetaphysischen Ethik, Felix Meiner, Hamburg, 1986.) Kod Malicka valja uvijek ono etičko mjeriti iz dubljeg značenja koje kao u Heideggera proizlazi iz bestemeljnosti slobode, iz onog što nije ni bitak ni biće, već otvorenost smisla bitka i vremena uopće. U filmu koji nije ni ratni, ni antiratni, već onkraj svih metafizičkih granica u kojima se rat misli kao užas, tragedija i ideja novoga u svjetskoj povijesti, postoji nešto mnogo više od nasilja i terora kojim se politička dimenzija ostvarenja slobode utiskuje nužnim žrtvovanjem vlastita života u porazu Drugoga. Ovo nije film koji se razmeće bilo kakvim religioznim iskupljenjem ili židovsko-kršćanskim mesijanstvom kojim se užas rata mora osloboditi mora krvi i pepela zemlje. Ne, Malick je onaj filmski mislilac koji u svojem „filmskome poiesisu“ (Robert Sinnerbrink, „A Heideggerian Cinema’? On Terrence Malick’s The Thin Red Line“, Film-Philosophy, Vol. 10.br. 3 , prosinac 2006, str. 26-37. https://www.euppublishing.com/doi/epdf/10.3366/film.2006.0027) otvara pitanje o kozmičko-naturalnome konačnome smiraju u duhovnome bitku s kojim čovjek pronalazi ono što Heidegger naziva smislom bitka (Sinn der Seins). I baš zato što je njegovo filmsko mišljenje ontologijsko i etičko zbližavanje paradoksalnih obrata, nužno je zaključiti kako je u svojem nemogućem projektu filozofije filma ‘danas’ posve jedinstveno, ekscentrično i singularno bez presedana. Da se to dogodilo unutar okvira povijesti slike-pokreta, kako to Gilles Deleuze u svojim promišljanjima filma određuje razdoblje europskoga avangardnog filma prije Drugog svjetskoga rata, tada bi Malick imao prethodnike u performativnome obratu filma čiste vizualizacije mozga kao izvora brutalne fizičke ekspresivnosti poput Artaudovih ideja ili onih Jeana Epsteina.(Vidi o tome: Žarko Paić, „Le cinéma brut: Što može film?“, u: Antonin Artaud: Sunce i mahnitost, Litteris, Zagreb, 2023., str. 45-80.) No, Terrence Malick pripada povijesti postmoderne i suvremene američke kinematografije, od prvog filma Badlands iz 1973. godine do danas i iz nje crpi sve svoje stvaralačke transverzale u dijalogu s književnošću, modernom fotografijom, slikarstvom i svim drugim vizualnim umjetnostima 20. i 21. stoljeća. Heidegger je za njegovo „ofilmljenje svijeta“ prvi i posljednji mislilac onog što kao Gelassenheit-sindrom postoji poput atmosferskoga omotača i korone vremena, poput prstenujuće igre bitka i vremena u doba do mahnitosti obuzeto novotarijama i umjetnom stvarnošću tehnosfere. Nije to ništa drugo negoli dokaz da je filozofijsko razumijevanje filma uz stvaranje refleksivnih slika događaja i još nešto sudbonosnije. Filmsko mišljenje postaje drhtaj kaosa i treperenje iskona u zijevu neba, pjevu zemlje na ishodu same ideje filma kao drugoga života s kojim dijelimo isto tijelo, dušu i duhovni bitak u postajanju onog neizrecivoga i uzvišenog trenutka početka i kraja svih stvari. (Poglavlje iz knjige O filozofiji filma: Slike događaja, Bijeli val, Zagreb, 2024.)

November 7, 2024
Lutanje kroz noć: misterij glazbe

Lutanje kroz noć: misterij glazbe

1942. godine Vladimir Jankélévitch napisao je knjižicu naslovljenu Nokturno posvećenu pitanjima uznesenosti i sanjarenja, snivanja i ustreptalosti, onim osjećajima koji prožimaju dušu čovjeka u susretu sa svojom „noćnom prirodom“ prepunom strasti i ljubavnih ludosti, ali istodobno i svojevrsne romantičarske spoznaje o svijetu onkraj racionalnoga labirinta ustrojena života. Naravno, Nokturno je pohvala poeziji i mistici u korelaciji s glazbenim djelima velikih skladatelja i pijanista bez kojih ne možemo pristupiti otvorenosti ljudske duše onome što je najintimnije i najbolnije i bez čega svijet uopće nema smisla. Ova knjižica, kažem to s autoritativnim iskustvom mjesečara i začaranoga Saturnovim vječnim blještavilom, stilski je savršeno filozofijsko muziciranje, teorijska čista poezija! Misterij noći neće se otkriti buržujima koji je provode spavajući u svom krevetu, nego samo onim luđacima čiji je zaštitnik mjesec i koji traže sjenu jer su previše voljeli svjetlo. Umjesto glupog Endimiona, naša bi nokturalna svijest prizvala Diotimina Erosa kojeg nam Platon, da posrami Agatonove site, bucmaste i bogate ljubavi, opisuje kao boemsko dijete, trčeće, čupavo i pomalo skitnicu: nema nježnu kožu, ne voli vate i paperja, nema stalno prebivalište, ali spava na tvrdom, sniva pod zvijezdama, pod mostovima ili na stazama – χαμαιπετὴς ἀεὶ ὤν καὶ ἄστρωτος. Ljubav je noćna ptica i nepopravljiva lutalica.“ U odabranoj maloj hrestomatiji tekstova pod naslovom „Glazba kao mišljenje“ zajedno s tekstovima Wagnera, Adorna, Dahlhausa, Schönberga, Derride, Sloterdijka, Agambena i drugih uvrštenih autora pokazuje koliko je mišljenje o glazbi i glazbeno mišljenje isprepleteno s pokušajima poetske i mitopoetske iluminacije svijeta. Premda se uobičajeno i posve razumljivo glazba svagda povezuje s matematikom zbog tehničkoga karaktera nastanka zvuka i stvaranja melodije kroz ritam i asonance i disonance, a to odgovara metafizičkome pojmu računanja u smislu uspostavljanja logike brojeva i njihovih kombinacija u tonskoj ljestvici kao i u atonalnim eksperimentima, ne može se zanijekati ono što Schelling i Novalis, primjerice, uzimaju u obzir kad iskazuju kao i Schopenhauer kako je muzika kao uvjet mogućnosti glazbe ono neizrecivo. Što to znači drugo negoli da muzika kroz glazbu „progovara“ posve drugim i drukčijim jezikom od pukog govora i instrumentalnoga karaktera ljudske komunikacije. Zato je bit glazbe u tom „misteriju noći“ kao Ungrundu/Urgrundu. Nije potrebno posebno ukazivati na to da je romantika u cjelini, dakle njemačka, francuska i engleska, osim obrata metafizike koja je s prosvjetiteljstvom (s)krenula u putanju racionalizma i poklonstva kultu dana i svjetla od Descartesa do Leibniza i Spinoze, bila posve uronjena u ono što je od predsokratskih Grka imalo značajke bezdanosti i dionizijske strastvenosti, a ponajviše obuzetosti obuhvatnom „tamnom tvari“ koja proizlazi iz izvora ljubavi kao jedinstva žudnje i želje za apsolutom izvan bilo kakve spoznajno-teorijske redukcije. Zato Jankélévitch u svojem lutanju kroz noć samoga misterija glazbe maestralno povezuje i mistagogiju i mistiku, i grčku mitologiju i romantične motive toliko važne za razumijevanje onoga što se u različitim glazbenim formama nokturna pojavljuje u klavirskim kompozicijama Roberta Schumanna i Frederica Chopina, te osobito u francuskoga skladatelja Gabriela Fauréa, navjestitelja impresionizma, „francuskoga Schuberta“. Čitajući Nokturno u kojem nam Jankélévitch muzikologijski i poetski podastire niz primjera iz klasične i moderne glazbe s obzirom na tematiku i motive „male noćne muzike“ i začaranosti misterijem sumraka-ponoći-praskozorja kao svjedočanstva trijade onog što sjedinjuje duh-dušu-tijelo u vremenu razdvajanja iluminacija i zatamnjenja, osjećamo stapanje jezika, slike i zvuka-tona-melodije u fluidnome skladu. Usto, odabrani notni zapisi pomažu onima koji su instrumentalno uvježbani da odsviraju na glasoviru sve suptilne vibracije duše koja se u noćne sate predaje iskustvu onog što u Debussyja označava Clair de Lune. Jankélévitch ne zapada ni u kakve mistifikacije onog što je i sam naslijedio u vlastitome mišljenju na tragovima Schellinga i Simmela. Riječ je, dakako, o drukčijem odnosu spram metafizike koja svagda otpočinje s utemeljenjem uma i izgradnjom sustava svojih disciplina. Već sam u nekoliko navrata nastojao pokazati da je za razliku od Adorna, nesumnjivo najznačajnijeg filozofa i estetičara glazbe 20. stoljeća, pisanje Jankélévitcha poniranje u ono što i sâm u Nokturnu izričito daje do znanje na stilski sjajan način znalca filozofije i muzikologije, suverenoga tumača glazbene povijesti i samih varijacija u skladanju i izvedbama posebno francuskih autora kao što su velika trojica: Fauré, Debussy i Ravel. Najjednostavnije je moguće to kazati ovako. Adorno je paradigmatski teoretičar glazbe povijesnih pokreta avangarde, a Jankélevitch onaj koji promišlja protusmjer dekadencije u umjetnosti i kulturi moderne. Dok je za avangardu temeljni pojam sinestezija tijela u tehničkoj reprodukciji s naglaskom na atonalnosti i eksperimentu sa zvukom, dekadencija se obraća duševnom ustrojstvu/rastrojstvu samoga života. Psyché postaje svojevrsni revolt spram ireverzibilne povijesti modernoga shvaćanja i prakse glazbe koja za svoj referencijalni okvir uzima kritiku društvenih odnosa u kasnome kapitalizmu, Ta se unutarnja pobuna i put spram najdubljih osjećaja čovjeka kroz sintezu poezije, mita i glazbe neskriveno vidi u svezi romantike i dekadencije. Stoga je Nokturno zadivljujuća pohvala svim aspektima u kojima se dionizijsko, lunarno, opsjednuto kozmičkim strujanjem ljepote i uzvišenosti u otkriću krajolika i prirode kao nadahnuća pojavljuje kroz metafizičku dimenziju Noći. Misterij je noći u kontrapunktu zastiranja svijeta i njegova otajstva, pa na jednom mjestu Jankélévitch izriče ovu misao koja ostaje u pamćenju zauvijek. Čovjek je usamljeniji usred bijela dana negoli na mjesečini! Postoji još nešto iznimno važno u Nokturnu, a to izaziva moju pozornost i onkraj nesumnjivo maestralne Jankélévitcheve analize romantičarske glazbe posvećene „noćnim prikazama i predstavama“. Naime, svako pozivanje na „misticizam“ kad je riječ o svezi glazbe i poezije od Schumanna i Chopina do francuskih impresionista nije ništa samorazumljivo. Naše razbacivanje ovim pojmom uglavnom je kontekstualne naravi, pa „mistično“ pripisujemo svemu što se ne može objasniti tzv. razumskim načinom objašnjenja. Mjesečina je tako „mistična“, potom glazba koja tu lunarnost nastoji dovesti do kulminacije jedne navlastite uzvišenosti onkraj granica jezika, da se ne govori o tome da je sam svijet kao slučaj „mističan“, kako je to znao kazivati Wittgenstein u njegovu Tractatusu. No, što je to uopće mistika i misticizam u odnosu na romantiku i njezine glazbene performative? Jankélévitch pokazuje kako se taj pojam može rabiti samo ako je na djelu neka misao o božanstvu, Bogu i apsolutu. U Schellingovoj Filozofiji objave stvar je posve jasna. Mistika se može „pojaviti“ samo kroz tri modusa i to kao naturistička, animistička i panteistička. Priroda, duša i sveobuhvatnost božje egzistencije u svijetu ne znači da je glazba nadahnuta mjesečarskim i noćnim ozračjem ujedno i očitovanje samo jednog od navedenih modusa pojavljivanja apsoluta. Nokturnalije se svagda odnose na ono što je samo „mističnome uhu“ najočitije kad sluša divne klavirske kompozicije i koncerte u kojima „noćno doba“ svijetli svojim tonalitetom duše i otvara posve nove estetske horizonte od onih svakodnevno-racionalnih. Čitav patos „i-racionalizma“ i bezdanosti na čemu se zasniva Schellingova kritika apsolutne metafizike s idejom znanstvenoga utemeljenja prisutna je i u Jankélévitchevu Nokturnu koji je i napisan s idejom pohvale onog što istinska umjetnost kao kraljevstvo psyché suprotstavlja redukciji muzike na očitovanje svjetskoga duha. Evo gotovo rezolutne postavke protiv Hegelova „redukcionizma“ u analizi biti glazbe i tu se ne može ništa više reći osim da je pisac Nokturna veliki mislilac intuicionizma protiv racionalizma. „Hegel, koji ne razumije ništa o humoru, staje na stranu jakih duhova protiv nerazuma; u entuzijazmu Solgera, Novalisa i drugih Pierrota mjesečara on samo želi vidjeti egzaltiranost i sanjarije; nije osjetio ono nešto titansko i strastveno što se diže iz zemlje kada ponoć vlada cijelom prirodom.“ Je li, dakle, glazba „noćnoga doba“ u svim varijacijama što ih u Nokturnu možemo razaznati kako u glazbenome smislu slijeda romantičarske i impresionističke poetike tako i u filozofijskim pasažima s mnoštvom znanih i neznanih detalja iz povijesti metafizike ono najviše uopće moguće na skali čiste osjetilnosti i osjećajnosti? Prosudite sami tako što ćete iznova poslušati Chopinove Nokturne i možda još ponešto od Schumanna za početak, te Fauréa i Debussyja za kraj. Sve što se još o tome može reći ionako pripada području čiste mistike, a to znači da se kroz noć i glazbu otvara mogućnost drukčijeg osjećanja svijeta, ne nužno i pesimističnoga, već onog što životu podaruje stvaralački stimulans vječite težnje za apsolutom kao događajem ljubavi i slobode.

November 6, 2024
Zemljovidi za lutalice

Zemljovidi za lutalice

1. Izgubljeni u teritoriju Austrijski književnik židovskoga podrijetla Gustav Meyrink, autor pripovijesti o fantastičnome biću, divu Golemu, u jednoj svojoj paraboli kaže: Lutaju kroz život prema grobu poput isparenja koja nalet vjetra tjera natrag u močvaru. Lutanje i grobovi, vjetrovi i močvare pripadaju vjekovnome motivu židovskog ahasverstva. Lutanje kroz pustinju u potrazi za obećanom zemljom univerzalna je simbolika patnje i nemoći čovječanstva. Obećana se zemlja nikad ne ukazuje. Sve što preostaje iskustvo je zatočeništva lutalice u vječnom lutanju pustinjom. Znamo da je Meyrinkova „pustinja“ imaginarni prostor-vrijeme duhovne Srednje Europe. Ali, ovdje nije riječ o nostalgiji za jednom izgubljenom nostalgijom iz kulturne povijesti moderne Europe. Putovanje ima svoj cilj koji se nastoji doseći. Lutanje je, čini se, bezizgledno ili besciljno putovanje. Ne može se biti osuđenikom na putovanje. To se izabire. Ali povijest je kao lutanje nekovrsna osuđenost na uzaludno traganje za ciljem. Na putovanju se ne može izgubiti jer postoje zemljovidi i označena mjesta puta. Lutanje je unaprijed osuđeno na izgubljenost u – teritoriju? Stranac, lutalica, raskorijenjeni, apatrid, emigrant, nomad… Povijest europske moderne književnosti, kao i filozofije koja ju je idejno omogućila, uistinu je povijest ovih figura ljudi koji su ili ostali bez nečeg fiksnoga i trajnoga, ili su u bijegu od opasnosti što proizlaze iz kolektivne opsesije podrijetlom poput nacionalizma, rasizma, totalitarne ideologije fašizma, nacizma i lenjinizma/staljinizma. U literarnome svijetu kao da su to istoznačne figure. Za sve te figure je neprijeporno da su Drugi. Oni su pripadnici manjine u odnosu na većinu neke zajednice. Etička nesvodivost drugoga kao osobe koja se konstituira u zajednici s drugima (drugi Drugi) pokazuje se, na posljetku, samo nekom vrstom postulata. To treba biti univerzalnom vrijednošću, naime poštovanje drugoga. Ali realno je stanje posve drukčije. Etika postavlja moralne ciljeve. Ali ih postavlja uvijek iz perspektive bezuvjetne dužnosti ispunjenja u vremenu procesualnosti. Emmanuel Lévinas, nastojao je na tragovima fenomenologije izgraditi misao razlikovanja i identiteta. (Emmanuel Lévinas, Totalitet i beskonačno: Ogled o izvanjskosti, V. Masleša, Sarajevo, 1976. S francuskoga preveo Nerkez Smailagić) Biti-drugim i različitim u značenju neukorijenjenosti u stereotipe većinske zajednice znači biti pripadnikom nečeg stranog i uznemirujućeg. Ali to je mišljenje u cjelini etički horizont, a ne egzistencijalni sklop realne strukture društvenih mreža i odnosa u razdiobi moći u svijetu. Stranac nije Drugi zato što je stranac, nego zato što je istodobno blizak i udaljen od središta događanja moderne političke artikulacije moći. Zašto je figura nomada zasjela na mjesto naizgled sinonimnih literarnih figura europskoga modernizma i dekadencije? Kakve veze ima figura nomada s egzistencijalnim položajem suvremenoga imigranta u kapitalističkome „logoru“ i „kampovima“ zapadnih liberalnih demokracija? Smisao nomadizma danas u doba kaosa kraja povijesti ne odnosi se ni na što literarno. Nije posrijedi nikakva literarna figura, nikakav književni ili umjetnički pokret. Nomadizam je u tom pogledu puka metafora za stanje neprestanog gibanja u putovanju svijetom otkako je od razdoblja zapadnjačke kolonizacije svijet postao prostorom-vremenom kapitalističke ekspanzije. Godina koja i simbolički predstavlja početak takvog stanja pripada kraju 15. stoljeća – 1498. Kristofor Kolumbo osvaja Ameriku na svojem trećem putovanju, iskrcavajući se sa brodovljem na tuđi teritorij. Iste godine umire i najveći inkvizitor u povijesti – Tomaso de Torquemada, dominikanski svećenik, progonitelj Židova, Maura, heretika i žena osuđenih kao vještica. Preko Pireneja je protjerano preko 300.000 španjolskih Maura/Arapa i Židova. Početak zapadnjačke moderne početak je planetarnoga nomadizma kao gibanja/seljenja (a) tehnologije i kapitala, (b) naroda u potrazi za novim teritorijem, (c) kultura u označavanju fluidna i hibridna identiteta. Nomadizam nije nikakvo duhovno stanje osjećanja nepripadanja i neukorijenjenosti u prostoru razvitka moderne nacije-države. Taj pomodni pojam proširio se nakon prijelomnoga spisa poststrukturalizma Gillesa Deleuzea/Felixa Guattarija Anti-Edip 70-ih godina 20.stoljeća. U njihovom djelu nomadizam ima posve drugo značenje od toliko opjevanog umjetničkog sinonima za postmoderne lutalice svijetom kao labirintom novih medija. Pojam je ispražnjen stoga što nomad nije „subjekt“ kao osoba u lutanju neodređenim prostorom, nego pripadnik plemena, naroda, zajednice bez trajnog mjesta boravka. Kao što ne postoji u suvremenoj umjetnosti nikakav neomoderni pokret, stil, pa čak ni tendencije nadilaženja pretpostavki moderne umjetnosti, tako se ni oznaka nomadizma u literarnome smislu ne odnosi ni na što idejno određeno. Da bi nomadizam dospio do koncepta u smislu nekog umjetničkoga pokreta, potrebno je dvoje: (1) da se umjetnička djela izričito bave nekim aspektom suvremenoga nomadizma poput dodira s lutalačkim narodima izvan moderne povijesti (suvremena umjetnost, primjerice, Aboriđina ili Tuarega); (2) da se teorijski iskonstruira „priča“ koja će razasute fragmente nečeg naizgled nepovezanoga uklopiti u necjelovitu cjelinu na temelju fluidne ideje gibanja umjetnika preko imaginarnih, simboličkih i realnih granica moderne povijesti. U oba slučaja posrijedi je nešto samorazumljivo. Ali time što je samorazumljivo istodobno je i krajnje problematično. Što je to, naime, moderna povijest? Ne radi se ovdje tek o pukom historiografskome problemu određenja početka takve povijesti. Moderna je povijest Zapada moderna po tome što radikalno raskida sa svakim teritorijalnim, nacionalno-državnim mitom o ukorijenjenosti. Moderna je povijest, govoreći braudelovski, gramatika civilizacija svjetske povijesti. Njezina je sudbina apsolutni nomadizam u svim zemljopisnim područjima svijeta. Moderna umjetnost i moderna povijest su istoga podrijetla. Izbačenost iz zavičajnoga obitavališta u lutanje svijetom, gibanje i cirkulacija ideja, radne snage, kapitala, tehnologije – to je jedino što drži svijet, koji nazivamo modernim, u ravnoteži. Ali ravnoteža je uvijek pitanje pada u stanje entropije. Svaki dio složenoga poretka smjera raspadu. Svaki se dio iznova sklapa i rasklapa tek u cjelini. Na pitanje tko se može nazivati danas nomadom odgovor je neodređen: svi i/ili nitko. Nomad nije tzv. svjetski putnik. Nije ni umjetnički lutalica različitim kulturnim svjetovima. Za razliku od pojmova emigracije, disidenstva i apatridstva, nomadi su u suvremenom svijetu sve drugo no lutalice. Oni su privremeni migranti, ali nisu ilegalni useljenici u imperijalni poredak globalnoga zapadnjačkoga svijeta. Nomadi uopće ne ruše legitimni poredak političke uključenosti-isključenosti zasnovan na ideji moderne nacionalne države. Europska unija kao projekt ne uspostavlja kozmopolitskoga građanina na mjesto kulturno određenoga subjekta priznanja nacija-država. Ona samo poopćuje kontingentni sadržaj narodne suverenosti država na razinu federalne strukture ekonomsko-političke moći. Ilegalni useljenici stvarno se nikad ne vraćaju u svoje „domovine“. Nomadi se uvijek vraćaju nakon lutanja na početni položaj putovanja. Ilegalni useljenici danas su jedino preostali trag totalne mobilizacije nomadizma kapitala/tehnologije, naroda i kultura globalnim poretkom svijeta. Oni nisu nomadi, ali jesu biopolitički (ne)priznati u svojem „golom životu“ u okružju geta i slamova u kojima preživljavaju. (Roberto Esposito, Bíos: Biopolitics and Philosophy, University of Minnesotta Press, Minneapolis-London, 2008.) Politički emigranti, disidenti i apatridi mogući su samo u poretku ideologijsko-političke situacije vladavine totalitarizma u čistom obliku kao što je bio slučaj s nacizmom, fašizmom, realnim socijalizmom. Hibridni oblici autoritarnih političkih poredaka nakon 1989. u svijetu – Kina, islamske države, Rusija, Bjelorusija – preuzimaju samo model isključenosti liberalno-demokratske javnosti. Postoje i dalje politički emigranti, ali samo kao disidenti koji se vraćaju kući, pa makar i u sarkofagu. Apatridstvo, na posljetku, uopće ne postoji kao fluidni pojam iznimno popularan u doba političke emigracije 30-ih godina 20. stoljeća. Biti bez domovine ne odnosi se nipošto na gubitak državljanstva. Sudbine političkih emigranata židovskoga podrijetla u tom razdoblju odredile su osobito kompleks srednjoeuropske melankolije. Apatrid nije nomad. To je, naprotiv, figura neukorjenjivoga na tuđem tlu. Kad se govori o iskustvu sjećanja na domovinu i gubitka upravo te i takve domovine, nostalgija za mjestom ukorijenjenosti svoje uporište ima u jeziku. Heidegger je misaono najprodornije pokazao da je cjelokupna povijest metafizike novovjekovlja u svojem tehničkome usudu iskustvo bezavičajnosti čovjeka. (Martin Heidegger, „Brief Über den Humanismus“, u: Wegmarken, V. Klostermann, Frankfurt/M., 1976.) Gdje ne postoji zavičaj, nema ni domovine. Jezik je posljednji medij kazivanja o biti čovjeka u mračnome razdoblju bezavičajnosti čovjeka. Čemu onda govoriti uopće o nomadizmu danas kao načinu egzistencije suvremenoga čovjeka u globalnome poretku kaotičnih struktura i mreža intersubjektivnih odnosa? Nije li ispražnjenost samoga pojma kao literarne metafore razlogom da se izađe iz začaranoga kruga književno-umjetničke produkcije pojmova za nesuvislu uporabu? U vizualnim umjetnostima se pojam nomadizma 80-ih godina 20. stoljeća uspostavio regulativnim pojmom nakon iskustva transavangarde. Nije, doduše, bilo posve jasno što se njime htjelo precizno iskazati. Na to je u drugom kontekstu globaliziranoga svijeta upozorio u svojem eseju teoretičar suvremene umjetnosti Boris Groys. (Boris Groys, „The City in the Age of Touristic Reproduction“, u: Art Power, The MIT Press, Cambridge Massachusets, London-New York, 2008., str. 101-110.) Totalni turizam mijenja krajolike velegradova. Umjetnost i arhitektura u njima više nisu zrcalo lokalne i regionalne gradnje. Internacionalni ili glokalni „stil“ velegradova estetski se prilagođava zahtjevu ujednačavanja razlika. Identitet u globalno doba hibridni je rezultat ukrižavanja različitih kultura. Utoliko se nomadizmom samo prijelazno može opisati alokacija kulturnoga kapitala, informacijske tehnologije i potrošača u reprodukciji nove ekonomije ponude. Nomadi su kulturno različiti, ali u biti isti, potrošači te globalizirane postmoderne ekonomije. Između turista i nomada kao da nema neke bitne razlike. (Vidi o tome sociologijsku studiju Johna Urrya, Sociology beyond Societies: mobility for the twenty-first century, Routledge, London-New York, 2001.) Od 2003. godine i svjetske konferencije u Berlinu o nomadizmu kulture utemeljen je i prvi Institut za nomadizam. Umjetnički projekti unutar tog Instituta usmjeravaju se na problem novoga kulturalnoga identiteta, novih medija i globalizacije, transkulturalnosti i kozmopolitizma. Nomadizmom se danas označava iskustvo prelaska svih kulturalnih granica moderne nacije-države. Taj se pojam primjenjuje na neki imaginarni labirint književnoga fenomena pisaca, filozofa, umjetnika koji jednostavno putuju svijetom i razmjenjuju tzv. iskustvo vlastite i tuđe kulture u sveopćem miješanju svega sa svačim. Ukrižavanje i spajanje različitih tradicija postaje novim kulturnim proizvodom. Ali, pritom nije jasno zašto bi se to trebalo zvati nomadizmom. U sklopu novih postdisciplinarnih znanosti o kulturi (cultural studies) pod tim se pojmom podrazumijeva niz kulturnih praksi nastalih u tzv. cross-over ili multikulturalnome okružju zapadnih pluralnih društava. Ali nije, nadalje, još manje jasnije, zašto se ekonomska migracija stanovništva iz zemalja Trečega svijeta na Zapad, izbjeglištvo i raseljenost poistovjećuju s jednim precizno određenim pojmom za narode, etničke skupine, plemena koji jednostavno lutaju pustarama i pustinjama sa svojom stokom u potrazi za pašnjacima i bogatijim izvorima hrane? Izvorno je riječ nomades označavala upravo takve skupine naroda, a nije se odnosila ni na kakve osobne sklonosti putovanjima, niti na emigraciju, migraciju ili prognaništvo. Židovi nisu bili nomadi, iako je njihov povijestan postanak vezan uz različita nomadska plemena. Tradicionalne nomadske kulture plemenske su zajednice u Africi i Aziji, indijanska plemena u Sjevernoj Americi i neke skupine Aboriđina u Australiji. No, jedina iskonska nomadska kultura u suvremenome svijetu koja povijesno u svojim tragovima sjećanja nosi tragične crte apsolutno Drugoga, nepripadanja nacijama-državama, jest posvuda razmješten i nigdje stalno nastanjen narod Roma. Otuda je u svim pučkim predajama na Zapadu lutalica istovjetan sudbini „Ciganina“. Nomadizam u tom smislu nadilazi svaki neartikulirani umjetnički prosvjed. Romi su jedini autentični nomadi od iskona do kraja povijesti. Drugi, ne manje važan korak u promišljanju nomadizma podario je teoretičar novih medija i digitalnoga doba Vilém Flusser u svojoj utopiji telematskog informacijskoga društva. ( Vilém Flusser, „Nomadische Überlegungen“, u: Medienkultur, Fischer, Frankfurt/M., 1997., str. 150-159.) Obje su paradigme obilježile 70-te godine 20. stoljeća. Dok Deleuze/Guattari nomadizmom označavaju strukturu kapitalizma u produkciji strojeva želja (ratni strojevi i mehanizam reprodukcije kapitala kao objektivirane želje) preko modernih granica teritorija, Flusser izvodi postavku o medijalno posredovanim društvenim odnosima kao tehničkoj produkciji komunikacije na daljinu. Posebno ćemo ovdje razmotriti postavke Flusserove paradigme s obzirom na pitanje o strukturalnim okvirima globalnoga svijeta kao prostora-vremena kraja povijesti s temeljnom značajkom simultanosti, virtualnosti i kruženja informacija u imploziji (zgušnjavanju i sažimanju) i entropiji (kaotičnome poretku društvenih odnosa). 2. Telematsko društvo i nomadizam Vilém Flusser uz Marshalla McLuhana najznačajniji je teoretičar medija i digitalnoga doba. Svojom koncepcijom tehničke slike koja generira svijet kao digitalnu sliku otvorio je mogućnost da se spoznaja svijeta u suvremeno doba razumije iz medijske perspektive. Veze između ljudi u stanju dokidanja komunikacije kao neposredne i fizičke posredovane su tehnologijskim mrežama odnosa. Stoga je njegova ideja o nastanku telematskog informacijskoga društva ozbiljenje pretpostavki medijske kulture uopće. U svojem kratkom, ali dalekosežnome eseju o nomadizmu Flusser je, za razliku od Deleuzea/Guattarija, pitanje nomadizma sagledao izvan artikulacije moći u društvu nadzora. (Vilém Flusser, „Nomadische Überlegungen“, u: Medienkultur, Fischer, Frankfurt/M., 1997., str. 150-159.) Njegova je paradigma istodobno ontologijska za novomedijski nomadizam, dok je Deleuezeova/Guattarijeva socijalno-antropologijska. Obje su, naravno, presudne za promišljanje jednog koncepta na kraju povijesti kojemu složenost i kaos strukturalno određuju granice važenja. Flusser je podijelio ljudsku povijest u tri epohe: (1) paleolitsko doba agrikulture; (2) neolitsko doba koje završava 1990. i (3) doba novoga nomadizma kao ono doba koje pripada budućnosti. Posljednje doba jest upravo ono koje se odlikuje postpovijesnim gubitkom fiksnoga teritorija. Što danas nazivamo globalizacijom nije stoga ništa drugo negoli stanje totalne mobilizacije svih ljudskih, prirodnih i kulturnih resursa. Za razliku od pojma nomadizma kao umjetničkoga pokreta bez jasnih oznaka stila, tendencija i artikulacije ideja, novi nomadizam o kojem govori Flusser je fenomenološki događaj izmještenosti čovjeka u stanju totalnoga gibanja u svim smjerovima. Središte više ne postoji. Temeljna ontologijska značajka nomada jest ta da je njegova „sudbina“ vječito lutanje i neprestana potraga s onu stranu dosegnuta cilja. Između putovanja i lutanja razlika je, dakle, u tome što nomad nikad ne dovršava svoj put. Dok se migracija stanovništva zasniva na potrazi za „novim domom“ i „novom domovinom“, pa makar bila samo privremena, nomadizam označava stanje otvorenosti lutanja bez kraja. U drugom diskursu, Flusser otvara problem prijelaza iz industrijske u informacijsku revoluciju. Kraj neolitskoga doba istodobno je početak informacijskoga doba. Industrijska se društva uvođenjem informacijske (globalne) ekonomije preobražavaju u fluidna telematska društva. Mediji nisu puka sredstva komunikacije. Oni su uvjet egzistencije i bit digitalnoga doba. Čovjek na kraju povijesti ne može biti više subjektom tog procesa medijsko-informacijskoga nomadizma. On je medijalni proizvod, komunikacijska mreža odnosa, razmješteni/izmješteni lutalica između različitih kulturnih svjetova koje povezuje logika komunikacije na daljinu. Da bi se uopće moglo živjeti u takvom ne-društvenome stanju telematske prisutnosti, čovjek je medijalno određen uronjenošću u događaje tehnologijske slike svijeta. (Vilém Flusser, Kommunikologie, Fischer, Frankfurt/M., 2005.) Neizvjesnost njegove postpovijesne „sudbine“ pokazuje se u nemogućnosti zauzimanja prostora-vremena totalne prisutnosti u cirkulaciji informacija svijetom. Implozija (zgušnjavanje i sažimanje) informacija stvara očekivani učinak entropije društvenih veza i odnosa. Novi mediji zauzimaju status spoznajno-receptivne „četvrte kože“ čovjeka. Time je i pojam kulture u tradicionalnome humanističkome smislu doveden u pitanje. Sažeto iskazano, novi su mediji tehnokultura novoga nomadizma. Ona se zasniva na kreativnim igrama simulacije i na kibernetičkim pretpostavkama društva bez subjekta iskonske društvenosti. Tehnokultura ulazi u tijelo čovjeka pretvarajući ga u stroj koji misli i doživljava. Nomadizam utoliko više ne pripada paleolitskome dobu, nego je rezultat gubitka lokalnosti i nastanjenosti na određenom nacionalno-državnome teritoriju. Digitalno doba iziskuje onu vrstu lutanja koje se nikad ne može više smiriti u „stabilnosti u promjeni“ (Heidegger). Flusserova paradigma novoga nomadizma zasijeca duboko u sve preostale životne mehanizme humanističke kulture. Kao što je Heidegger u znamenitom „Pismu o humanizmu“ sagledao metafizički kraj čovjeka kao subjekta, tako je Flusser u novome nomadizmu tehnokulture otvorio radikalno mogućnost da se kraj povijesti sagleda iz perspektive kraja povijesti medija. (Vidi o tome: Dieter Mersch, Medientheorien zur Einführung, Junius Verlag, Hamburg, 2006., „Vilém Flusser und die ‘telematische’ Gesellschaft“, str. 136-153. Što je najčudovišnije u ovoj neprijeporno neotklonjivoj paradigmi nomadizma za suvremeno razumijevanje svijeta uopće? Ništa drugo negoli Flusserova postavka da je riječ o epohalnoj promjeni koja ima čak i radikalnije posljedice od onoga što se nakon Hegela govori o postpovijesti. Nomadizam nije tek stara riječ iz prakse paleolitskoga razdoblja agrikulture u novome tehnologijskome okružju. Daleko od puke modne zaslijepljenosti konceptom umjetničke fiksacije na lutanja različitim kulturnim svjetovima, ovdje je riječ o nečem mnogo dubljem i utoliko mračnijem. Epohalna promjena ne pogađa svojim posljedicama samo tzv. društvene forme egzistencije čovjeka u razvijenim i nerazvijenim društvima današnjice. Posrijedi je prijelom s cjelokupnom strukturom mišljenja linearnoga razvitka povijesti. Nastanjivanje u zemljopisno određenom području alokacije kapitala više nije moguće. Kad i suvremeni arhitekti u svojim projektima (Bernard Tschumi, Jean Nouvel, Rem Kolhaas) zadiru u pitanje privremenih zona obitavanja u velegradovima današnjice, susrećemo se iznova s problemom određenja dosega novoga nomadizma. (Aaron Betsky, Violated Perfection: Architecture and Fragmentation of the Modern, Rizzoli International Publication, New York, 1991.) Nomad nema svoje „ime“. Nomadi više nisu zajednice ni plemena, a još manje narodi ili skupine naroda. Epohalna promjena „čak radikalnija i od post-povijesti“ o kojoj govori Flusser jest radikalna dekonstrukcija ideje o fiksnome identitetu povijesnih naroda. Ako suvremeni nomad nije „netko“ i nije „nitko“, tada ni suvremeni koncept nacije više ne odgovara nastanjivosti fiksnoga teritorija. Države iz modernoga doba teritorijalne suverenosti još počivaju na istom određenju zauzimanja i ograničavanja teritorija. Ali teritorij se više ne nastanjuje, nego se u/na njemu boravi. Koncept u-rođenosti kao ono što naciji u kulturnome smislu podaruje razlog opstanka, pokazao se lomnim već u prvom činu političke konstrukcije nacije-države u modernoj povijesti. Amerika ili SAD je univerzalna konstrukcija političkoga naroda bez mita o u-rođenosti. To je konstrukcija teritorija koji uzmiče pred neprestanim prolomom novih migranata. Ali je u svojoj imperijalnoj moći prostor nadnacionalne suverenosti novoga nomadizma. 3. Nemir kao planetarni pokretač položaju subjekta u njemu. Zato je besmisleno govoriti da nomad negdje stalno putuje. Deleuze/Guattari u Anti-Edipu kažu da se „nomadska i višeznačna upotreba sastavnih sinteza suprotstavlja segregativnoj i dvo-jednoznačnoj upotrebi“. (Gilles Deleuze/Felix Guattari, Kapitalizam i shizofrenija: ANTI-EDIP, Izdavačka knjižarnica Zorana Stanojevića, Sremski Karlovci, 1990., str. 86. S francuskoga prevela Ana Moralić) To znači da umjesto mahnitog putovanja u svim smjerovima, nomadizam pretpostavlja ontologijsko-egzistencijalno iskustvo premrežavanja i ukrižavanja. Čak i ako se nigdje ne putuje izvan vlastita okružja, čovjek je planetarnim lutalicom u epohi koja više nema ni svoja mjesta ni svoja ne-mjesta. Najupečatljiviji primjer za tu postavku je cjelokupno književno djelo portugalskoga pisca Fernanda Pessoe. U Knjizi nemira ispisuje se kroz „ruku“ pomoćnoga knjigovođe Bernarda Soaresa upravo taj poremećeni tijek bez čvrsta ishodišta. Nužnost lutanja između svih mogućih oblika diskurzivnoga pisma post-povijesnoga doba iziskuje refleksije koje na paradoksalan način sjedinjuju dekadenciju i avangardu. Pessoa nije napuštao Lisabon, a bio je ontologijsko-egzistencijalni „nomad“ planetarne pokrenutosti s onu stranu svih granica modernoga jezika. (Fernando Pessoa, Knjiga nemira, sv. I-II, Konzor, Zagreb, 2001. S portugalskoga prevela Tatjana Tarbuk, pogovor napisao Žarko Paić, „San i preobrazbe“) Gibanje zbog potrebe za predmetom želja nije besciljno ili ciljno putovanje. To je potreba koja proizlazi iz temeljne potrebe za očuvanjem egzistencije zajednice u praznome teritoriju. Iskustvo nomadizma nije besciljno putovanje svijetom, nego zauzimanje prostora i vremena u praznome teritoriju. Kako teritorij može biti praznim? Ne postoji ispunjeni teritorij. Praznina se ovdje ne odnosi na fizikalno-metafizičku kvalitetu prostora. Da bi se teritorij mogao zauzeti, mora ga se ili nastaniti ako je nenastanjen ljudima, ili ako je već nastanjen drugim skupinama naroda ili plemena nasilno zauzeti istrebljenjem ili protjerivanjem izvornih stanovnika tog prostora. Praznina teritorija povijesno je mjesto „puste zemlje“. S druge pak strane teritorij „spaljene zemlje“ (terra combusta), zemlje koja time što je opustošena ratovima i razaranjem tek postaje, paradoksalno, novim početkom druge kulture, nije opustošen. Premda nalik gnostičkoj tamnoj tvari – nigredo – teritorij se od ništavila preobražava u zemlju privremene nastanjivosti. Cijela priča o kontinuitetu i akulturaciji u smislu prenošenja i preuzimanja kulturnih arhetipova, primjerice, Egipćana u Grka, Skita u gruzijskoj kulturi, vandalskih plemena koji na ruševinama Rima grade srednjovjekovnu Europu, pokazuje se samo dijelom ispravnom. Diskontinuitet s povijesnom prošlošću prekid je s linearnošću jednog te istog. Novo započinjanje povijesti nije bilo tek odlikom povijesne avangarde u umjetnosti 20. stoljeća. (Alexander Demandt, Vandalizam: nasillje nad kulturom, Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2008. S njemačkoga preveo Nikica Petrak) To je baština svjetske povijesti uopće u svim zemljopisnim područjima svijeta. Zato je Walter Benjamin mogao kazati bez imalo cinizma da su dokumenti kulture istodobno dokumenti barbarstva. Da bismo pokazali kako nomadizam kao stanje nema svoje „subjekte“, razmotrit ćemo smisao jedne drevne izreke. Zahvaljujući rumunjsko-francuskome filozofu Emilu M. Cioranu ona je postala znamenitom, ali istodobno i samorazumljivom za stanje čovjeka u suvremenome svijetu. „’Domovina je tek logorovanje u pustinji’ stoji u nekome tibetanskome tekstu. Ja ne bih išao tako daleko: dao bih sve krajolike svijeta za onaj svoga djetinjstva. Još mi valja dodati da ga doživljavam svojim rajem jedino zbog zaslijepljenosti i nesavršenosti vlastita pamćenja. Sve nas progoni naše porijeklo. Osjećaj kojim me moje nadahnjuje nužno se iskazuje u negativnim terminima, jezikom samo-kažnjavanja, prihvaćenog i obznanjenog poniženja, pristajanja na poraz. Je li takvom patriotizmu mjesto na psihijatriji?“ – Emile M. Cioran, „Dvije vrste društava“,, u: Volja k nemoći: Historija i Utopija – Pad u vrijeme, Demetra, Zagreb, 1995. S francuskoga prevela i priredila Gordana V. Popović) Zašto? Ima li bitne razlike između izvornoga i postpovijesnoga nomadizma? 4. Nomadizam bez subjekta Ta znamenita drevna tibetanska izreka kaže: „Domovina je tek logorovanje u pustinji“. Logor i logorovanje se ovdje ne odnosi na negaciju čovječnosti. To je tek privremena postaja na putu kroz-do nekog mjesta koje nije krajnji cilj putovanja. Biti u logoru znači imati svoje mjesto. Biti zaštićen od biološke ugroženosti, vremenske nepogode, prodora neprijateljske vojske i imati sigurnost zajednice znači biti u „domovini kao logorovanju u pustinji“. Ta zagonetna izreka kao da postaje općim mjestom suvremene nelagode svijeta zahvaćenog neizbježnošću neprestanog gibanja bez jasnog cilja. Koji je smisao globalizacije svijeta i njegove planetarizacije? Svi su odgovori na ta pitanja uvijek isti. Tvrdi se da je nužno i neizbježno dovođenje svijeta do jedinstvenosti i istovjetnosti zajedničke sudbine. Ne može se zaostati i biti izvan tog mahnitoga gibanja. Ako ga se odredi logikom gibanja kapitala preko svih ograničenih zona međunarodnoga svjetskoga poretka, tada je unaprijed jasno da je u ideji kapitala sadržana svjetsko-povijesna avantura prekoračenja granica nacije, države, domovine u svim svojim modernim značenjima riječi. (Žarko Paić, Politika identiteta: kultura kao nova ideologija, Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2005.) Pojam cilja valja pritom razlučiti od svrhe putovanja. Cilj je istoznačan smislu, a svrha je uvijek određena teleologijski. To da putovanje uopće nema smisla, ali ima svoju svrhu, možda je pravi iskaz o onome što se događa u doba kraja povijesti. Cilj putovanja nije u krajnjoj točki puta. Eshatologijsko mišljenje izvornoga kršćanstva, primjerice, apokalipsu pretpostavlja kao konačno stanje povijesti. Iza njega dolazi beskonačno, vječno sada i zauvijek – carstvo Božje. Cijela je povijest samo „dugo putovanje kroz noć“ do točke s koje se više ne postavlja pitanje ni cilja niti svrhe. U svojim Povijesno-filozofijskim tezama Walter Benjamin je među rijetkima u mišljenju povijesti 20. stoljeća razlučio ontologijski (metafizički) i antropologijski horizont povijesti. ( Walter Benjamin, Novi Anđeo, Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2008. S njemačkoga prevela Snješka Knežević) Smisao kao cilj (meta) onoga kamo se putuje nije unaprijed dan. Posrijedi je iskonska otvorenost kao sloboda pojavljivanja božanskoga, bitka i bitka bića na putu. Svrha je, naprotiv, nešto konačno i jednokratno. Smisao i svrha putovanja stoga nisu istoznačne riječi. Smisao podaruje svrsi dostatan razlog da bi se uopće moglo putovati negdje. Smisao odgovara ili ne odgovara na pitanje o onome zašto i čemu, a svrha na pitanje razloga, kako i kojim sredstvima ostvariti stapanje početnoga i krajnjega u putovanju. Kad izabiremo tibetansku izreku za ono što je nužno i neizbježno promisliti u raspravi o „smislu nomadizma“ u doba kraja povijesti, tada se još jednom valja zaustaviti na tumačenju te izreke. Što nam zapravo ona govori? Da je domovina tek logorovanje u pustinji i ništa više? Ili nas upućuje na nešto drugo od onog što je ovdje iskazano? Pustinja je prostorno neodređena. Kao i morski arhipelag, tako se i pustinja pojavljuje sumjerljivom ljudskome svladavanju prostora lutanjem uzduž i poprijeko. Geometrijski je riječ o površini. Svaka površina ima svoju teritorijalnu omeđenost. Grci su Zemlju nazivali lutajućom zvijezdom (planetes). (Kostas Axelos, Uvod u buduće mišljenje – Na putu k planetarnom mišljenju, Stvarnost, Zagreb, 1972. S francuskoga preveo Franjo Zenko) Lutalice stoga nisu neki zabludjeli putnici koji su greškom skrenuli s cilja putovanja. Sama je Zemlja lutajuća zvijezda u gibanju kozmičkim prostranstvom. Biti lutalicom znači nužno biti samopokrenut čudovišnom moći života u neprestanom gibanju. Da bi se gibanje uopće moglo dovesti do nekog cilja, potrebno je zaustaviti se privremeno u prostorno-vremenskoj točki blizine i udaljavanja od cilja. Teritorij je otuda osvajanje prostora za orijentaciju spram nekog cilja u blizini i udaljenosti. Logorovanje i logor koji se slikovno poistovjećuje s domovinom zauzima teritorij. Da bi se mogao podići logor, potrebno je zauzeti teritorij. To je mjesto omeđeno realnim ili imaginarnim granicama. U simboličkome smislu, koji očigledno iz ove izreke nadilazi sve prostorno-vremenske posebnosti i postaje općom metaforom nekog stanja raskorijenjenosti, domovina kao logorovanje u pustinji jest privremeni teritorij. Ne može ga se vječno zauzimati jer se mora gibati zbog onog što se naziva ciljem putovanja, premda je u tom cilju nešto nečuveno i čudovišno: da se, naime, putuje samo zato jer se putovati mora. Putovanje je potraga za „boljim“, „ljepšim“, „pravednijim“, „istinskijim“ – svijetom? Još jednom obratimo pozornost na tibetansku izreku. Domovina, logorovanje, pustinja – tko je uopće „subjekt“ gibanja prema nečem neodređenome, nepoznatome, još nedosegnutome? Je li to domovina kao logorovanje/logor u pustinji ili pustinja kao apstraktno-konkretan prostor? Logor je arhitektura zauzeta teritorija. Njega se ne nastanjuje. U logoru se privremeno boravi. Imati domovinu kao da pretpostavlja neko bivanje privremenim. Boraviti i nastanjivati nipošto nisu istoznačne riječi. Tamo gdje se boravi vrijeme je boravka ograničeno nemogućnošću trajnoga boravka. Moderni je koncept nacije u zapadnoj pravno-političkoj tradiciji vezan uz pojam u-rođenosti (na-tio) kao na-stanjenosti na nekom teritoriju. Sam je pojam teritorija temelj novovjekovnoga prirodnoga prava. Čovjeku po rođenju pripadaju neotuđiva prava na slobodu i ljudsko dostojanstvo. Ali ono neotuđivo predstavlja samo mogućnost ozbiljenja unutar zadane formalne i realne granice prava uopće. Ukorijenjenost u zavičajno tlo i urođenost u naciji kao organskoj političkoj zajednici već su kontingentno polje isključenja svih drugih (neukorijenjenih i neurođenih). Granice su teritorija granice među nacijama-državama. Biti u-rođenim i na-stanjenim u zajednici znači biti politički priznat kao subjekt nacije-države, kao njezin pripadnik. (Giorgio Agamben, Homo Sacer, Suhrkamp, Frankfurt am Main, 2002.) Pravo na postojanje u političkome značenju riječi, pravo je na ispunjenje realne egzistencije slobode u modernome svijetu. Bez ispunjenja slobode u političkome smislu državljanskih prava, ne postoji mogućnost egzistencije naroda u modernome poretku nacija-država. Tko je, dakle, „subjekt“ gibanja „lutajućom zvijezdom“? Tibetanska izreka upućuje na: (1) prostor kao privremeni teritorij u kojem se događa „sudbina“ naroda, a ne apstraktnih identiteta pojedinaca izvan zajednice; (2) vrijeme kao konačnu granicu premještanja domovine iz jedne do druge točke; (3) pomicanje granica teritorija u neprestanome gibanju svijetom kao pustinjom; (4) nemogućnost zauzimanja svijeta koji je poput „lutajuće zvijezde“ beskrajno blizak i beskrajno udaljen od polazne točke putovanja. Domovina se premješta u neprestanom gibanju. Logor je privremeni boravak, a ne trajno nastanjeni prostor obitavanja. Iskonski lutalački narodi nisu prognani u pustinju. Oni su „pustinjski narodi“ zato što je ne nastanjuju, već se njome gibaju u potrazi za hranom, vodom, oazom, utočištem od „neljudskih“ uvjeta egzistencije. Nomadi nisu izbačeni iz povijesti. Oni su upravo stoga što nisu nastanjeni i nisu teritorijalno određeni granicama države – nepovijesni narodi. To nipošto ne znači da su bez svijesti o vlastitome postanku u mitovima, legendama, pričama, imaginariju svega onog što čini bit iskonske zajednice, koja preživljava i u doba kraja povijesti globalnoga poretka nacija-država. Nomadi imaju domovinu, ali nemaju državu. Tibetanska izreka upućuje na lutalačku „sudbinu“ naroda u neprestanim seobama. Bez logora nema ni domovine. Bez pustinje nema ni nužnosti gibanja preko, uzduž i poprijeko ne-prostora i ne-vremena. Jesmo li time iscrpili smisao očigledno ipak višesmislene izreke? Još jednom, što je to – domovina? Kolijevka, zavičaj, krajolik nacije koja se uspostavlja državnom moći? Ili je domovina tek nostalgija za „izgubljenim zavičajem“? Naslov zbirke eseja književnika Salmana Rushdieja upućuje izričito na ono što se danas još može misliti pod tim metafizičkim, gotovo poetskim pojmom zaštite i okrilja čovjeka kao osobe u zajednici – Imaginary Homelands. (Salman Rushdie, Imaginary Homelands: Essays and Criticism 1981-1991, Penguin, London, 1991.) Rushdie je uzorit slučaj hibridnoga identiteta suvremenoga čovjeka bez domovine ili s nekoliko domovina. I sve su one realne i imaginarne zato što su privremene. Ako izostavimo sve moguće moderne inačice doživljaja domovine, nalazimo se pred odlučnim zaokretom u nešto krajnje začudno. Time što se nomadizam uopće pojavljuje na kraju povijesti problemom mahnita gibanja naroda, skupina, pojedinaca preko teritorijalno određenih granica nacije-države u potrazi za golom egzistencijom, novim duhovnim iskustvom ili pak turističkom željom za upoznavanjem onog „nepoznatoga“ (egzotike), nomadizam gubi svoje supstancijalno značenje. Paradoksalno, što se više govori o njemu, to ga manje ima, ili ga uopće nema. Isto vrijedi za povratak religije u suvremena društva. Što se više Bog politički i društveno naizgled čini vladajućim, to je posve izvjesno da religija postaje nova kultura praznine ili stila života. Tko istinski misli o Bogu, nije mu do religije. 5. Relokacije Kad je svijet globalizirani prostor-vrijeme relokacije (razmještanja) kapitala kao transcendentalnoga uvjeta svih zamislivih društvenih odnosa, nomadizam nije više iznimkom lutanja Drugih u potrazi za nepoznatim. Posve suprotno, svijet u globalnome poretku raskorijenjenosti, čija je temeljna značajka masovna (i)migracija stanovništva iz Trećega svijeta na Zapad, dokida ideju domovine. Narod se u postmodernome konceptu nacije-države svodi na etnički supstrat zajednice kojoj kulturni identitet još jedino podaruje neki smisao. (Homi K. Bhabha, Location of Culture, Routledge, London-New York, 1994.) Domovina je u planetarno doba ne tek „zamišljenom zajednicom“ (Benedict Anderson), koju je u moderno doba imala nacija, već umreženim „logorom u pustinji“. Sve se razmješta i premješta. Sve se ukrižava i prekrižava. Sve iščezava i gubi se u mahnitome gibanju svijeta bez cilja. Linearni napredak/razvitak kapitalističke proizvodnje radi proizvodnje o kojoj je u 19. stoljeću Marx u Kapitalu govorio diskursom dekonstrukcije Hegelove logike apsolutnoga duha dovodi do složenosti svijeta u znakovima kaosa i entropije. O čemu nam govore najmjerodavnije sociologijske studije globalizacije i informacijskoga društva, kakva je, primjerice, teorija umreženoga društva Manuela Castellsa? (Manuel Castells, Uspon umreženog društva, Golden Marketing, Zagreb, 2000. S engleskoga preveo Ognjen Andrić – „Nova je ekonomija nastala u posljednja dva desetljeća na svjetskoj razini. Nazivam je informacijskom i globalnom kako bih ustanovio njezina temeljna razlikovna obilježja te kako bih istaknuo njihovo prožimanje. Ona je informacijska zato što produktivnost i konkurentnost jedinica ili faktora u ovoj ekonomiji (bilo da se radi o tvrtkama, regijama ili nacijama) u osnovi ovise o njihovoj sposobnosti da učinkovito stvaraju, obrađuju i primjenjuju informaciju zasnovanu na znanju. Ona je globalna zato što je srž aktivnosti proizvodnje, potrošnje i cirkulacije…“(str. 99) Samo o tome da je nomadizam bez subjekta u značenju tradicionalne veze naroda, zajednice, teritorija, nacije-države i moderne osobe. Kad je Hannah Arendt predskazala da će 21. stoljeće biti u znaku migracija stanovništva, za razliku od 20. stoljeća koje je proteklo u znaku izbjeglištva i prognaništva, tada je otvoreno temeljno pitanje svijeta uopće. Metaforički govoreći, doba logora i doba domovina završeno je u doba informacijske i globalne ekonomije. Nomadi su izgubili svaki mogući prazan teritorij kao utočište i kao oazu u pustinji. Svijet je postao jedinstven, jedan, nerazlikovni prostor-vrijeme gibanja u svim smjerovima preko i onkraj granica univerzalne pustinje. Izgubljenost u teritoriju i bezsubjektnost u doba povratka ideji subjekta u suvremenome mišljenju od poststrukturalizma do lakanovske psihoanalize naizgled su istovjetne „priče“. Ideja subjekta označava konstrukciju predmetnosti okolnoga svijeta. Subjekt je već od samoga početka novovjekovne filozofije, a potom moderne umjetnosti – konstrukcija svijeta objekata u prostoru i vremenu ispražnjenosti svijeta uopće. Novovjekovna filozofija polazi od čistoga mišljenja. U činu samopostavljanja svakog mogućeg i realnoga svijeta (Descartes) otvara se cjelokupni prostor mišljenja uopće. Moderna umjetnost radikalno pročišćava svoj prostor time što se okreće slobodi kao praznini svih drugih određenja (Cézanne). Samo u tom smislu može se uvjetno govoriti da je moderna umjetnost od samoga čina vlastita utemeljenja osuđena na lutanje pustinjama, da je njezina sudbina planetarni nomadizam bez subjekta. Umjetnost-u-pokretu (Art on the Move) pripada otvorenome svijetu u kojem se sve događa kao da je lutanje od jednoga do drugoga zemljopisnoga mjesta već događaj kinetičke mobilizacije modernoga čovjeka. Umjetnički nomadizam pretpostavlja mobilnost kapitala i tehnologije kao svoj neizbježni uvjet postojanja. Problem je samo u tome što na kraju povijesti, kad nomadizam više ne označava svojstvo gibanja nekog pastoralnoga ili ne-pastoralnoga naroda već univerzalnu oznaku za bezsubjektne lutalice s pouzdanim geopolitičkim i geostrateškim zemljovidima, lutanje nije bezizgledno tumaranje i zabludjelost lutalice. To je putovanje i pustolovina putnika u prolaženju „križnim postajama melankolije“, kako izriče jedan Benjaminov fragment iz Zentralparka. Australski književnik Bruce Chatwin, autor zacijelo najljepših postmodernih putopisa (U Patagoniji, Pjevane staze, Utz), proveo je velik dio života u pustinjama među aboriđinskim narodom. Njegova je odredba nomadizma utoliko iskustvena i promišljena sudbina ukorijenjenosti/raskorijenjenosti u i iz izvornoga tla. Nomadizam je, kako kaže Chatwin, razmještanje u krajolike duboke napuštenosti, praznine i samotnosti iz kojih proizlazi uzvišeni osjećaj nadilaženja moderne tjeskobe pojedinca. Nomadi su bili zamašnjak povijesti. Iz nomadizma su nastale monoteističke religije. Nestanak nomada i preobrazba svijeta u „globalni park za nomade“ odgovara čudovišnoj logici neoliberalnoga kapitalizma da svijet pretvori u estetizirane privremene zone logorovanja, turizma i spektakla. Paradoksalna je logika spektakla kapitala u tome što istodobno pustoši prirodu bez koje nomadizam izvorno više nema svoja utočišta. No, s druge strane, priroda se biogenetski i biopolitički uskrsava time što se ekologijski zbrinjava, čuva, zaštićuje od nenadzirana pustošenja. Obje su strane, ona rušilačka i ona gradbena, ona koja pustoši i ona koja tetoši i čuva baštinu prirode, mehanizmi samoreprodukcije kulture globalne informacijske ekonomije kapitala. Dubinska ekologija (Deep Ecology) služi se animističkim iskustvima nepovijesnih izvornih naroda poput Indijanaca u Sjevernoj Americi i Aboriđina u Australiji samo zato da etički uputi na promjenu smjera ideologije brutalne eksploatacije planeta. Naglasak je na etičkome i utopijskome vapaju za izgubljenim. „Vratimo se prirodi! Poštujmo životinje i njihova prirodna prava! Čuvajmo zajednički okoliš!“ Ali koji je metaetički cilj takve vrste ekološkoga fundamentalizma postmoderne? Kao i uvijek, on je transparentan u svojoj zakrinkanosti povratka svetim ciljevima suživota ćovjeka, životinja i tehnološki proizvedenih anđela i demona. Radi se o novoj vrsti planetarnoga ili globalnoga turizma. Nomadi kao umjetnički lutalice su prethodnici kulturalnih turista. Oni su avangarda koja je na kraju povijesti pretvorena u izložbene izloške, estetizirani kič za potrebe simboličke razmjene kapitala i spektakla. Ironija je umjetničkoga nomadizma u tome što je on samo naizgled subverzivno-kritičko putovanje u nepoznato, ali uvijek u zajednicu koja intelektualno ili doživljajno ima iste značajke bez obzira na kojem zemljopisnom mjestu svijeta. Nomad nikad istinski ne može postati drugi kojemu se divi i obožava ga. To je fatalizam kulturne kontingencije. Nomad kao „subjekt“ može prakticirati tantru, zen-buddhizam, biti sufijski mistik, poznavati sve zagonetke mističnih iskustava drevnih indijanskih naroda Meksika, kako je to opisao Artaud. Ali on uvijek ostaje netko drugi. On je uvijek – stranac. Nomad u umjetničkome ili estetskome oblikovanju nekog postmodernoga „pokreta“ nužno pripada zapadnjačkoj opsesiji s bolećivim, mekim, fluidnim identitetom. Nomadizam ne može bez ideje prirode i uzvišenosti nekog divljeg teritorija kojeg valja proputovati da bi se doživjela ekstaza u društvu doživljaja, nekovrsno estetizirano mistično iskustvo arhaičnih prostora. Zato se ne čini nipošto kreativnim nabrajati sve bitne umjetnike zapadnjačke moderne od Goethea do Chatwina, kako to čini teoretičar nomadizma u književnosti Michael Haerdter u svojem eseju. (Michael Haerdter, „NeMe: Remarks on modernity, mobility, nomadism and the arts“, http://org/main/137nomadism) Svi su prekretni umjetnici povijesne avangarde, nadrealizma, neoavangarde, od Maljeviča do Artauda, od Duchampa do Kiefera, radikalni „putnici“. Ali njihovo je putovanje sve drugo negoli nomadizam. Putuje se prostorom duhovnosti između davno minulih epoha da bi se uspostavio dijalog „mrtvih“ i „živih“ suvremenika. Između različitih povijesnih i kulturalnih megalita ideja odvija se duhovna pustolovina iskustava povezivanja prirode, uzvišenosti, neprikazivosti i ikonoklazma svijeta u mahnitome gibanju bez kraja. Vizualno najupečatljiviji prikaz nomadizma u tom umjetničkome smislu podaruje Wim Wenders u filmu Until The End of the World. Završni su prizori fascinantne umjetničke slike novoga medija kao što je film na prostranstvima australskih pustinja i pustara, uzvisina i bezdana, gdje nomadski prebiva narod Aboriđina sa svojim drevnim legendama i pričama o zemlji i mjestu bogova, prirode i čovjeka u Zemlji. 6. Na kraju bje kaos… Paradoksalna je odredba nomada, kako ustvrđuje i Gilles Deleuze, da se on ne kreće i ne putuje. U poretku složenosti suvremenoga svijeta nomadizam je događaj isprepletanja poretka i kaosa. Ako je prema mitskoj predodžbi početak vezan uz kaos, tada je istovjetna situacija i na kraju povijesti. Kaos nije suprotnost poretku. Naprotiv, poredak je kaotičan zato što u sebi nosi snage vibrirajućih oscilacija između mase, energije i informacije. (Giles Deleuze, Logik des Sinns, Suhrkamp, Frankfurt/M., 1993. Interpretacija Deleuzeove filozofije s obzirom na pitanje odredbe teritorija, kaosa i umjetnosti izvedena je na iznimno originalan način u knjizi Elizabeth Grosz, Chaos, Territory, Art: Deleuze and the Framing of the Earth, Columbia University Press, New York, 2008.) Aktualno i virtualno, u onome što se danas prepoznaje pod međusobnim djelovanjem fraktalnih jedinica neke mreže čimbenika koji tvore poredak, primjerice, globalne informacijske ekonomije, pronalazi se djelovanje sila novoga stvaranja i destrukcije. Virtualno prethodi aktualnome u konstrukciji objekata čija arhitektura realno ne postoji u okolnome svijetu. Na taj način nomadizam zadobiva elementarne značajke imaginacije. Ono što se može zamisliti nije ne-realno ili nad-realno. Imaginarne su površine istodobno virtualno-aktualne. Kaos nije, dakle, suprotnost poretku. U književnosti 20. stoljeća dva su takva „slučaja“ planetarne nomadske imaginacije. Književnost kao i vizualne umjetnosti, filozofija kao i arhitektura, mogu postojati samo planetarno. Svjetska književnost o kojoj je „maštao“ Goethe virtualno-aktualno postoji u kaotičnome poretku medija što tvore svijet uopće (jezik, simboli, znakovi, kodovi). Dva „slučaja“ imaginacije, koja ontologijski prethodi realnosti tako da je fantastično i onirično konstruira, su književnost Jorgea Luisa Borgesa i Fernanda Pessoe. U prvom je „slučaju“ ideja vječnosti i beskonačnih umreženih zrcala teksta istovjetna nomadizmu kao mitu i fantastičnome prostoru svijeta svih epoha. U drugome, pak, san se ne pojavljuje više kao unutarnja realnost naspram izvanjske. San je virtualno-aktualno lutanje/putovanje formalno ograničenim prostorom jezika sanjača, ali realno neograničenim prostranstvima imaginacije. Nomadizam nije stoga nikakvo virtualno-aktualno stanje svijeta u gibanju, kao što nije ni neki „novi“ umjetnički pokret ili stil na ishodu iscrpljenih mogućnosti moderne umjetnosti. Imaginacija u svojem medijskome nadilaženju prostorno-vremenskih granica omogućuje nomadizmu njegov „novi život“. To je upravo smisao Flusserove paradigme o telematskome društvu ili komunikacijskome lutanju u nestanku razlike između blizine i daljine. Nomadska su plemena u doba paleolitske kulture bila otvorena spram svijeta kao površine u prostorima pustinja i zelenih prostranstava. Njihova su lutanja bila uvijek određena nekom izvanjskom svrhom: preživljavanjem koje omogućuje sredstvo egzistencije – pripitomljene domaće životinje. Konji i deve kao životinjsko sredstvo realne i simboličke komunikacije nomadskih naroda prilagođeni su uvjetima prostora koje valja prijeći i zauzeti. U iskonskome značenju, nomad je produžena tovarna životinja (konj ili deva) na putu od-do. McLuhan je medije odredio antropologijski kao ljudske materijalno-duhovne proteze. U nomadizmu kaosa kraja povijesti čovjek više nije ništa drugo negoli produžetak digitalnoga stroja pamćenja koji ispisuje i oslikava svijet uz pomoć novih zemljovida za lutalice. Tako se, na posljetku, više gubi razlika između putovanja i lutanja. Putuje se lutajući i luta putujući „već viđenim“. Ono što je „već viđeno“ iznova se rekonstruira činom imaginacije. Ne može se više pitati što jest nomadizam ili tko jest nomad. Bez odgovora na pitanje o karakteru izgubljene svjetovnosti izgubljenoga svijeta koji je postao tehničkom ili digitalnom slikom, medijem vlastite slikovnosti, uzaludno je opetovanje starih raspri oko realnosti i objektivnosti takvog svijeta i subjektnosti subjekta kao stvaratelja takvog svijeta. Kad više nije moguće sa sigurnošću i izvjesnošću ništa reći o nomadizmu bez nomada, a to je istinski smisao „priče“ o kraju povijesti s kojim se suočavamo u svakom obliku njegova (is)kazivanja formi i sadržaja istovjetne formalne strukture svijeta, tada nam preostaje dvoje: ili zamuknuće i šutnja, kao što je radikalno izveo Ludwig Wittgenstein, ili povjerenje u onu vrstu kazivanja koja nadilazi zamuknuće i šutnju govorom upravo takvog zamuknuća i šutnje. Nomadizam bez nomada odgovara slici bez svijeta, koja se neprestano i iznova oslikotvoruje kao površina i okvir kaotičnoga poretka života samoga. Zamuknuće i šutnja o tome „govori“ više negoli iskazuje. Poetski je govor sublimno iskustvo tog nadilaženja granica. O iskustvu pustinje i nomadizma bez nomada može govoriti upravo netko neognostički izbačen iz realnoga putovanja/lutanja globalnim pustinjama. U hrvatskome pjesništvu 20. stoljeća, a možda bi se moglo kazati i u okvirima planetarne imaginacije istoga razdoblja kad nomadizam 80-ih godina 20. stoljeća postaje više od obvezujućega pojma, Marija Čudina objavila je oporučnu knjigu poezije Paralelni vulkani, svoj završni kazivajući „sedmi pečat“. U poemi Pustinja s kojom otpočinje ta knjiga, Marija Čudina u 10. kazivanju, fragmentu, izgovara bit onoga što je ovdje u pitanju – nomadizam i kaos kraja povijesti. Sjećam se, oči sam zatvarao često, prstom bih pokazivao put neba, a ne gledah nikad što se tamo zbiva. Prav, išao sam, sreo nisam nikog, samo potajno se nadah da me netko ipak prati iz daljina i nisam sasvim sam u Pustinji ovoj kojoj nema kraja. Ta svima se pričinja da ih u pustoši netko gleda. Ali, vjerovati ne valja. Opčinjen tišinom tko može znati posljedice lutanja? (Marija Čudina, Paralelni vulkani, GZH, Zagreb, 1982., str. 16.) Objekti su uvijek iluzija pogleda. Nomadizam u doba kaosa kraja povijesti svoj smisao uopće ima samo u tome što je riječ smisao izgubila smisao. Smisao je kaosa u tome da ne stvara novi poredak na ruševinama staroga. Ali problem je ipak u tome kako i s kojim pravom možemo govoriti o početku i kraju bez promišljanja vremena koje prethodi svakom mogućem zgušnjavanju i sažimanju (implozija) prostora? Nomadizam je planetarni usud lutanja na kraju povijesti. To nije odlika ni stanje. To je početak kraja epohalno određene pustolovine povijesti koja se po analogiji dovršava tamo gdje je nastao svijet monoteističkih religija, apokalipse, metafizike privida i opsesije s iskupljenjem čovjeka. Nomadi potrebuju svoju pustinju i kad je nema da bi u njoj mogli imati mogućnost nove domovine, pa makar i u virtualnome logoru pod mjesečinom. Pustinja i pustoš, kako pjeva Marija Čudina, iziskuju pogled Drugoga. Nadolazeći Bog telematske prisutnosti u doba medija ne objavljuje se ni kao Bog blizine/daljine, niti kao spasonosni zaokret povijesti u njezin nov početak. Šutnja i zamuknuće su jedino što od nomadizma danas preživljava. Svatko sam luta posljedicama putovanja kroz beskrajnu i slikovno fascinantnu pustoš ove lutajuće zvijezde na izdisaju. Drugi mu je potreban da bi imao smisao svoga lutanja ili kao da bi imao smisao. O nomadizmu se više ništa bitno ne može reći. (Iz knjige Zaokret, Litteris, Zagreb, 2009.)

November 5, 2024
Tričarije za dan skratiti

Tričarije za dan skratiti

1. Koji je glavni uzrok svjetskih ratova? To je toliko jasno i prosto ko pekmez na grani lopoča koji nema grane, ali who cares, da valja po stoti put ponoviti: to je zato što su ljudi u svojoj gizdavosti prestali jesti ovčetinu! Tako apodiktički tvrdi onaj dobroćudni djed na lažnome putu za Budjejovice koji je Švejka iz Hašekova besmrtnoga romana ugostio u svojoj kolibi i ponudio ga, a čime drugim, negoli kiselim kupusom i kuhanim krumpirima. Dakle, uzrok znamo, a posljedice su stravične. Noćas su Ukrajinci dronovima ciljano gađali ruske ilegalno-državne pecare vodke. Što je sljedeće, pitaju se aktivisti Trumpove predsjedničke kampanje s bizonovim rogovima na glavi i propuhom u mozgu? I odgovaraju unisono: zna se ꟷ apokalipsa crnih sleđeva! 2. Sloterdijk u mrzovoljnim refleksijama o svojim ljetnim izbivanjima u Wagnerovu Bayreuthu piše da je čitav problem demokratske teutonske ideje opernoga gledališta zamišljenoga od konstruktora da se transverzalno mogu gledati „majstori-pjevači“ dok se deru na uho Tristana koji mjeri pozadinsku platformu Izolde krajnje ispitivački & smjerno u tome što je muškarcima s uvećanom „bešikom“ vrlo zajebano dospjeti do kristalnih dveri javnoga WC-a bez užurbanosti i strke sve u šesnaest. A tko mu je kriv što se smuca po vatrogasnim zabavama i sajmovima na kojima krigla pive za VIP-goste stoji bagatelu, pa se nolens-volens nadkapacitiraš preko mjere i onda jurrrriš!!! Da je lijepo, u miru i pred ekranom svojeg laptopa, interaktivno slušao Rajnu u srebru i zlatu sela Gmünda i Nibelunge bez prstenja, mogao je to sve obaviti u svojem privatnome zahodu i još k tome pročitati na pametnome telefonu Wagnerov ogled o Gesamtkunstwerku u kojem operni reformator 19. stoljeća na sva zvona proklinje modu i stavlja je na stup srama nasuprot „istinskoj umjetnosti“ za devetu vječnost. To me je sve toliko ozlojedilo da ću prvom prigodom, sad kad sam u nezasluženoj penziji, ako to već nisam kao profesor na modnom dizajnu TTF-a zadnjih 25 godina, s ushitom navaliti na prvu modnu reviju i dobro paziti gdje je ulaz-izlaz da kad idem na WC ne naletim na ozareno zacrvenjelog Sloterdijka kako kraj pisoara majestetično dirigira Radetzky-marš i pritom veselo fićuka stari rap-napjev ꟷ Ich hab mein Herz in Heidelberg verloren! 3. Sunce nad crkvenim tornjem u obnovi i fantastični Depeche Mode s radija „Kosmaj 57 zove Ibar 54“ najavljuju more kaosa. Ponajprije, ne očekuje se da će s tornja pasti metalni crijep na uznosite glave prolaznika koji se dive uzvišenosti božanske ljepote ovog zdanja, a koji je provincijska replika neke pseudo-barokne crkve iz Gornje Radgone poznate po ukazanjima djevice Marije u ponoćnim maglama i štukaturama od lijevanog blata. Drugo, očekuje se da će svijet ove godine biti preplavljen geometrijskom produkcijom psihopata iz javno-privatnih vrtića koji grizu vratove svojim dadiljama i umiru od histeričnoga smijeha svaki put kad se na ekranima TV-a pojavi tehnološki mogul Elon Musk u svojem blindiranome „SpaceX-u“ s dirižablom na tešku vodu i slomljenome propeleru nalik plišanoj rodi iz okolice Vladimirovaca. Treće, ne očekuje se da će Sunce odjednom potamnjeti od muke i postati mistična korona za obredna klanja Maya-Indijanaca po pozivu. Četvrto, očekuje se da će posthumano stanje poprimiti obrise noćne more iz snova japanske gejše koja se u zlatnome paviljonu smiješi menađerskoj novoj klijenteli i medijima korporativne zombi-diktature jednog grada-države u kojem virtualna tajna policija zijeva iza digitalnoga zida vječnosti čekajući da narodni vox populi sam obavi posao i prijavi nesmotrene ljubavnike u suterenu koji natežu psa na uzici umjesto strogo propisane mačke za vrat. Peto, ne očekuje se da će glazba starog industrijskoga rocka i izvedbe Never Let me Down Again s njihovom legendarnom crnom video-pozadinom napuštenih tvornica snova iznova pobuditi bijes protiv proloma depresije i stvoriti pokret otpora protiv pustinje koja raste. Šesto, očekuje se da će krajem tjedna suncostaj prijeći u ravnodušnost spram kozmičke entropije što je dobar znak za uzgoj sintetičkih droga na bazi kokosa i avokada koje izravno udaraju u ono što je još preostalo od glave. Sedmo, ne očekuje se uglavnom više ništa, jer ovo je apokaliptički broj koji pretpostavlja čuvare državnih pečata, smrtne grijehe anđela i pohotne patuljke u pohodu na rudnik litija u Kopaoniku, a to je, priznat ćete bez okolišanja, više negoli dosta za ove tričarije za dan skratiti.

November 4, 2024
Sloboda, totalitarizam i banalnost zla

Sloboda, totalitarizam i banalnost zla

Misliti novo kao misterij nastanka događaja znači upustiti se u avanturu dekonstrukcije čitave povijesti zapadnjačke metafizike. Zar pojam političkoga i politike posjeduje takvu moć obrata povijesti da od odnosa tih naizgled istih pojmova ovisi sudbina svijeta? Spornom se čini tvrdnja da ni jedan drugi filozof nije poput Hannah Arendt postavio u središte problem novoga početka. (Takvu postavku o „izvornosti“ mišljenja političkoga i politike Hannah Arendt u suvremenoj filozofiji politike zastupa Oliver Marchart u članku „Time For a New Beginning. Arendt, Benjamin, and The Messianic Conception of Political Temporality“, Yearbook of Political Thought and Conceptual History 10 (2006): str. 134-147.) Nakon mislilaca prevladavanja metafizike u 19. stoljeću (Marxa, Nietzschea, Kierkegaarda), upravo će Heidegger nakon Bitka i vremena u svojoj drugoj fazi mišljenja otvoriti pitanje „drugoga početka“ nakon dovršetka filozofije kao metafizike u kibernetici. Isto će tako misaoni put Deleuzea od spisa Nietzsche i filozofija do Razlike i ponavljanja omogućiti izvornost temeljne kategorije postajanja (dévenir). Ulazak u polje kontingencije, emergencije i neproračunljivosti novoga ne može se svesti samo na mišljenje Hannah Arendt, koliko god da je ono iznimkom u modernoj političkoj antropologiji i filozofiji politike 20. stoljeća. Problem se pojavljuje, međutim, u nečemu mnogo važnijem od nastojanja određenja mjesta mišljenja u doba euforije „novoga“. Radi se o aporiji bezuvjetnoga događaja novoga u mišljenju političkoga i politike Hannah Arendt. Aporija je to mišljenja koje nema temelje u „mišljenju“, nego u djelovanju koje prethodi mišljenju (političkoga i politike). Kako uopće misliti događaj ako se on već uvijek događa „prije“ početka promjene, ako je to stanje „prije“ početka ujedno i mogućnost promjene događaja samoga? Ne iskrsava li s novim početkom zbivanja zapravo i pitanje kako nastaje „novo“ i kako taj nastanak određuje ono što se događa u povijesnome vremenu? Drugim riječima, pitanje o novome početku u političkoj antropologiji Hannah Arendt jest pitanje o mogućnostima takvoga mišljenja u doba kraja metafizike i njezina „mita“ o početku i kraju kauzalno-teleologijskoga shvaćanja svijeta. U drugome obratu, to je pitanje dekonstrukcije politike kao svrhe ili cilja izvan samoga djelovanja u postajanju novoga. Ako nema svrhe ili cilja izvan samoga djelovanja, već je sve u činu aktualizacije novoga stanja, nije li time političko i politika osuđeno na neprestano stvaranje događaja – revolucije ili demokratskoga obrata svijeta? U čemu se razlikuje takvo mišljenje od mistike izvanrednoga stanja u političkome decizionizmu Carla Schmitta? Znači li to, naposljetku, da se iza svakog mišljenja nadolazećega događaja skriva mesijanska subverzija samoga poretka „novoga“? Da bismo razvili postavku o nesuvremenoj suvremenosti političkoga u mišljenju Hannah Arendt u ovom ćemo se razmatranju ograničiti na tri temeljne ideje njezina shvaćanja novoga, povijesnosti i događaja: (1) novo kao diskontinuitet niza događaja u povijesti i obnova tradicije u okružju modernosti; (2) povijesnost kao razvitak rada, proizvođenja i djelovanja unutar metafizički određenoga obrata odnosa teorije, prakse i proizvodnje (transcendencija politike i imanencija političkoga); 3) događaj (bez) subjekta i supstancije u svijetu kao apsolutna kontingencija i emergencija novoga početka svijeta i ljudske egzistencije u javnome području slobode. Novo se stoga razumije uvijek iz povijesnosti događaja. Prekidi s nužnošću prirode posjeduju moć stvaranja istinske dimenzije prakse. Nesvodljivost na teoriju i na proizvodnju odlikuje djelovanje u području prakse bitnom odrednicom slobode započinjanja novoga. Cjelokupna je politička antropologija Hannah Arendt otuda dekonstrukcija filozofije politike od Platona i Aristotela do Marxa. ( Hannah Arendt, „Tradition and the Modern Age“, u: Between Past and Future: Six Exercises in Political Thought, The Viking Press, New York, 1961. str. 17.) Da bi kao takva bila „nova“ i mogla imati svoju navlastitost u razumijevanju povijesti politike od antike do ishoda modernoga doba, ona mora otpočeti s nečim uistinu neočekivanim i neutemeljujućim. Misterij novoga početka ne potrebuje opravdanje izvana, iz nekog transcendentnoga izvora. U znamenitoj studiji o totalitarizmu taj se događaj određuje krajnje neočekivano – sve je moguće. Formulacija je gotovo istovjetna epistemologiji postmodernoga anarhizma. U djelu Paula Feyerabenda Protiv metode ključni slogan glasi: sve je dopušteno (anything goes). Dostojevski definira nihilizam iskazom: ako nema Boga, sve je dopušteno. Međutim, ovdje se nihilizam ne svodi na nestanak Boga iz povijesti. U pitanju je nestanak povijesti uopće njezinom preobrazbom u negativnost zla. Nihilizam u srcu totalitarnoga poretka označava ujedno raspad etike i politike modernoga kozmopolitskoga poretka. S Kantovom mišlju vječnoga mira i prevrednovanjem vrijednosti u goli život u ideologiji biološke nadmoći arijevske rase/kulture nastaje prijepor između uma i zbiljskoga života. Kada sve postaje dopušteno zato što je sve moguće, na djelu je logika kontingencije i emergencije. Kontingencija politike znači da više nema nužnosti niti sudbine koja upravlja poviješću ljudskoga djelovanja. Umjesto Boga sam čovjek vlada arhipelagom ljudskoga odlučivanja o svijetu i životu. Emergencija se otuda odnosi na događaj nastanka novoga. A ono se nipošto ne može svesti na prošle događaje. Tako, primjerice, ono što vrijedi za svijet suvremene umjetnosti, gdje performativnost tijela odlučuje o značenju događaja umjetnosti u javnome prostoru, vrijedi i za političko djelovanje u javnome prostoru izvedbe slobode. Demokratski svijet javnoga života odgovara ljudskome svijetu zajedničkoga bitka. U praznome središtu moći pluralnost subjekata i sloboda govora jamči ispunjenje ideje moderne demokracije kao sudjelovanja građana u politici umjesto vladavine otuđene elite. Ono što se dopušta proizlazi iz ideje novoga. Posrijedi su neograničene mogućnosti stvaranja života s onu stranu „prirode“. Nije pritom slučajno da se nacizam i komunizam pozivaju na misterij ideje koja leži s onu stranu povijesti. Moderne ideologije partikularnosti nacije, rase, kulture umjesto krajnjega cilja i svrhe povijesti samu povijest pretvaraju u mit o napretku. Na taj se način modernost dodatno učvršćuje slikama „novoga čovjeka“. Njegovo stvaranje potječe iz konstruktivne utopije znanosti i fikcije. Schmitt je to nazvao sekularnom političkom teologijom. Mogućnost nastanka nečega nepredviđenoga označava, dakle, faktičnost da to što je nastalo nema nikakvog uzora u čitavoj dosadašnjoj povijesti. Fašizam i staljinizam upravo su takvi izvorni fenomeni totalitarne vladavine. Ona se ne može svesti ni na kakve poznate oblike tiranije, diktature ili despocije. Nije stvar u načinu političke vladavine „narodom“, nego se radi o radikalnoj promjeni samoga sustava moći nad životom pojedinca i mase. Zločinački karakter vladavine nije posljedica državne politike. Upravo suprotno, ono što prethodi totalitarizmu kao modernome fenomenu terora ideologije i politike nad golim životom čovjeka jest apsolutna moć zla u formi moderne politike isključenja Drugih. U tome su suglasni Hannah Arendt i Karl Jaspers. Zanimljivo je da su odmah nakon Nürnberških procesa nacističkim vođama poslije 2. svjetskoga rata u nekim izjavama u razgovorima za novine, oboje, Arendt i Jaspers, ustvrdili isto: nacizam kao totalitarni poredak nadilazi shvaćanje moderne nacije-države iz dva razloga. Prvi je taj što mu je permanentni teror u temeljima zajedno s ideologijom antisemitizma, a drugi je taj što poništava razliku u liberalnome shvaćanju između građanskoga društva i političke države. Poredak imperijalne vladavine leži u temeljima zločinačke države. Svoj cilj i svrhu ona ne pronalazi na kraju povijesti tek uspostavom III. Reicha. Njezin je cilj i svrha u totalnome pohodu s onu stranu svih tradicionalno shvaćenih moralnih, pravnih, političkih i metafizičkih kategorija. Krajnji je „cilj“ fašističkoga totalitarizma nadomještanje metafizike Zapada novom tehnologijom i znanošću istrebljenja drugih rasa, naroda i kultura. Eugenika ili biopolitička konstrukcija „nadčovjeka“ odgovara promjeni duha u paradigmu biologistički shvaćenoga života. (Karl Jaspers, Pitanje krivnje: O političkoj odgovornosti Njemačke, AGM, Zagreb, 2006. S njemačkoga preveo Boris Perić i Karl Jaspers, Wohin treibt die Bundesrepublik? Tatsachen – Gefahren – Chancen, R. Pipper & Co. Verlag, München, 1966. Totalitarizam, dakle, predstavlja izvorni moderni fenomen. On nadilazi tipove političke vladavine u povijesti poput tiranije, diktature i despocije. Stoga se može s pravom nazvati krajem politike kao ostvarenja ideje slobode, jednakosti, pravednosti i bratstva. Bit se totalitarne vladavine pokazuje u permanentnome teroru. Spram izvanjske okoline i spram unutarnjega prostora djelovanja države, teror s pomoću tajne policije kao sredstva/svrhe nasilja ispunjava funkciju zastrašivanja. Kada Hannah Arendt nastoji objasniti zlo u samoj strukturi totalitarne vladavine, koje će na primjeru Adolfa Eichmanna, nacističkoga izvršitelja „konačnoga rješenja“ Židova u Auschwitzu, nazvati banalnošću zla, tada nije riječ ni o kakvom objašnjenju moralne ili metafizičke prirode zla. (Hannah Arendt, Eichmann u Jeruzalemu: Izvještaj o banalnosti zla, Politička kultura, Zagreb, 2002. S engleskoga prevela Mirjana Paić-Jurinić) Totalitarizam označava izvorni politički fenomen moći i vladavine na temelju dvostruke preobrazbe: (1) ljudskoga svijeta u tehnički svijet neljudskoga i (2) preobrazbe neljudskoga svijeta u banalnost tehničkoga istrebljenja Drugih. U nacizmu su to Židovi, a u sovjetskome komunizmu građanska klasa i unutarnji neprijatelji poretka. Banalnost zla utoliko ima svoje razrješenje u svakodnevici tehničke preobrazbe ljudskoga svijeta slobode i javnoga prostora djelovanja u ono neljudsko kao takvo.(Vidi o tome: Seyla Benhabib, „Arendt’s Eichmann in Jerusalem“, u: Dana Villa (ur.), The Cambridge Companion to HANNAH ARENDT, Cambridge University Press, New York, 2006. str. 65-85.) Kada se neljudsko pojavljuje u svojem dijaboličkome obliku koncentracijskoga logora, tada se suočavamo s raspadom smisla i svrhe ljudske povijesti. (Vidi o tome: Margaret Canovan, „Arendt’s theory of totalitarianism: a reassesment“, u: Dana Villa (ur.), The Cambridge Companion to HANNAH ARENDT, Cambridge University Press, New York, 2006. str. 25-43.) Na kraju Izvora totalitarizma Hannah Arendt ustvrđuje ono što će biti njezin misaoni i životni credo. Naime, da bi uopće mogli otpočeti iznova nakon traumatskoga događaja kao što je bio Holokaust u povijesti, potrebno je učiniti dvostruku operaciju preobrazbe. U njezinim pojmovima to se podjednako odnosi na misaoni i na djelatni život (vita contemplativa i vita activa). Pročišćenje mišljenja događaj je pročišćenja djelovanja. Razlike su, dakako, opstojeće u razlici između mišljenja (contemplatio), rasuđivanja (doxa) i djelovanja (praxis). Budući da je misterij početka ono što podaruje novome snagu čistoga događaja, jasno je da se nešto mora „dogoditi“ prije samoga događaja novoga u povijesti. Ako je traumatsko i čudovišno ono što se u židovskoj eshatologiji naziva zlom kao takvim, a tijekom čitave povijesti metafizike pojam zla zauzima mjesto posredovanja između prvoga i posljednjega, uzroka i svrhe, jer nema u sebi smisao i održivost pojma kako je to poznato od Kanta preko Kierkegaarda do Lévinasa, tada se u političkoj antropologiji Hannah Arendt nužno mora suspendirati ono etičko u korist čistoće novoga početka političkoga. Bilo bi krivo ovo tumačiti odsutnošću moralnosti iz njezine teorije politike. Ovdje se naprosto radi o obnovi antičkoga shvaćanja zajednice. Ideja slobode u Grka prethodi pravednosti. Polis znamenuje boravište zajedništva ljudskoga svijeta. Politička sloboda, pak, pretpostavlja zajednicu jednakih ljudi u raspravi o zajedničkome dobru. Etika se otuda ne može svesti na pitanje subjektivnosti istine. Isto tako ona nije u službi moralnosti. Židovsko-kršćansko razlikovanje božanske pravednosti i svjetovne pravde nužno moral postavlja u sferu antipolitičke djelatnosti unutarnje savjesti i sukrivnje za (ne)počinjeno djelovanje. Kada se to ima u vidu, onda je republikanski demokratski poredak sudjelovanja građana u politici sam po sebi etički čin preuzimanja odgovornosti za dobrobit zajednice, a ne za vlastiti privatni interes. Jednako je tako pogrešno tvrditi da se u mišljenju Hannah Arendt skriva virus totalitarizma pod kožom republikanske kritike liberalnoga shvaćanja demokracije. (Tu je postavku iznio George Kateb, Hannah Arendt: Politics, Conscience, Evil, Rowman & Littlefield, New York, 1983. Vidi kritiku njegove postavke o „imoralizmu političkoga egzistencijalizma“ Hannah Arendt u: Maurizio Passerin d’Entréves, The Political Philosophy of Hannah Arendt, str. 90-95.) U djelima Human Condition iz 1958. godine i Between Past and Future iz 1961. godine te u knjizi On Revolution iz 1963. godine uspostavlja se diskurs političke teorije s onu stranu tradicionalne filozofije politike i metafizičkih izvora etike modernosti. Napad na transcendentalizam zapadnjačke filozofije politike, morala i kulture ovdje se izvodi iz nastojanja da se područje političkoga oslobodi od bilo kakvog utjecaja pojmova vječnosti, svrhe, određenosti, cilja, apriornosti, pa čak i univerzalnosti uma. Pred kraj života Hannah Arendt pokušat će učiniti obrat unutar vlastitoga određenja pojma prakse i djelovanja s obzirom na pojam rasuđivanja i djelovanja s podrijetlom u Kantovoj Kritici moći suđenja. (Vidi o tome: Dana Villa, „Introduction: the development of Arendt’s political thought“, u: Dana Villa (ur.), The Cambridge Companion to HANNAH ARENDT, Cambridge University Press, New York, 2006. str. 1-24.) Štoviše, nesvodljivost političkoga kao događaja novoga početka označava operaciju pročišćenja djelovanja od bilo kakvih izvanjskih svrha, bile one pragmatične i privremene ili eshatologijske i trajne. Političko se u svojoj autonomnosti mora voditi kao djelovanje koje postaje uvjet mogućnosti obnove i stvaranja novoga svijeta ljudske slobode, jednakosti i pravednosti. Samo se u tome može pronaći bliska srodnost s mišljenjem političkoga i politike Carla Schmitta. Na kraju studije o totalitarizmu nalaze se i ove riječi: „Ali ostaje i istina da svaki kraj u povijesti nužno sadrži i novi početak; taj početak je obećanje, jedina ‘poruka’ koju kraj uopće može odaslati. Prije nego što postane povijesni događaj, početak je najveća čovjekova sposobnost; politički, on je isto što i sloboda. Initium ut esset homo creatus est – ‘čovjek je stvoren da bi nastao početak’, rekao je Augustin. Taj početak jamči svako novo rođenje; to je, štoviše, svaki čovjek.“ (Hannah Arendt, Totalitarizam, Politička kultura, Zagreb, 1996. str. 240. S engleskoga prevela: Mirjana Paić-Jurinić) Izvornost teorije totalitarizma u djelu Hannah Arendt odgovara temeljnim pojmovima jednog nedijalektičkoga shvaćanja povijesti. Ako je povijest kontingencija i emergencija, tada se više ne može govoriti o „željeznom zakonu“ nužnosti promjene društvenih poredaka u modernome kapitalizmu. Ono što je izvorno u mišljenju političkoga i politike kad je riječ o totalitarizmu jest nešto uistinu neočekivano. Bit se totalitarizma ne očituje u pojavnoj formi ideologije i terora – u nacizmu antisemitizma, a u komunizmu „komunizma“ koji Marxovu ideju nadolazeće zajednice jednakosti i slobode degradira na zlo koncentracijskih logora i strahovladu tajne policije. Država u totalitarnome shvaćanju nije svrha. Ona ima funkciju aparata nasilja. Kao sredstvo za dostizanje metafizičkoga cilja i svrhe kraja povijesti osuđena je na utapanje u totalnu zajednicu mitski pojmljenoga naroda ili na odumiranje u besklasnome društvu komunizma. Uz izreku sve je moguće primjereni dodatak glasi nitko nije siguran. Stoga se dokidanje države u vladavini totalnoga poretka tajne policije i paradruštvenih vojnih organizacija nadomještava u zajednici rasne/narodne i besklasne anti-politike. Umjesto uobičajene opreke totalitarne ideologije i politike naspram liberalne demokracije, izvornost je teorije Hannah Arendt u tome što pokazuje da je sukob između totalitarizma i liberalizma sukob između ideologija i politika moderne artikulacije moći, a ne tek sukob između radikalno oprečnih svjetonazora. Pravi problem koji postavlja Arendt nadilazi etičko-političke i metafizičke spekulacije o dijaboličkome zlu nacizma s vrhuncem u istrebljenju Židova u koncentracijskome logoru Auschwitz. Zlo se ne skriva u metafizičkome obzorju vrijednosti. Ono je tehničko pitanje banalnosti (običnosti, rutine, svakodnevice) ideologije i politike istrebljenja Drugih u totalnoj državi masovnoga društva. Umjesto razlike između klasa to novo društvo počiva na razlici i istovjetnosti između elite i rulje. Zlo je čudovišno područje uzvišenosti jer je nepojmovno. I upravo je stoga svaki racionalni odgovor na postojanje zla u samoj racionalnoj strukturi poretka totalitarizma osuđen unaprijed na promašaj. Destrukcija povijesti može se nadvladati samo radikalnim odstranjenjem zla svim političkim, pravnim, etičkim i metafizičkim sredstvima koje stoje na raspolaganju. U tome se Arendt slaže s Jaspersom s obzirom na pitanje prebolijevanja tzv. kolektivne odgovornosti Nijemaca za Holokaust te pitanja krivnje za strahotne posljedice 2. svjetskoga rata. Totalitarizam kao izvorni politički fenomen modernoga doba nema nikakvu ni svrhu niti cilj u povijesnome smislu eshatologije i soteriologije na čemu su počivale sve zapadnjačke ideje o vladavini. U toj svojoj nesvrhovitosti ono što je najčudovišnije jest da zlo proizlazi iz same prirode njegove nužne nestabilnosti, točnije rečeno destrukcije svijeta kao ljudskoga svijeta i javnoga života čovjeka u političkoj zajednici. Totalitarizam je u sebi autodestruktivan. Razlog je u tome što ne može izgraditi nadolazeću zajednicu na temelju totalnoga uništenja svih pojmova zapadnjačke civilizacije. Među njima ideje slobode i jednakosti predstavljaju najviši doseg čovječanstva u povijesti. Rezultat ove analize jest aporetičan i paradoksalan. Ako je totalitarizam u sebi proturječan, tada se političko-ideologijska uporaba pojma za objašnjenje njegova djelovanja u 20. stoljeću mora ograničiti na ono što nadilazi politiku uopće. To, dakako, nije ni etika niti kultura. Radi se naprosto o destrukciji politike, etike i kulture te padu u „crnu rupu“ neodređenosti. Razlog što se totalitarizam za Hannah Arendt ne može svesti ni na što u prošlosti poznato u politici i ideologiji jest u tome što od modernoga industrijskoga društva 19. stoljeća rad i proizvođenje (homo faber i animal laborans) postaju tehnička realizacija neljudskoga kao takvoga. A neljudsko u formi tehničke mašinerije više ne potrebuje autentično djelovanje političkoga, nego samo uspostavu neljudske moći u masovnome poretku bez subjekta. Uvođenje pojma kontingencije i emergencije, novosti i događaja nadolazeće zajednice proizlazi iz krajnje bestemeljnosti slobode djelovanja. Sloboda je poput krhke biljke. Neprestano joj prijeti opasnost pada u najgori oblik ropstva. Nije slučajno Aristotel demokratski način ostvarenja slobode djelovanja u politici smatrao krhkim zbog prijetnje otklizavanja u tiraniju ili oligarhijski način vladavine. U doba rimske republike opasnost koja je dolazila izvana ili iznutra u vidu ratne prijetnje ili rušenja republikanskoga poretka bila je ne samo prijetnja gubitka individualne slobode građana, nego samoga temelja političke zajednice slobode. Za Hannah Arendt suverenost vladanja u okviru moderne nacije-države nije problem. Umjesto toga ona nastoji riješiti problem s onu stranu suverenosti „prirode“ i „društva“. Riječ je, jednostavno, o aporiji i paradoksu univerzalnosti prava čovjeka i partikularnosti građanskih prava. Ako je neupitno da je totalitarizam bio kraj modernoga poretka nacija-država u Europi prve polovine 20. stoljeća, tada je pravo pitanje postpovijesnoga doba politike samo ovo: što uistinu nakon kraja ideje subjekta međunarodnoga prava od Francuske revolucije do kraja 2. svjetskoga rata? Kraj ideje suverenosti država zasnovanih na urođenosti podrijetla i etničkome načelu pripadnosti političkoj zajednici nastaje zbog rastuće svjetske imigracije nakon 2. svjetskoga rata. Čovječanstvo se ne može više zasnivati na ideji suverenosti „prirode“ i iz te fikcije izvedenoga prava na domovine i zavičaje u formi ekskluzivne nacionalne države. Umjesto toga suočeni smo s poteškoćom uspostave nove politike kontingencije i emergencije. Tko je istinski subjekt uvjetovanosti/stanja politike kozmopolitskoga poretka u kojem čovjek više nije ništa unaprijed određeno i u kojem se građanska prava ne odnose više na urođene pripadnike političke zajednice modernoga doba (nacionalne države)? Sukob između šireg značenja slobode čovječanstva i užeg značenja slobode građana u modernoj liberalno-demokratskoj državi postaje ne više tek politički sukob oko praznoga središta moći suvremene politike. To je sukob koji nadilazi klasične teorije političkoga i politike. Jer umjesto ograničenoga prostora zajednice od grčkoga polisa, rimske republike do moderne europsko-američke nacionalne države sada sama Zemlja i ljudski život u tehno-znanstveno doba postaje sfera onoga političkoga. Gubitak ljudskoga svijeta u totalnoj „ideologiji“ rada-proizvodnje onoga neljudskoga, na što Arendt upozorava već na početku knjige The Human Condition, dovodi do toga da se alternativa procesu preobrazbe slobode u „liberties“, a javnoga i zajedničkoga dobra u korporativne politike privatnoga interesa, pronalazi jedino tamo odakle proizlazi sama ideja djelovanja čovjeka. Područje je to neodređenosti i kontingencije slobode kao takve. Da bi mogla postojati u zbilji ona mora sebe već uvijek žrtvovati činu novoga početka, rođenja (natalnosti) ljudskoga svijeta u neljudskim uvjetima/stanju bezavičajnosti svijeta. Kriza i krhkost ljudskoga svijeta slobode kao zajedništva koje tek omogućuje osamljivanje i otuđenje čovjeka i svijeta jest ono što prethodi svakom činu neutemeljujućega utemeljenja. O kakvom se događaju „žrtvovanja“ tu radi i kome je posvećena žrtva slobode? Hannah Arendt će u čitavoj povijesti modernoga političkoga mišljenja, koje događaj iz teologijske perspektive spušta na zemlju i podaruje mu crte ljudske djelatnosti u zajedništvu, ostati i ovdje iznimkom. Umjesto židovskoga nasljeđa Kabale u mesijanskome očekivanju spasa kao revolucije ili obrata neljudskoga stanja svijeta, sloboda nije žrtvovana ideji pravednosti koja se jedino, kako kaže Derrida, ne može dekonstruirati. Zato u njezinome mišljenju događaja, za razliku od Benjamina, Scholema, Lévinasa i Derride, ne postoji nikakvo mesijanstvo bez Mesije i nikakav etičko-politički obrat. Žrtvovanje slobode i posvećenost ideji života samoga kao uvjeta mogućnosti dobra na Zemlji jest jedino za Hannah Arendt ono političko samo, bez nadomjeska i bez posvećenosti drugome cilju ili svrsi. Događaj nadolazeće zajednice povijesnosti novoga početka slobode čovjeka u zajedništvu može biti samo onaj događaj koji povezuje grčko razumijevanje polisa i kršćansko razumijevanje zajednice milosrdne ljubavi (agape) za Druge. Povezujuće jest ideja života kao najvišega dobra. Upravo život povezuje slobodu i ljubav. Život slobode kao ljubavi za pravdom i jednakošću mjesto je pomirenja političkoga i onoga što odlikuje poetsko-etičko utemeljenje zajednice: „Razlog zbog kojeg se život afirmirao kao krajnja referentna točka u modernome dobu ¸i ostao najvišim dobrom modernoga društva leži u tome što se moderni preokret zbio u sklopu jednoga kršćanskog društva, čije je temeljno uvjerenje u svetost života nadživjelo sekularizaciju i opće opadanje kršćanske vjere i ostalo čak posve neuzdrmano. Drugim riječima, moderni je obrat naslijedio i dalje neosporan preokret s kojim je kršćanstvo prodrlo u antički svijet, preokret koji je bio politički čak dalekosežniji i u povijesnom pogledu u svakom slučaju trajniji od bilo kojeg dogmatskog sadržaja ili uvjerenja. Jer kršćanske ‘dobre vijesti’ o besmrtnosti individualnoga ljudskog života obrnule su antički odnos između čovjeka i svijeta, a ono najsmrtnije, ljudski život, unaprijedile na položaj besmrtnosti kojega je do tada zauzimao kozmos.“ (Hannah Arendt, Vita activa, str. 252-253.) Shvaćanje političkoga u Hannah Arendt pretpostavlja razumijevanje događaja iz obzorja iskonske vremenitosti same biti djelovanja. U tom je pogledu njezino shvaćanje vremenitosti gotovo istovjetno Benjaminovu mesijanskome vremenu vječnoga sada (Jetzt-zeit). Djelovanje određuje život ljudskoga bitka u zajednici. No, to nije vremenitost revolucije kao događaja novoga početka vremena. Kroz vrijeme novoga početka struji vrijeme iz prošlosti (tradicija) i teče vrijeme iz budućnosti (utopija). Istinsko vrijeme političkoga stoga se događa kao povijesnost u djelovanju same slobode. Ona nikad nije zauvijek dana. Krhkost i nestabilnost slobode upravo iziskuje stvaranje nove kontingentne moći njezine stabilnosti u vremenu. Normativnost politike potrebuje institucionalno zasnivanje poretka koji u konačnici ima crte participativne demokracije i agonalnoga pluralizma subjekata. Na taj se način područje djelovanja u zajednici ograničava na politički prostor komunikacije. Mišljenje, volja i rasuđivanje tvore otuda jedinstvo u razlici. Hannah Arendt htjela je pod svaku cijenu spasiti ono navlastito „herojsko“ i „revolucionarno“ u doba demokratske ravnodušnosti suvremene politike. Iz tog razloga njezina je zasluga i temeljna poteškoća u izvedbi pojma političkoga upravo u onome što omogućuje ideju novoga početka i povijesnosti slobode. Pojam događaja (Ereignis) obilježava Heideggerovo mišljenje nakon okreta 1930-ih godina. U različitim tumačenjima razlike između pojma političkoga u Heideggera i Arendt često se zanemaruje nešto krajnje jasno i bjelodano. Ako je Heidegger destrukcijom tradicionalne ontologije otvorio mogućnost mišljenja „drugoga početka“ povijesti izvan svođenja na metafizičko utemeljenje razlike bitka i bića, ideje i pojave, supstancije i subjekta, onda je Hannah Arendt u svojoj političkoj antropologiji otvorila prostor mišljenju politike kontingencije i emergencije povijesti. Ako je, nadalje, Heidegger pojmom događaja nasuprot postava (Gestell) kao biti znanstveno-tehničkoga doba povijesti svijeta otvorio nove mogućnosti mišljenju suvremenosti izvan svođenja na pojmove temelja i utemeljenja, racionalnosti i kvantifikacije, uzroka i posljedice, onda je Arendt postavkom o kontingentnoj strukturi događaja političkoga u suvremeno doba omogućila da se Heideggerovo mišljenje preokrene u zaokretu onoga bezavičajnoga u ljudskome bitku. Otvorenost pripada obzorju zajedništva. Umjesto mesijanskoga došašća u drugome početku, političko više nije određeno kauzalnim modelima povijesti spasa. Čudovišna i ujedno misteriozna bit političkoga događaja ne može se svesti na sve što je bilo poznato u povijesti epoha od grčke i rimske antike, srednjega vijeka, novoga vijeka i modernoga doba. Politika u suvremeno doba više nema iza sebe ništa fiksno, a ispred sebe ništa unaprijed određeno. Što preostaje drugo osim fatalnosti tehno-znanstvene konstrukcije „umjetnoga života“? To je bitna razlika spram svih prethodnih epoha. Mišljenje političkoga Hannah Arendt na tragu Heideggerove postavke o zaboravu bitka u suvremeno doba može se odrediti pokušajem da se zaborav političkoga kao onoga što pripada istodobno iskonskome svijetu grčkoga polisa i rimske republike kao i ideji apolitičkoga novoga rođenja (natalnosti) u događaju početka ljudskoga svijeta u mišljenju sv. Augustina preokrene u smjeru nadolazeće zajednice ljudskoga svijeta. Takvo mišljenje nije nikakav humanizam, ponajmanje antihumanizam, a spram posthumanizma nadolazeće utopije „umjetnoga života“ u umjetnoj okolini izvan Zemlje ne ostavlja tragove žalovanja za zlatnim dobom minuloga svijeta. Ono što na jednom mjestu spisa O revoluciji naziva „nesvjetovnošću“ ili gubitkom svjetovnosti svijeta odnosi se na gubitak smisla djelovanja čovjeka u prostoru političke zajednice. Sloboda novoga događaja dolazi iz najveće opasnosti uopće. U 20. stoljeću totalitarna je vladavina bila upravo ta tehnička banalnost zla. Ono nadilazi sve etičke i moralne perspektive mišljenja i djelovanja. Problem koji otvara mišljenje povratka političkoga danas više nije u nabačaju utopijskih izgleda budućnosti. U tekstovima Hannah Arendt toga uopće nema. Ali zato ima obrisa jedne produktivne nostalgije za iskonskim svijetom polisa i sustava vrlina koje su nužne za dostojan život čovjeka u zajednici. Ako je jedina alternativa postojećem tehnoznanstvenom kôdu napretka globalnoga kapitalizma ono što proizlazi iz njegove „biti“, a to može jedino biti unutarnja destrukcija ili unutarnji preokret u smjeru slobode nadolazeće zajednice, onda je ono što nalazimo u mislima iz eseja „Što je sloboda?“ u dodiru sa sv. Augustinom odlučno pitanje nepredvidljivosti i neizvjesnosti vremena koje dolazi: „…biti čovjek i biti slobodan jest jedno te isto. Bog je stvorio čovjeka da bi na svijet uveo sposobnost započinjanja: slobodu.“ (Hannah Arendt, „Što je sloboda?“ u: Eseji o politici, str. 81.) Misterij slobode otvara mogućnost da politika suvremenosti od tehnologije moći iznova postane autentično djelovanje u zajednici. No, je li to uopće više moguće bez radikalnoga preokreta onoga što je na tako reduktibilan način ostalo žrtvovano u ime nostalgije za polisom i herojskom egzistencijom čovjeka u mračnim vremenima? To što je zapostavljeno u političkoj teoriji Hannah Arendt, iako jasno uočeno i precizno filozofijski opisano, jest biopolitička moć života u razdoblju tehno-znanstvene odiseje čovjeka u mreži entropije globalnoga kapitalizma. Čovjek kao animal laborans više nije čovjekom kao što politika koja služi interesima korporativnoga stroja današnjice nije drugo negoli ono što je Montesquieu, jedan od uzora u republikanskoj tradiciji mišljenja za Hannah Arendt, tako proročanski naznačio: da trgovci postaju uzorom moderne politike, a političari postaju lošim trgovcima. Vrijeme je za novi preokret moderne tradicije političkoga. Ali to nipošto ne znači da je vrijeme pogodno za preokret naprosto u neizvjesnosti nadolazećega. Sloboda se ne svodi na refleksiju ili viziju nadolazećega, S njom nastaje događaj trajne mogućnosti preokreta uvjetovanosti/stanja, koje se već odavno ideologijski legitimira „nužnošću“ tehnologije moći i ekonomije-života u globalnome kapitalizmu. Protiv te i takve „nužnosti“ mišljenje političkoga Hannah Arendt predstavlja oslobađajući smjer novoga događaja. (Ulomci iz knjige Totalitarizam? Meandarmedia, Zagreb, 2015.)

November 3, 2024
O kraju seksa i tehnoapatiji spram Drugoga

O kraju seksa i tehnoapatiji spram Drugoga

Mladi Japanci, uglavnom muški adolescenti, navodno sve manje iskazuju želju za seksualnim odnosima ne samo spram drugoga spola, već uopće smatraju da je to gubitak vremena i posvećuju se virtualnim događanjima u svim aspektima pojavnosti. Hoće li to postati uskoro i globalna pošast jednog hiperracionalnoga asketizma u doba tehnosfere ili je riječ o japanskoj iznimci koja (ne) potvrđuje pravilo? Bez obzira što o tome svjedoče sociologijska longitudinalna istraživanja na Zapadu, a Japan pripada uistinu na svoj izdvojeni način logici zapadnjačke civilizacije u mnogim aspektima od vjernosti demokratskoj politici unatoč svojem militarizmu u 20. stoljeću do prisvajanja stilova mladenačkih subkultura u svojem kulturnome kontekstu, mogu samo pokazati što sam o tome promislio u prvome svesku Tehnosfere, baveći se Foucaultovim postavkama iz Povijesti seksualnosti i drugim spisima i predavanjima na tu temu što ih je tvorac pojma biopolitike održao i u Japanu. Kako je to Foucault izričito naglasio u jednom predavanju na Sveučilištu u Tokyju 1978. godine naslovljenom »Seksualnost i moć«, pisati povijest seksualnosti znači sljedeće: „U svojem radu o Povijesti seksualnosti želio sam napisati upravo povijest znanosti o seksualnosti, te scientia sexualis, ali ne o tome, da budem precizan, u čemu se sastoje njezini razni pojmovi, teorije i tvrdnje – to bi bila zadaća prave enciklopedije. Postavljam pitanje, međutim, zašto su zapadnjačka društva ili, da kažem europska društva, imala potrebu za znanošću o seksualnosti ili iz kojih se razloga tijekom toliko puno stoljeća sve do danas pokušava stvoriti jedna znanost o seksualnosti. Drugim riječima, zašto mi Europljani želimo i stoljećima smo željeli znati istinu o našoj spolnosti umjesto da intenziviramo užitak?“(Michel Foucault, Sexualité et pouvoir, u: Defert, Daniel; Ewald, François (prir.). Dits et Ecrits 1954-1988, Vol. 3, Gallimard, Pariz, 1994., str. 554.) No, povijest seksualnosti od oslobađanja od stega i utega društvene represije, od patrijarhalnoga poretka i od kršćanske regulacije života zavjetnom čistoćom bračne dužnosti u produljenju čovječanstva spolnom reprodukcijom, da skratimo „veliku priču“ seksualne ljubavi na Zapadu, krajem 20. stoljeća postala je kraj povijesti u onome što nazivam pojmom techno-scientia sexualis. Tako smo dobili radikalnu individualizaciju seksualnosti kroz vizualnu identifikaciju s filmom kao nadomjeskom prave stvarnosti. Naravno, riječ je o internetskoj pornografiji koja obuzima čovjeka u 21. stoljeću kao njegov sublimni abjekt želje, jer se seksualnost interaktivno razmjenjuje kao kompjutorski virus narcizma i želje za priznanjem vlastite moći posjedovanja Drugoga. Freud i Lacan kao psihoanalitički majstori-nesvjesnoga i simptomatologije Lustprinzipa u ovoj se situaciji prevlasti tehno-fetišizma u virtualnoj stvarnosti mogu posve racionalizirati i kazati da su kao i fenomenologija postali suvišni za ono što jedino zauzima pozornost u permisivnoj kulturi društava kontrole 21. stoljeća. Zašto? Zbog toga što se sam Lustprinzip više ne pojavljuje kao ono sublimno iza tjelesne imanencije želje. Umjesto toga, želja za posjedovanjem i penetriranjem u tijelo Drugoga koja određuje povijest seksualnosti od Altamire do interneta nadomješta se sintetičkom logikom samoproizvodnje drugoga kao posthumanog tijela koje misli tako što vizualizira stvarnost kroz mreže singularnih događaja. To je ono što bismo parafrazirajući Deleuzea iz njegovih studija o filmu mogli iskazati uzvikom: Dajte mi, dakle, mozak! Ne više tijelo, već umjetni mozak koji stvara fascinantne događaje u hiperrealnosti kao što to prikazuju svi oblici suvremene pornografije koja je za razliku od reklamne slike u svojoj biti autotehnična ili autistički usmjerena na ono što je više-od-seksa i više-od-penetracije. To više-od nije ništa drugo negoli logika ispražnjavanja u megarazmjerima abjekcije, jer ništa neljudsko više čovjeku na mreži nije strano i sve postaje više-od-perverzije jer u doba vizualizacije crnih rupa praznine i ništavilo želje za Drugim ima značajke onoga što je već Nietzsche imenovao htijenjem za Ničim, idealnim sintetičkim nihilizmom za kojeg više stanja aktivno-pasivno ne znače baš ništa. Kad umjetni mozak u formi umjetne inteligencije posve ovladava svijetom, onda je samorazumljivo da je seksualnost došla do svojeg kraja iz dva razloga. Prvo, spolna je reprodukcija nadomještena tehno-kloniranjem bića, a drugo, želja za seksualnim odnosom s Drugim u svim mogućim kombinacijama u smislu Sade avec Lacan postaje zbog blagodati tehnosfere tehnoapatija spram Drugoga.Ljudi posthistorijske ravnodušnosti spram uronjenosti u živo meso tjelesne kontingencije gube „interes“ za seks ne zato što naporno rade 24 sata da bi mogli uživati, već zato što žive u totalnoj mobilizaciji tzv. smart-kapitalizma u kojem je svaki k…. postao pametan, a svaka p…. genijalna, pa se više od te silne pameti i genijalnosti ne može živjeti drukčije negoli da se pobjegne glavom bez obzira u svoj svijet, uronjeni u snove i mrežu svih mreža.

November 2, 2024
Veliki pjesnik Aleksandrije, božanskoga Grada

Veliki pjesnik Aleksandrije, božanskoga Grada

Opsjednutost suvremenosti s onim iskonskim grčkim, arhajskim, kad je svijet još bio istinski otvoren u svojoj tragičnosti i iskustvu nepokorive slobode u dijalogu s božanskim kao ljudskim likom u kipovima i sjenama na zidovima možda je samo iluzija koju je stvorila moderna poezija. Dva su pritom ključna i mjerodavna svjedoka ovog divnoga samozavaravanja da će u nadolazećoj budućnosti iznova zabljesnuti Apolonov sjaj kroz ovu noć i maglu neizmjernu. Prvi je pjesnik svih pjesnika Friedrich Hölderlin, o kojem će u ovome Kaosu uskoro biti još govora i o njegovoj strašnoj psihičkoj bolesti shizofreniji povodom najnovije knjige Giorgija Agambena Hölderlinovo ludilo. Jasno je, naime, da je njegova mitopoetska vatra stvaranja posvećena ideji povratka grčkih bogova u ovaj svijet kroz ono što je njemačka romantika podrazumijevala kao umjetničku religiju (Kunstreligion), jer iskonsko pjesništvo bez boštva helenskih bogova nema svoje utemeljenje i smisao. Drugi je, pak, Konstantin Kavafi, grčki pjesnik iz egipatske Aleksandrije (1863.-1933.) koji je objavio za života 154 pjesme i bio posve nepoznat: pjesme je čitao samo svojim bliskim prijateljima. Nakon smrti, čovjek koji je većinu života proveo kao zaposlenik egipatskoga Ministarstva javnih poslova pod britanskim patronatom, postaje nezaobilazno ime poezije 20. stoljeća uz Thomasa S. Eliota, Fernanda Pessou i Paula Celana. Za razliku od Hölderlinove vjere u povratak grčkoga poslanstva jezika i mišljenja u suvremenost, Kavafi se obraća prošlosti Aleksandrije kroz korelacije njezine povijesne dekadencije kao grada grčkoga sinkretizma i hibridnosti duha i živom svjedočanstvu ljepote i zabranjenih strasti homoseksualne ljubavi svjestan da je naše oživljavanje davnih vremena tek veličajni privid melankolije. Dok je Hölderlin još imao u vidu ode i himne, a ne samo tužaljke za Heladom, u slučaju poezije Kavafija preostaje samo moć estetski uzvišene sjete kao opravdanje onog što je iščezlo iz svijeta ꟷ božanske ljepote. Ovako to zvuči u pjesmi „Toliko gledah ljepotu“: Toliko gledah ljepotu da se moja vizija izjednači s njom. Obrisi tijela. Crvene usne. I čulnost udova. Kosa kao sa grčkih statua, uvijek ljupka, čak i nečešljana, njen pad preko blijedog čela… Likovi ljubavi, kakve ih moja poezija žuđaše u noćima mladićstva, srećem ih tajno, u dubini noći. (str. 107) A ovako u pjesmi „Slika“: Zurim u ovu sliku: lijepi dječak Ispružen je kraj izvora, Iscrpljen, možda, od trčanja. Kakva ljepota, kakvo božansko podne uspavljuje ga ondje! Sjedim i zurim tako, bez stanka, krijepeć se umjetnošću od napora da je stvorim. (str. 88) Kavafi je ovjekovječen kao mitski Pjesnik božanskoga Grada u romanesknoj tetralogiji Lawrencea Durrella Aleksandrijski kvartet. Ondje se pojavljuje kao melankolični duh fluidne povijesti i kao sinonim za moć umjetničkoga prevladavanja vremena i smrti. Moje iskustvo čitanja njegovih pjesama otpočinje upravo s ovim izdanjem sarajevske „Svjetlosti“ i pomnim kritičkim čitanjem njegova prevodioca, pjesnika, dramskoga pisca i čovjeka istančanog eruditizma kao što je to Slobodan Blagojević, negdašnji glavni urednik kultnoga časopisa „Delo“ iz Beograda. Krajem 1980ih godina „Svjetlost“ je objavila i Durrellov Avinjonski kvintet, tako da sam uz Kavafija usporedno čitao i Durrellov neognostički pentagram, pokušavajući razumjeti zašto se književnost i filozofija ujedno približavaju do krajnjih točaka razlike i razdvajaju gotovo tako da se više nikad ne susretnu u nekoj pustopoljini smisla. Poezija Kavafija bila mi je očitovanje čistoće jezika s kojim svijet postaje duhovni doživljaj povratka onog neumrloga iz sarkofaga povijesti na svjetlo dana, s jasnom sviješću da je taj povratak jedino moguć u jeziku i kroz njegove sentencije i metafore i to kao metafizička iluzija najvišeg duhovnoga ranga. U pjesmi „Povratak iz Grčke“ slušamo ono što je bit aleksandrinizma u doba helenizma i u njegovu oživljavanju na kraju 20. stoljeća, a što je bilo posvjedočeno iskustvom postmodernizma i Borgesa. Usput, Blagojević je iste 1988. godine uredio u „Delu“ tri sveska hrestomatijskih tekstova o postmoderni. Vrijeme je da priznamo istinu: i mi smo Grci ꟷ da što smo drugo? ꟷ ali s osjećajem i ćudima grčkoj prirodi ponekad tuđim. (str. 80) Biti Grk u modernoj Aleksandriji, onoj koju je obilježila politika europskoga kolonijalizma, navlastito britanskoga, kao i „sukob kultura“ instrumentaliziranoga pravoslavlja i islamizma jer odjeci grčko-turskoga rata 1920ih godina postat će porazom Grčke sustavom spojenih posuda i težak etnički problem za manjinske zajednice Grka u Egiptu, to znači biti neprestano izložen sudbini života između prijetnje progona i nove prilagodbe na kaos i entropiju svjetske i lokalne politike. Grkstvo izvan matične nacije-države ne čini samo moderni grčki jezik, već i ono o čemu Kavafi u ovoj pjesmi jasno iskazuje. To je osjećaj prisnosti i zajedničkosti s domovinom, ali svagda iz horizonta drugosti i tuđinstva. Manjinska književnost 20. stoljeća tvori gotovo glavnu struju ovog vladajućega estetskoga imperativa. Sjetimo se samo Kafke i njegova židovstva s njemačkim jezikom u Pragu; sjetimo se Celana kao ne-Nijemca koji je njemačkome jeziku svojim pjesništvom podario neizbrisivu moć oslobađanja od užasa raskorijenjenosti i nihilizma; sjetimo se naposljetku Eliasa Canettija i njegovih tragova govora i masi i moći zatiranja svekolike drugosti Drugoga u ime rase i čudovišne jednoznačnosti podrijetla. Zato na ishodu pjesme „Povratak iz Grčke“ Kavafi ostavlja veličajnu pohvalu višeznačnosti i interkulturalnome stapanju s drugim izvorima „krvi i tla“: Mi se stidjeti ne smijemo što venama našim krv Egipta i Sirije teče, već je s ponosom gajiti, uživati u njoj. (str. 81) Što je razlog zašto Kavafi nakon Hölderlina poseže za mistifikacijom i idealiziranjem helenstva i to u okružju i krajoliku onog što je s osvajanjem Male Azije i nastankom Aleksandrije poprimilo posve različit i dekadentan oblik povijesnoga iščeznuća iskonskoga grkstva kakvo još bijaše u mitu, filozofiji predsokratika i tragedijama Sofokla? Nije stvar samo u novome prostoru i njegovim mistično-religijskim ezoterijama, miješanju skupina naroda i duhu Azije koji se uvukao u ideju prožimanja Zapada s Istokom. Ne, stvar je u gubitku apolonsko-dionizijskoga sklopa ideja i življenja s mjerom beskonačnosti i mudrosti bez pada u bezdan okultnoga znanja o prirodi i ljudskim strastima. Kavafi oživljava smrtnu agoniju helenstva u svojem „božanskome gradu“ i svo je njegovo pjesničko umijeće sinkretizam dramske napetosti, evokacije prošlosti i korelacije s duhom hibridne sadašnjosti u znaku depoetiziranih sila tehnički uspostavljene modernosti. I zato je to jednostavna poezija koja čuva jezik od redukcije na aktualizam i avangardnu isključivost. Njegove pjesme su zaziv one čiste i izvorne smislenosti tužaljki za svijetom koji je iščeznuo u knjigama i slikama iz prošlosti kao što istodobno ovaj svijet „ovdje“ i „sada“ nestaje u svojoj zastarjelosti novoga i svojim pseudo-stilovima posvećenim prolaznosti i ispraznosti. Njegova je poezija živi književni spomenik Aleksandriji kao paradigmatskome gradu melankolije i dekadencije. No, još je nešto iznimno važno za njegovo kanoniziranje kao velikog pjesnika europske modernosti. To su ponajprije evokacija prošlosti kao mitske snage koja nikad ne iščezava jer ju krijepe svojim čežnjama za ljepotom upravo pjesnici i mislioci. Ali i još nešto što je možda još samo krasilo duh demokratske veličine Amerike i njezina slobodarstva u poeziji Walta Whitmana. Riječ je o homoerotizmu, ispovijedanju slobodne ljubavi među muškarcima, ali ne kao nešto ekscentrično i strano ljudskome iskustvu ljubavi, već kao ono jednostavno ljudsko-suviše-ljudsko koje čovjeka ispunjava srećom i blaženstvom ako je to njegova slobodna odluka. Pjesma koja je toliko utisnuta u našu intimnu povijest melankolije zacijelo je i jedna od najljepših pjesama o odlasku, nužnosti gubitka svjetovnosti svijeta, onog najljepšeg i najsvetijeg uopće u životu. To je pjesma s kojom Veliki pjesnik Aleksandrije, božanskoga grada, ostaje zauvijek naš istinski suvremenik. Ništa bolje ne mogu zamisliti za kraj ovog teksta. Možda još samo da je poezija dostojanstveni govor o iščeznuću onog što je svijet nekoć imao kao svoju bit, ali tko se još toga sjeća bez jezika na kojem i snovi zvuče poput „Boga koji napušta Antonija“. Kao čovjek odavno već spreman, i odvažan na to, zbogom reci Aleksandriji, koja iščezava. I nadasve, ne zavaravaj se, ne govori sebi da samo je san to bio, da te uši zavedoše; ne priginji pred takvim se ispraznim nadama. Kao čovjek odavno već spreman, i odvažan na to, kako dostoji ti, tvom ugledu u ovome gradu, okreni se, korakom odlučnim do prozora dođi i slušaj, s ganućem, ne sa preklinjanjem il sa tužbom kukavice, ko posljednje tvoje uživanje, slušaj one zvuke, glazbala divna mistične družine, i tad zbogom reci Aleksandriji koju gubiš. (str. 57)

November 1, 2024
Povijest kao melankolija

Povijest kao melankolija

Iz paučine vlastite biblioteke i njezine utonulosti u davne dane kad su knjige imale dostojanstvo i rang najviše vrijednosti ovog odvrtjeloga vremena izranja na stol iznova veličanstvena knjiga, jedna od onih spram koje imam posebnu smjernu naklonost. Napisana je auratskim stilom čiste ljepote kazivanja o epohi iščeznuća s naslovom koji zauvijek ostaje naprosto savršen: Jesen srednjega vijeka. Svaku jesen u ovo doba ta knjiga i poezija Rainera M. Rilkea stapaju se u jedno, tvoreći sinestetičko suglasje o onome što pripada sjetnome ugođaju i duhu apsolutne melankolije. Johan Huizinga (1872.-1945.), jedan od utemeljitelja kulturne povijesti, ubraja se među najutjecajnije nizozemske mislioce dvadesetoga stoljeća. Napisao je niz tekstova o temama koje sežu od srednjovjekovne umjetnosti do mehanizacije moderne Amerike. Objavljivanje Herfsttij der Middeleeuwen 1919. donijela mu je međunarodnu slavu i pridonijela višestrukim nominacijama koje je kasnije u svojoj karijeri dobio za Nobelovu nagradu za književnost, uistinu rijetko priznanje za profesora povijesti. Među ostalim njegovim važnim djelima su Erazmo (1924), U sjeni sutrašnjice (1935) i Homo Ludens (1938). Umro je u unutarnjem egzilu, nekoliko mjeseci prije oslobođenja Nizozemske kao nepokoreni humanistički intelektualac koji je nacizam i totalitarizam uopće prezirao kao najveće srozavanje europskoga duha u povijesti. Knjiga Jesen srednjega vijeka bila je najava novog pristupa razmatranju povijesti polazeći od pojma kulture kao sustava složenih obrazaca života i povijesti kao artikulacije ideja koje su ponajviše ostavile utjecaja u oblicima umjetničkoga življenja. Pojednostavljeno rečeno, naspram pozitivnih znanosti modernoga doba i njihova pada u redukciju jezika kao računajuće planomjernosti, kulturna povijest od Jacoba Burkhardta do Jacquesa Le Goffa unijela je životnost u filozofijsko-književni diskurs suvremenosti. Huizinga je u tom sklopu narativne povijesti dosegao najviše vrhunce i čitanje njegovih knjiga predstavlja istinski užitak u tekstu, baš onako kako je to definirao Roland Barthes. Evo, u jedanaestome poglavlju Jeseni srednjega vijeka, naslovljenog „Slika smrti“, posljednji ulomak glasi ovako: „Crkvena misao kasnog srednjeg vijeka poznaje samo dvije krajnosti: tužaljku zbog prolaznosti, zbog kraja moći, časti i užitka, zbog propasti ljepote, i slavlje zbog spasa duše u njenom blaženstvu. Sve što je između njih, ostaje neizrečeno. Živo se osjećanje okamenilo u prikazu mrtvačkog plesa i jezovitog kostura, izrađena do posljednjih tančina.“ (str. 151) Danse macabre, o kojem Huizinga tako poetsko-analitički piše da se iz ideje srednjega vijeka na njegovome kraju ili jeseni što je daleko bolja prispodoba iščeznuća osjeća silazna putanja dekadencije, predstavlja više od simboličkoga čina slikanja i kiparstva urezanog u freske gotičkih crkvi sveudilj Europe. Ples mrtvaca ima metafizički smisao slike koja nadilazi povijesno-epohalnu smještenost u doba između 14. i 15. stoljeća u Nizozemskoj i Francuskoj. Zar nije dostatan dokaz ove fluidne prisutnosti motiva umiranja koju skolastika teologijski određuje upravo kao jaz između kraja povijesti grešnoga tijela i novoga rođenja u blaženstvu duše upravo filmski prikaz Apokalipse u remek-djelu fimske umjetnosti kao što je djelo Ingmara Bergmana, Sedmi pečat? Povratak umornoga viteza iz Križarskih ratova na obale sjevernih mora i šahovska igra sa smrću, ikonografija srednjovjekovne životne drame onih koji su unaprijed osuđeni na vlastiti žrtvopis poput djevojke optužene za vještičje čaranje i njezina smrt na lomači uz prizore nomadskoga putovanja glumačke družine kroz čudovišnu šumu i naposljetku Ars moriendi u onom sablasnome dvorcu, sve je to samo filmska analogija onome što Huizinga pripovijeda podsjećanjem na „Ogledalo smrti“ u pjesnika kakvi bijahu Chastelalin i Villon. U Jeseni srednjega vijeka čitamo kako „makabralna vizija smrti ne poznaje ni elegično ni nježno. (…) Ovdje se odjednom čuje mnogo usrdniji glas nego u tisućglasnom memento mori. Nisu li narodna priča i narodna pjesma u tim stoljećima sačuvale osjećaje o kojima literatura nije znala gotovo ništa?“ (str. 150 i 151.) Nova čitanja ove najvažnije Huizingine knjige u nizu zbornika objavljenih u posljednje vrijeme naglašavaju kako je ovo djelo, naravno, polifonijski složeno i nedvojbeno ključno za daljnji razvitak kulturne povijesti ove iznimno bitne epohe za modernu povijest Europe, ali historiografski je često prijeporno u zaključcima. Umjetnost je ključna za Jesen srednjega vijeka, premda su mu tumačenja vrlo osobna. Moguće je tako pronaći ograničene dokaze za ranu recepciju povijesti umjetnosti, ali povjesničari umjetnosti, poput Erwina Panofskoga, vidjeli su početak u ranom nizozemskome slikarstvu, dok je Huizinga vidio samo kraj srednjovjekovnoga slikarstva. Sve to, međutim, ne može umanjiti vrijednost njegova pothvata. Zaboravlja se da je povijest u bitnome smislu ono što pripada osmišljavanju života u prošlosti ne mistifikacijom ili omalovažavanjem svijesti na toj razini društvenih odnosa. (v. prir. Peter Arnade, Martha Howell i Anton van der Lem, Rereading Huizinga: Autumn of the Middle Ages, a Century Late, Amsterdam University Press, 2019). Povijest kao melankolija u Huizinginoj knjizi ne pretendira biti nikakva univerzalna istina o biti jednog povijesnoga razdoblja koje se za razliku od Grčke i Rima zasnivalo na linearnome shvaćanju vremena, na metafizici koja je strogo razlikovala onostrani svijet od ovostranoga, na vjeri u Posljednji sud i na oblikovanju svijeta života iz duha uzvišenosti onog što je simbolički označavala ideja katedrale. Zato ovu knjigu valja čitati kao umjetničku povijest koja nadilazi granice historijskoga opisa onog što je iščezlo u vremenu i ostavilo nam žive dokaze nove prisutnosti u dokumentima: knjigama, slikama, spomenicima i naposljetku nečemu krajnje fluidnome, ali toliko moćnome da je zapravo to važnije od svekolike materijalnosti tragova koje krase muzeje i pinakoteke. Riječ je o ideji stvaranja svijeta kao apokaliptičke postaje u vremenu u kojoj smrt i umiranje čovjeka postaju više od morbidne teodiceje povijesti. Knjiga Jesen srednjega vijeka završava s pitanjem o nastanku ili „dolasku novoga oblika“, ne epohe, što pretpostavlja već ono što će biti temeljni pojam hermeneutike duhovne povijesti od Diltheya do Spenglera. Razlog što Huizinga oprezno najavljuje kraj epohalno-povijesne zaokruženosti religiozne ekstaze i duhovne askeze u razumijevanju vremena i svijeta života zacijelo leži u tome što se ništa u povijesti ne zbiva pravocrtno i ništa ne dolazi odjednom i naglo u novome događanju s kojim nestaje ono što je izgubilo svoje bitne mogućnosti razvitka. Renesansa stoga nije došla kao posvemašnji novum i oslobođenje od srednjovjekovne slike svijeta. Kaže Huzinga kako renesansa „dolazi tek onda kad se mijenja t o n ž i v o t a, kad oseka ubitačnog poricanja života uzmakne pred novom plimom i kad zapuše stalan, svjež povjetarac; ona dolazi tek kad u duhovima dozrije vedro pouzdanje da je došlo vrijeme ponovnog osvajanja sviju divota antičkog svijeta u kojima se čovjek tako dugo ogledao.“ (str. 343) Veličajne su one knjige koje o povijesti govore svagda kroz analogije. Uvijek se pritom u središte postavlja ono iskonsko. Tako i Huizinga ne može na kraju Jeseni srednjega vijeka bez spominjanja „antičkoga svijeta“ kao nedostižnog uzora i kao putokaza za svaku moguću nadolazeću budućnost. Renesansa dolazi kao osvit ili kao proljeće na kraju jedne već prohujale jeseni one epohe koju Umberto Eco u jednom svojem sjajnome ogledu uzima kao simboličko mjesto za nastanak novog srednjega vijeka. I još k tome, posve uvjerljivo pokazuje sve pojavne forme u kojima naša suvremenost više nalikuje zatvorenosti „mračnoga srednjovjekovlja“ negoli otvorenosti renesanse spram posve drukčijeg svijeta s horizontom ljepote i uzvišenosti uz procvat tehnike kao temeljnih ideja novoga i obnove u povijesti. Analogije nisu često od neke pomoći u mišljenju. Možda je naše doba, koje nema značajke epohe, uistinu bez presedana i zato samo izvanjski podsjeća na ono što su i Huizinga i Eco na svoj navlastit način nastojali unijeti u raspru oko duha vremena. Kako god bilo, povijest kao melankolija podaruje nam mogućnost da shvatimo koliko je umjetnost u najdubljem smislu jedino što preostaje od prošlosti s njezinim apokaliptičkim plesom mrtvaca. Pritom je nešto neporecivo. Ni holandski povjesničar kulture ni talijanski semiotičar sigurno nisu bili i vidjeli nešto zadivljujuće i zapanjujuće, i to Danse macabre na beramskim freskama u crkvi sv. Marije na Škrilinah kod Pazina, koja očuvanošću, motivima i stilom podaruju iznimnost slikovnome nasljeđu srednjovjekovlja u hrvatskoj kulturnoj baštini. Eto, sve je međusobno povezano i razvezano, svaki trenutak u životu koji se odvija kao carstvo jednostavnosti i kao sumrak vrijednosti na kraju jedne zauvijek proživljene jeseni srednjega vijeka.

October 31, 2024
Prolazna trajnost žudnje

Prolazna trajnost žudnje

Nije teško pronaći ključnu riječ-pojam antimetafizike na djelu još u osvit modernoga doba. Ona je toliko svemoćna i sveprisutna da se pojavljuje u povijesnome luku od kojih 200 godina u stalnim preobratima i novim značenjima. Ta je riječ-pojam istodobno negacija poretka pervertiranoga Razuma prosvjetiteljstva i uspostavljanje onog što u drugoj polovini 20. stoljeća nazivamo postmodernim sklopom mišljenja u svim područjima života od društva, politike, ekonomije, znanosti i kulture. Bez te riječi-pojma ne možemo dovesti u svezu Markiza de Sadea i Sigmunda Freuda, nadrealizam i poststrukturalističku kritiku jezika kao označitelja ideologije u novim društvenim uvjetima kasnoga kapitalizma posve određenog vladavinom tehnosfere. Riječ-pojam je subverzija metafizike iznutra i u cijelosti određuje osobito francusku suvremenu filozofiju nakon obrata njezina racionalizma od Descartesa do Bergsona. Evo je, konačno: žudnja (le desir). U razlici spram želje, koja pripada području uzvišene duhovne sveze s onime čemu se smjera ili teži kao idejnome svijetu, žudnja ima materijalnu usmjerenost na objekte u svijetu koji su stvarni i strukturno se pojavljuju kao tijela (corps). Žudnja je osjećaj privlačnosti i očekivanja prema određenoj osobi, objektu, situaciji ili budućnosti. Žudnja i njezino zadovoljenje stvaraju napetost u pojedincu koji je osjeća i koji je nastoji riješiti kako bi ispunio inducirani nedostatak. U ranome djelu Jeana-François Lyotarda, Économie libidinale, Les Éditions de Minuit, Pariz, 1974. filozof u analizi Marxova Kapitala i Deleuze i Guattarijeva Anti-Edipa na ingeniozan način pokazuje kako je sva politička ekonomija u svojoj fundamentalnoj strukturi zapravo ona koja se zasniva na pokretačkome stroju realizacije ili ne-realizacije žudnje i otuda su sva društva u povijesti ona koja nisu „primitivna“, a ni „moderna“, već su uhvaćena u mehanizme reprodukcije „prolazne trajnosti žudnje“. Logos koji pokreće društveni razvitak kao modernu tehnoznanstvenu organizaciju života u svojoj je biti, dakle, rezultat ove primordijalne ili iskonske prajezgre života koja se ne može ničime ukrotiti jer se uvijek svako obuzdavanje onog libidinalnoga ili primarnoga erosa vraća tom istom društvu poput bumeranga. Nije, dakle, rad kao izvor vrijednosti u svojoj transcendentalnoj logici djelovanja kapitalističke ekonomije, što je gotovo tautologija, nešto izvan-matrice-žudnje ili onoga što Deleuze i Guattari nazivaju u Anti-Edipu strojevima žudnje, već iskonska sveza logosa i erosa u „Velikom Trećem“ kao događaju koji povijesno kretanje ovog sublimnoga objekta života vodi ireverzibilno do krajnjih granica svojih mogućnosti. Naravno, ovaj „Veliki Treći“ nije ni filozofski pojmljeni bog metafizike kao Aristotelov nepokretni pokretač svih životnih zbivanja koji vječno misli svoje misli i drugo ga se ne tiče, a nije ni bilo kakva njegova metafizička replika ili nastavak drugim sredstvima kao što je to ideja prirode u sekulariziranome modelu novovjekovlja. Riječ je o eroto-logičko-tehnološkome objektu koji postaje sinteza onog izvornoga životnog poriva (nagona u svojoj produktivnoj ekstazi) i racionalne organizacije društvenih odnosa koji na sve većoj razini reprodukcije kasnoga kapitalizma postaju ono što rani Jean Baudrillard naziva „simboličkom razmjenom objekata“. (.v. L’echange symbolique et la mort, Gallimard, Pariz, 2017). Pritom je, kako to opisuje Lyotard, libidinalna ekonomija svagda usmjerena na proizvodnju nove potrošnje ili na realizaciju žudnje za objektima na sve većoj razini tzv. kompleksnih društava koja se međusobno umrežavaju i postaju krajnje permisivna i represivna u žudnji za „viškom žudnje“ kao najviše mogućnosti materijalizacije društvenih potreba. Mjerodavni sociolozi poput Alaina Tourainea i Amitaia Etzionija će krajem 1960ih godina sve ovo nastojati objasniti pojmovljem koje spaja napredak i razvitak kapitalizma na temelju primjene novih tehnologija (kompjutorizacija i robotiziranje proizvodnje) u stvaranju viška vrijednosti. Potrošačko ili postindustrijsko društvo postaje primjereni izraz za novu situaciju u kojoj kultura transformira tradicionalno shvaćeni pojam fizičkoga rada, ali ga ujedno i posve odstranjuje iz područja ljudske organske fiziognomike. Zato je Lyotardova analiza kasnoga kapitalizma polazeći od sveze Marxa i Freuda (logosa i erosa) baš kao i srodna, ona Deleuzeova i Guattarijeva paradigmatska za novo razumijevanje „Velikoga Trećeg“ ili drukčije ontologijske „funkcije“ stroja kao uvjeta mogućnosti kapitalističke tehnoznanstvene proizvodnje „sublimnih objekata“. Već sam o ovom problemu kritičkim čitanjem njihovih tekstova iz obzorja mojeg mišljenja tehnosfere pokazao sve bitne konzekvencije zatvorenoga kruga nemogućnosti sustavne „revolucije“ kapitalizma iznutra i izvana i to je u suvremenosti 21. stoljeća gotovo aksiomatska pozicija nalik onome Kafkinome liku iz jedne parabole koji stoji ukopan u mjestu i ne može ni „natrag“ niti „naprijed“. Prvo je nemogućnost povratka ovih društava hiperpotrošnje/represije/kontrole u prošlost kad je još postojala neka iluzija vladavine moćne socijalne nacije-države koja štiti radničku klasu od pada u bezdan strukturnih promjena samoga rada i stalnoga pada vrijednosti fizičkoga rada na globalnome tržištu. Sve je to iščezlo u nepovrat dolaskom neoliberalizma i korporativnoga sustava upravljanja svijetom kao Kapitalom. Drugo je nemogućnost dosezanja neke socijalno-pravedne realizacije „komunizma“ u nadolazećoj budućnosti jer se vladavina tehnosfere koja dokida moć ljudske kontrole nad samim životom pokazuje kao sveza biokibernetike i biopolitike i tako čovjeka pretvara u homo kybernetesa. Time se kognitivni kapitalizam sve više preobražava u onaj megastroj koji logos i eros političke ekonomije zatvara u proces „vječnoga vraćanja“ one „prolazne trajnosti žudnje“ ali ne više tradicionalnog zbiljskoga subjekta ovog procesa, već njegove nadomjesne funkcije u „umjetnome životu“ autonomnih objekata tehnosfere koji će uskoro u potpunosti preuzeti u „svoje ruke“ daljnji napredak i razvitak same stvari kapitalizma kao čistu vladavinu tehnološke singularnosti. (v. Žarko Paić, Doba oligarhije: Od informacijske ekonomije do politike događaja, Litteris, Zagreb, 2017). Vratimo se izvoru žudnje. Uvijek se pritom vode filozofijsko-psihoanalitički prijepori je li posrijedi tek sekularizirani pojam jedne „više“ ontologijske razine ili je sama žudnja onkraj metafizike kantovskoga modela razlikovanja transcendentalnoga i empirijskoga, noumenalnoga i fenomena. Ako je prvo slučaj, onda je žudnja samo materijalno-energetsko očitovanje onog što je Nietzsche preuzeo od Schopenhauera kao dinamičko načelo vladavine, naime volju (za moć). Bitak nije, dakle, ništa neutralno niti anorgansko u smislu nadilaženja ljudskoga-suviše-ljudskog načina egzistencije koji nužno pretpostavlja onaj spinozistički conatus u samome pojmu žudnje koji obuhvaća duhovnu-duševnu želju za apsolutom i tjelesnu žudnju za drugim tijelom kao sublimnim objektom same želje, što Lacan naziva užitkom (jouissance). Zadovoljenje žudnje označava ujedno i novi ciklus njezine obnove i stvaralačkoga ponavljanja. To je razlog zašto žudnja ima konstruktivno-destruktivni karakter i u kasnome kapitalizmu hiperpotrošnje carstvo objekata samu žudnju pretvara u represivno/depresivno polje neprestanoga „ispražnjavanja“. Žudnja je, dakle, od svoje „revolucionarne“ i „subverzivne“ funkcije oslobađanja od radne askeze industrijskoga kapitalizma prešla u fazu posvemašnje želje za samorealizacijom u društvu spektakla koji ponajpriije obilježava carstvo objekata. Paradoks je u tome što je vladavina „otuđenih“ i „postvarenih“ objekata ljudske žudnje krajem 20. stoljeća nastankom tehnosfere postalo „ispražnjavanje“ svijeta od svojih mesijansko-utopijskih ciljeva jer je u čistoj imanenciji života sve već „realizirano“. Zar o tome ne svjedoči carstvo kibernetički stvorenih sustava koji povezuju ono neljudsko i ljudsko i što čovjeka ne čini sretnim, već zadovoljnim jer se nalazi u začaranome svijetu libidinalne ekonomije u kojoj potrošnja prethodi proizvodnji, a žudnja za objektima želji za sublimnim apsolutom samoga života? Eto, „prolazna trajnost žudnje“ postala je opsceno ispražnjavanje „smisla života“ i vodi se kroz sve postaje vlastite i tuđe represije/depresije od kolijevke pa do groba. Kad se tako postave stvari, a to je jedino realno stanje stvari „danas“ u doba tehnosfere koja nadilazi žudnje i želje svih zamislivih povijesnih formi kapitalizma koje je Marx filozofijski promislio u Kapitalu, ali mu je izostalo iz vida ono što je nastalo tek s vladavinom moderne tehnologije prijenosa informacija u ekstazu komunikacije 1960ih godina kad nastaju modeli potrošačkoga/postindustrijskog kapitalizma, onda smo uistinu u položaju Kafkina antijunaka ukopanog u vječnu sadašnjost „stabilnosti u promjeni“. Rekao sam već u jednom razgovoru. Sve su utopije besmisleno naklapanje o ničemu, a distopije puki prikaz realne agonije stvarnosti u znaku vladavine apsolutne kontrole onog neljudskoga nad čovjekom. Zato mi svako „etiketiranje“ mišljenja kao utopijskoga i distopijskoga označava ono što Nietzsche u Genaologiji morala naziva „kastracijom uma“. Potrebno je neodgodivo izaći iz ove matrice ne-mišljenja vlastita vremena i reći da čak i lucidni uvidi u bit suvremenosti, koje su još 1970ih dohvaćali svojim hibridnim pojmovljem Marxa i Freuda ponajprije Lyotard, a potom Deleuze i Guattari, nisu više odlučujući za ono što nadilazi sve razlike sublimnoga i banalnoga u biti daljnjeg razvitka kapitalizma kao posvemašnje volje za moć i apsolutne vladavine tehnosfere koja je jedini još preostali problem ne samo filozofije, već i umjetnosti i znanosti. Sve drugo je „ispražnjeno od smisla“ i ne vrijedi gubiti vrijeme u praćenju odavno već viđenoga, dosadnog i nemuštog teoretiziranja različitih neo-marksista, post-modernista, neo-fenomenologa, post-analitičara, neo-lakanovaca i post-delezijanaca. To je ujedno i tautologija istog u razlikama do Sudnjega dana i pripada bezdanu izvrtjeloga vremena u njegovoj neminovnoj zastarjelosti. Posljednji teritorij žudnje koji još ima „smisla“ jest želja za obranom gole slobode života u mišljenju kao apsolutnome užitku bez svojeg prvog i posljednjeg razloga. Mišljenje je događaj nesvodive želje za slobodom kao izvorom svekolika duhovnoga bitka.

October 30, 2024
Što je to ꟷ metapolitika?

Što je to ꟷ metapolitika?

Početak Badiouova mišljenja politike datira u 1985. godinu. Tada objavljuje knjigu Može li se misliti politika? Osnovne postavke ovoga obrata od maoističkoga shvaćanja politike 1968. godine spram složenije konfiguracije novih pojmova i pristupa polaze od sljedećega aksioma. Mišljenje i djelovanje ne može više biti odvojeno kao u tradicionalnoj Platonovoj metafizici. Politika je u čitavoj zgradi onto-teologije do Marxa bila svedena na ono što um određuje zbilji, ali tako da se sama zbilja uvijek ponaša iracionalno. Antinomije uma imaju svoj korelat u proturječnostima zbilje. Ono što je za Badiouovo razumijevanje prekretno jest kako osloboditi filozofiju i politiku od okova koje im nameće tradicija u okviru dualističke metafizike. Jer svako je razdvajanje ujedno i način društvenoga rangiranja na osnovu ekonomske i političke moći (hijerarhija). Za Badioua je politika nešto navlastito. Nesvodljiva u svojoj kontingenciji ona označava mišljenje jednakosti i slobode. Razlika između političkoga i politike pritom poprima strategijsku važnost. Političko čini uvjet mogućnosti slobode. Razlog leži u tome što se smješta u događaju demokracije u zajednici, dok se, pak, politika pojavljuje institucionalnim poretkom demokracije ili formom države. U knjizi koja je obilježila suvremenu francusku političku filozofiju koncem 20. stoljeća, KRATKI PREGLED METAPOLITIKE, Badiou iznosi ove postavke. Ponajprije, politika nije „umijeće mogućega“, kako su to govorili liberalno-demokratski političari Francuske 1980-ih i 1990-ih godina, nego umjetnost nemogućega. U tome je „bit“ čitave Badiouove intervencije u političko i politiku. Ako je tome tako, tada postaje jasno da se politikom ne uspostavlja ono što je već uvijek moguće i nužno u smislu linearnoga poretka uzroka i posljedica. Umjesto ovoga mirnoga tijeka stvari, sve se mijenja radikalno i revolucionarno događajem prekida s prethodnim poretkom stvari. To znači samo jedno: politika je proizvođenje događaja, a ne znanost o događanju. Istina (bitka) događaj (politike) i subjekt (umjetnosti) nisu razdvojeni poput teorije, prakse i proizvodnje (znanosti, etike-politike i ekonomije). Umjesto njihove instrumentalne funkcije, sada se politika shvaća događajem koji nadilazi sve dosadašnje pokušaje oslobođenja politike od filozofije, pa čak i suvremene dosege u mišljenju, primjerice Hannah Arendt i Jean-Françoisa Lyotarda. Da bi, naime, dospio do definicije što jest uopće politika u suvremenoj situaciji vladavine liberalnoga konsenzusa u globalnome kapitalizmu Badiou je morao preventivno suspendirati ono značenje koje se tradicijom uspostavilo ne samo vladajućim diskursom „političke filozofije“, već i same djelatnosti politike od antike do danas. To je značenje sadržano u pojmu sredstva/svrhe osiguranja najvišega dobra u zajednici. Ako je u pitanju logika uzrok-posljedica, tada je sredstvo uvijek u znaku nekog učinkovita uzroka. A upravo on dovodi do očekivane posljedice. Drugim riječima, politika otuda ne može biti drugo negoli mišljena unutar metafizičkoga okvira kauzalno-teleologijskoga modela. Svaki obrat te sheme pretpostavlja: (1) da se politika shvati imanentno, pa onda slijedi da izvan njezine djelatne dimenzije praktičnoga odnosa spram svijeta nema ništa osim regulativnoga Boga etike, u nekoj aristotelovsko-kantovskoj perspektivi; (2) da se politika shvati transcendentno, no ovaj put s onu stranu djelovanja ljudskih zakonitosti i pravila, pa se u svojoj primarnoj dimenziji odlučivanja o suverenosti pojavljuje sekulariziranom teologijom, kako je to paradigmatski odredio Carl Schmitt u svojem pojmu političkoga te obilježio sve daljnje pokušaje mišljenja na tom tragu, bez obzira bili oni „desni“ ili „lijevi. Ono što Badiou naziva metapolitikom jest sam događaj politike istine ili sklopa u kojem su do istovjetnosti dovedeni znanje o događaju (theoria), sam događaj u svojoj otvorenosti (praxis) i način njegove osjetilne artikulacije (poiesis i aisthesis). Što konstituira subjekt kao subjektiviranje? Ništa drugo negoli sudioništvo u događaju s kojim otpočinje ljudski svijet zajedništva. Taj rizik i nepredvidljivost slobode nije nikakav zaslijepljeni avanturizam subjekta u smislu fanatičnoga voluntarizma, što su Marx i Lenjin pripisivali blankistima i teroru Termidora u Francuskoj revoluciji. Naprotiv, subjekt se rekonstituira u političkoj intervenciji. Ako je politika „mišljenje“, kako se to opetovano izvodi u knjizi KRATKI PREGLED METAPOLITIKE, onda je posrijedi artikulacija procedure istine. Ovo „mišljenje“ slijedi svoju vlastitu „logiku“ i „estetiku“. Ovo čini na taj način što tvrdi da je umijeće nemogućega uvjet mogućnosti politike koja nadilazi tlo tzv. realpolitik. Umjesto sigurnosti i luksuza liberalnoga konsenzusa, koji jamči autoritarna ili nadzorna država, sve je dovedeno do ruba kada više demokratska igra promjene vlasti ne polučuje drugo osim legitimnoga stanja vladavine oligarhije bez granica. Na jednom mjestu rasprave o uvjetima pod kojima i kada se neki događaj može imenovati „političkim“, Badiou naglašava da je za to potrebno da politika ima karakter zajedničke odluke, odnosno da su zadovoljeni uvjeti kojima politika pripada nizu beskonačnosti što se tiče mogućnosti, te da se nalazi u odnosu spram stanja situacije kao proizvodnja generičkih procedura istine. Drugim riječima, politika kao „mišljenje“ dovodi u tijesnu svezu bitak kao stanje situacije i subjekt kao mogućnost nastanka novoga. Izvan tradicionalnoga shvaćanja kategorije mogućnosti ovdje se radi o apsolutnome prekidu s poretkom uzrok-posljedica. Linearni slijed povijesti gubi svoj kontinuitet. Umjesto njega u igru ulazi beskonačni niz singularnih potencijalnosti. Kroz deset poglavlja ove knjige, koja je istodobno kritika tradicionalne političke filozofije i zahtjev da se politika odredi kao mišljenje, susrećemo se s obratom u razumijevanju temeljnih pojmova političke teorije. Badiou je mislilac kontingentnoga događaja politike, a to je pokušaj da se politici u doba tehnoznanstvene i post-ideološke „neutralizacije“ vrati izgubljeno dostojanstvo stvaranja događaja koji nadilazi razlikovanje „reforme“ i „revolucije“. Misliti politiku znači misliti metapolitički u odnosu na postojeće modele politike u globalnome poretku „kapitalo-parlamentarizma“. Uistinu, provokativna i misaono poticajna knjiga koja Badioua predstavlja kao mislioca suvremenosti na tragu Marxa, Heideggera, Sartrea, Althussera i Lacana.

October 29, 2024
Imperativi crne kronike

Imperativi crne kronike

1. U suvremenoj književnosti najbolji primjer crne kronike jest knjiga Thomasa Bernharda, Imitator glasova. Njegova već legendarna mizantropija, koju će stvaralački nastaviti i Michel Houellebecq u svojim proznim djelima, poeziji i esejima, tako divno odgovara ovome duhu vremena da ju možete čitati na plaži dok vam susjedov pitt-bull svojim izoštrenim zubovljem masira/mesari noge do posljednje granice boli i dok vas izmrcvarenog odvode na Traumatologiju lokalne bolnice u vozilu Hitne službe koje brzinom uspavane munje čeka na lijenom semaforu i izbacuje vas na Odjelu za rak, naravno zabunom, jer što je život drugo negoli jedna fuckin’ ontolološka zabuna. Švejk u Hašekovom besmrtnome romanu to uvijek objašnjava „jednim malim nesporazumom“ u svojim eskapadama i putešestvijama od Praga do istočnoga bojišta za Prvoga svjetskog rata. Nesporazum i zabuna ꟷ to je još zlatno doba kad je ironija vladala svijetom u kojem su elementi kanona bili Nietzsche i Proust. Uglavnom, književnost koja u fragmentima prikazuje svijet kao sklop i skup informacija o nesrećama, zločinima, ubojstvima, lažima, prevarama, mržnji spram Drugoga ꟷ to je bolje od bilo kakve još na životu preostale crne komedije. U filmu, dakako, ovo funkcionira savršeno u britanskim humorističkim serijama, a osobito kad u jednom skeču-sceni kultnog The Meaning of Life montipajtonovaca ekipa za hitne slučajeve upada u miran, obiteljski stan na periferiji Londona i vadi jetru ukućanima extra-hrđavim kliještima za limariju. Bernhard ne piše svoje fragmente iz razloga što mu je intencionalni okvir pripovijesti svijet kao „crna kronika“. Ne, on piše svoje mizantropijske meditacije zato što je zlo u svojem nesvodivome pozitivitetu ono što nastaje iz odnosa između jezika i slike suvremenoga svijeta u kojem vladaju korelacije nesuvislosti i neodređenosti, kraljevstvo čiste kontingencije. 2. Zlo je uvjet mogućnosti zločina, a zločin pretpostavlja ubojstvo Drugoga na okrutan način. Ne može zločin biti banalan, ali može zlo, kako je to uvjerljivo pokazala Hannah Arendt u svojoj knjizi Banalnost zla o Eichmannu i njegovu suđenju u Jeruzalemu pod staklenom kabinom. No, zločin u njegovoj performativnome očitovanju kao pojavni oblik nečeg tako nečuveno transcendentalnoga kao što je to zlo, uvijek je u umjetničkim formama realizacije poput književnosti i filma intrigantnije, zapravo „užasno“ zanimljivije ako je ekscentrično i traljavo, gotovo takvo da se iz njegove grozomornosti naposljetku učini nekom zlokobnom verzijom crne komedije. To je savršeno prikazao Borislav Pekić u svojem najboljem romanu Kako upokojiti vampira. Osim što je roman svojevrsna filozofijsko-politička alegorija u kojoj nedužni, groteskni lik slučajne žrtve Adama Tripkovića s njegovim fatalnim, demonskim kišobranom postaje kolateralni subjekt izvršenja kolektivne odmazde nacista u nekom primorskome gradiću nad lokalnim stanovništvom u cilju totalne kontrole nad bilo kakvim oblikom pokreta otpora, riječ je o fantastičnoj ideji kojim cinizam MOĆI/ZLA upravlja ljudskim životima i protu-MOĆI svojevrsne geste pobune same slobode kao gologa života. Roman je u svojoj analitičkoj preciznosti „ludo“ pokazivanje razloga zašto je upravo zločin ništa drugo negoli odnos i kontekst u kojem se sama izvedba individualnoga ili kolektivnoga ubojstva može prometnuti u neku od književno-dramskih formi kazivanja: lakrdiju, farsu, burlesku s citatnim obiljem informacija kao zaloga perverzne crne komedije samoga totalitarnoga svijeta. Radnju romana Pekić izvodi u obliku klasične fantastične ideje o pronađenome rukopisu. Riječ je o 26 pisama hajdelberškoga profesora srednjovjekovne povijesti i bivšeg esesovca Konrada Rutkowskog. Anonimni priređivač odnosi se prema ovim pismima na isti način kao i prema znanstvenome diskursu teksta. Pridodaje im, dakle, fusnote, popis literature kao u kakvome postmodernome književnom hibridu žanrova. Sama su pisma usmjerena u raskrinkavanje čitave metafizičke tradicije filozofije koja na ovaj ili onaj način postaje skriveni ili neskriveni razlog opravdanja ljudske oportunosti i pokornosti spram modela upravljanja i vladavine tijekom povijesti kojim čovjek biva objektom jedne više i uzvišenije sile, što vlada nad njime od države i društva do apsolutne neljudske kontrole. Imena mislilaca koja se u pismima spominju su Nietzsche, Schopenhauer, Descartes, Leibniz, Husserl, Hegel, Spengler, Platon, Sartre, Camus, Kant, Wittgenstein i Marx. No, nije nam ovdje do analize ovog romana koliko do upućivanja na nešto Unheimlich. To je, dakako, taj čudovišni, fatalni, demonski kišobran kojim posve „banalna“ sudbina jednog nevažnoga sudionika općeg beščaća industrije genocida ulazi u obzorje promatrača ili čitatelja kao eksces jedne cinično-destruktivne lakrdije. Izvršenje zločina dramatskim i dramskim sredstvima velike predstave za „narod“ nalik srednjovjekovnim i baroknim izvršenjima javnoga smaknuća vješanjem poprima ovim svetim-svjetovnim readymadeom u rukama Adama Tripkovića slučaj metafizičke lakrdije. Umjesto ganuća i samilosti klasične estetske figure katarze publike koju je patentirao Aristotel u Poetici tragedija sada ne postaje komedijom, bila ona i crna, već se promeće u zastrašujući čin lakrdije. Publika urla od smijeha i redatelji ove predstave-kao-zla u svojoj čistoj formi negativiteta svijeta dobivaju učinak ideologijskoga „viška vrijednosti“. Riječ je o smijehu, štoviše čudovišnome lakrdijanju kojim se žrtva ponižava i drugi put, onaj koji predstavlja tzv. simboličku smrt u Lacanovoj psihoanalizi. Razlika je samo u tome što je ova grozomorna predstava kraj svake metafizike smijeha ili kraj crne komedije. Iza nje zjapi apsolutna praznina ZLA koja sam život preobražava u ravnodušni užas promatrača. Ovo se, dakle, samo ponavlja drugim sredstvima u suvremenosti samoga života i zato smo spram živih slika zločina u svim zamislivim scenama i oblicima medijske stvarnosti ravnodušni kao spram ionako nepostojećega lanjskog snijega. Kišobran može biti nadomješten ako se hoće i suncobranima iz pakla, nije to uopće važno. Ono što je ovdje jedino bitno jest inscenacija događaja zločina u kontekstu banalnosti samoga života. Nečuveno i uzvišeno postaje čudovišno u najvećem stupnju realizacije tek onda kad je inscenirano u prostoru dosadne svakodnevice i njezina ritualnoga ponavljanja u simulakrumu zla. 3. Najbolji filmovi braće Coen čitavu zavrzlamu oko zločina u prostoru-vremenu mesijansko-gangsterske teodiceje povijesti smještaju u američke gradove i naselja okovane snijegom i ledom Minnesote ili zapletene močvarnim vlatima južnih konfederalističkih država Amerike u kojima uvijek cvatu divlje ruže rasizma i ustajali mirisi religiozna fundamentalizma ne prestaju nikad sa svojim učincima na suvremenost. Njihovi su apsolutni zločinci najvjerodostojniji onda kada su traljavi, bizarni do ironije, ako pritom beskonačno i bezrazložno šute, puše i loču dok im ne pukne traka u svojem filmu i dok ne otpočnu svoj mahniti ples mrtvaca uz cvilež žica nenaštimanog benđa i atonalne zvukove motorne pile. Neobaroknu citatnost svih zločina u njihovim filmovima i TV-serijama valja shvatiti kao vizualnu pozu koja zavodi i posljednjeg samuraja iz kardinalno negledljivih japanskih posveta ceremoniji čaja i brigadi ubojica s katanama za pojasom fensi-kimona. Uf, izmorila me je zadnja rečenica potpuno i sad je vrijeme za konačnu sentenciju. Evo je. Crna kronika je imperativ svijeta kao jezika i slike zla, a sve drugo je eksces i skandal dobra, pa čak i kad nam se čini da je život samo slučaj traljave i banalne bijele eshatologije stvaranja kao razaranja.

October 28, 2024
 O postkonceptualnome stanju: Umjetnost i tehnosfera

 O postkonceptualnome stanju: Umjetnost i tehnosfera

„Suvremena umjetnost jest postkonceptualna umjetnost“ – osnovna je postavka filozofa i teoretičara umjetnosti Petera Osbornea u nizu njegovih radova posljednjih godina. Iskaz je to koji je u najmanju ruku apodiktičan, gotovo bez suzdržanosti o stvari samoj koja se ovdje čak više ne smatra upitnom. Radi se, dakako, o suvremenoj umjetnosti (contemporary art) o kojoj postoji uistinu mnoštvo različitih filozofijskih pristupa i značajnih dostignuća. No, unatoč svemu tome, kao da se iznova vraćamo na ishodišta. Neporecivo je da su odlučujuća imena suvremene umjetnosti Maljevič i Duchamp, kao što je još više suglasnosti o tome da su najznačajniji misaoni putovi suvremene filozofije u spisima Heideggera i Wittgensteina. A ono što je isto tako jasno bez obzira na sporenja jest da je posljednja velika teorija estetike u znaku promišljanja umjetnosti moderne i avangarde koju je izveo Theodor W. Adorno u Estetskoj teoriji. Ako se, naime, tvrdi da je suvremena umjetnost „post-konceptualna“, to više nije nipošto ona Kosuthova slavna tautologija. Posrijedi je (samo)uvjerenost da sada očigledno znamo o čemu mislimo kada govorimo o dvoje: (a) suvremenosti i (b) umjetnosti. Sve bi bilo lako kada bi u filozofiji, pa čak i u znanostima, vrijedila neka vrsta periodizacije i diobe koja ima više veze s evolucionizmom negoli s istinskim razumijevanjem povijesnoga vremena. No, dobro znamo da je razdvojenost filozofije na tzv. modernu i suvremenu u najmanju ruku krajnje sumnjiv postupak historičara „discipline“. Moderne i suvremene znanosti? Što bi to značilo u slučaju Alberta Einsteina, Nielsa Bohra i Maxa Webera? Zar nije samorazumljivo da su njihova dostignuća u znanosti toliko suvremena, premda je u slučaju Webera kao sociologa jasno da se društvo može uvjetno razlikovati tako da ga se razdvoji na moderno i suvremeno. U filozofiji kao što je pokazao Heidegger postoje povijesno-epohalni likovi od antike, novoga vijeka i onoga što se naziva „suvremenim“. Ali to što se naziva tako nije ontologijski uopće niti jasno, a niti se može uspostaviti samoutemeljujućim načelom izvođenja bitka iz izvorne vremenosti događaja da bismo mogli biti sigurni o kojem to vremenu govorimo kada čitamo Kanta ili gledamo novu dramsku izvedbu Antigone. Ukratko, ono što vrijedi, ali ne i neupitno, za povijest umjetnosti kada se služi pojmovima poput modernosti, „novoga“ i suvremenosti nije istoznačno i za filozofiju te prirodne i društveno-humanističke znanosti. Jer suvremena umjetnost ne može biti vjerodostojnom bez polaganja računa o „biti“ vlastite neutemeljenosti. Problem je u tome što se isto događa i s pojmovima modernizma, modernosti, moderniteta i njihovih post-izama koji otpočinju biti optjecajni u drugoj polovini 20. stoljeća. Najbolji primjeri za to su ovi prefiksi u teoriji poststrukturalizma i postmodernizma. 1960-te godine su presudne za oboje što ima u vidu Peter Osborne: i za suvremenu umjetnost i za postkonceptualizam. Bez filozofijskoga objašnjenja ili „tumačenja“ stanja o kojem se ovdje radi nije moguće krenuti dalje u avanturu prikazivanja i opisivanja onoga što eventualno razlikuje konceptualnu od postkonceptualne umjetnosti. U tom pogledu čini se da Osborne ima pravo kada u obratu tvrdi da je „bit“ suvremene umjetnosti u postajanju i promjeni, stalnome „napretku“ i „razvitku“, iako je sporno što ti pojmovi uopće danas znače, riječju u nemogućnosti zaustavljanja-u-vremenu. A to onda pretpostavlja zamjenu mjesta u logičko-analitičkome sudu. Samo se zbog toga može kazati da „postkonceptualna umjetnost jest suvremena umjetnost“. (Peter Osborne, „Contemporary Art is Post-conceptual Art“, Public Lecture, Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota, Como, 9. srpnja 2010., str. 1-2.) A ovo opet, hegelovski mišljeno, govori o „praznoj formi“ ne samo mišljenja, već i realiteta na koji se odnosi. Osborne to, doduše, neće reći. Takav bi sud bio neprimjeren za zagovornike estetske (kritičke) teorije na tragovima Adorna u novome sklopu odnosa. Ovo je ipak samo moja postavka. Nije prazno mišljenje „o“ nečemu kao nečemu, nego i to nešto kao nešto jest posve ispražnjeno od bilo kakvoga značenja. Razlog leži u tome što je konceptualna umjetnost antiestetika na djelu u samome poricanju mogućnosti djela. Ideja konceptualne umjetnosti nije samo protiv temelja estetike, već i protiv metafizičkoga shvaćanja umjetnosti uopće. Zadržimo se još trenutak na postavci koju nastojimo dokazati. Suvremena umjetnost uistinu jest i-i: i avangarda i neoavangarda (Duchamp i Warhol, Duchamp i LeWitt-Kosuth i dalje), i konstruktivizam i postkonstruktivizam. No, ona prije svega počiva na destrukciji ideje povijesti. Vrijeme koje pritom stoji u temelju ove ideje jest pokušaj da se „napretku“ i“razvitku“ otkaže bezuvjetno povjerenje. Budući da je destrukcija tradicionalne ontologije za Heideggera bila pitanje o smislu bitka iz iskonske vremenosti kao događaja, a za Wittgensteina je taj krug išao od kritike transcendentalne logike preko analitike do „gramatičkoga obrata“ na putu k „jezičnim igrama“, onda je po analogiji suvremena umjetnost destruiranje sadržaja povijesti umjetnosti i ujedno forme njezina prikazivanja-predstavljanja. Nitko i nikad nije imao tako negativan stav o estetici kao Heidegger. Za razliku od svih mislioca „suvremenosti“ pojam je estetike izveo iz njezina podrijetla iz postava (Gestell) kao biti tehnike. Estetika nije, dakle, pitanje o komunikaciji i participaciji umjetnosti u zajednici. Ona je pitanje o gubitku autonomnosti umjetničkoga djela zbog njegove tehničke uspostavljenosti kao umjetne tvorevine. U promatrača stoga izaziva „osjećaj“, „doživljaj“ i „privid“. Rezultat je da se istinsko umjetničko djelo u suvremenosti nužno nalazi između dviju pogubnih opasnosti – estetskoga kiča i političke propagande. Nerijetko je riječ samo o jednome u suvremeno doba vladavine neoliberalnoga globalnoga kapitalizma. Estetika postaje, naime, politički kič društva spektakla, a politika estetskom propagandom u „racionalnome izboru“ marketinga „stvari i usluga“. Kada to imamo u vidu, tada je postavka da su aporije konceptualne umjetnosti uvjet mogućnosti samorazvitka suvremene umjetnosti ništa drugo negoli kritika onoga što Osborne i neki drugi teoretičari nazivaju „postkonceptualnim stanjem“. (Peter Osborne, „The postconceptual Condition: Or, the cultural logic of high capitalism today“ i Alexander Alberro i Sabeth Buchmann (ur.), Art After Conceptual Art, The MIT Press, Cambridge Massachusetts, London, 2006.) Aporije se odnose na pojam suvremenosti, djela, jezika i slike. A ono što ih međusobno povezuje u jedinstven sklop nemogućnosti utemeljenja, a onda posljedično, nepodesnosti bilo kakve stroge periodizacije „suvremene umjetnosti“ jest u nemogućnosti početka iz „horizonta događaja“. Dakako, iz toga slijedi i nemogućnost „kraja“ kao dovršene priče ili zaokružene cjeline nečega što samo po sebi počiva na ideji destrukcije povijesti kao linearnoga vremena „razvitka“ i „napretka“. Kada počinje duh permanentne promjene i kada završava inovativno doba eksperimenta ostaje zagonetkom za površne komentare historičara tendencija u vizualnim umjetnostima. Oni ne vide ono što Paul Virilio već u naslovu jedne svoje provokativne knjige naziva „estetikom iščeznuća“. Sve što se još ovdje može činiti suvislim u napasti dobrog periodiziranja jest poslušati savjete pragmatičnih stručnjaka za „propast“. Ono što otpočinje u znaku gubitka povijesnoga vremena osuđeno je na stalno ponavljanje (repetition). Zato nije začudno da riječ re u teorijskome promišljanju današnjih trendova umjetnosti koja traži utočište u politici i estetici postaje dosadom repolitiziranja diskursa „otpora“ i „subverzije“ ili, pak, dosadom reestetiziranja svakodnevice s pomoću kategorijalnoga aparata uskrslih estetika raznih profila od pojavljivanja, atmosfere, instalacija, performativnosti itd. Što je, dakle, „postkonceptualno stanje“ umjetnosti danas? Tautologijski bi odgovor glasio: to je suvremena umjetnost bez „biti“. Ona se neprestano hrani aktualiziranjem prošlosti naprosto zato što više nema mogućnosti odnosa spram iskonskoga vremena događaja. Umjesto toga, konstruira „vječnu sadašnjost“ tako što se služi s tri podjednako (ne)vjerodostojne riječi/pojma. A to su post, neo i re. Poslije, novo i ponavljanje zaokružuju vrijeme suvremene umjetnosti kao krug bez središta. U praznome prostoru mahnitoga kruženja znakova bez značenja jedina početna točka ipak se nalazi tamo gdje sve i okončava s njegovim post-neo-realizacijama u drugome kontekstu. Ta je točka kvazi-ishodište. Naziva se „estetski objekt“. Antiumjetnost s potpisom Marcela Duchampa otuda određuje sve buduće prijepore o izvorniku i kopiji, umjetnosti i dizajnu. Problem je „postkonceptualnoga stanja“ što je ono više od Duchampove destrukcije umjetnosti kao autorskoga djela i manje od njegove vizije nadolazećega u znaku drukčijeg i drugoga Boga od institucionalne inačice monoteističkih religija. Kao i Beuys, tako je i Duchamp znao da samo u razračunavanju s idejom početka i kraja svemira, s onto-teologijskim ustrojstvom metafizike, umjetnost možda može, ali ne mora, preživjeti smrt estetskoga i apsolutnu vladavinu planetarne tehnike u liku kibernetičke tehnosfere. Pitanje o nematerijalnosti i derealizaciji slike stoga se svodi na pitanje o ideji stvaranja (umjetničkoga) svijeta bez objekata. A to, naravno, pretpostavlja pitanje o Bogu i mogućnostima stvaralaštva u vremenu „čiste“ reproduktivnosti tehnike. No, to zacijelo nije odgovor koji bi mogao biti usklađen s kritičkom teorijom umjetnosti kakvu podastire Osborne. Pogledajmo kako i na koji način se u njegovim tekstovima problematizira ono što je predmet spora: suvremenost i umjetnost s jedne strane, te s druge, pak, postkonceptualizam kao „stanje“ (condition). Suvremenost „suvremene umjetnosti“ pretpostavlja za Osbornea sljedeće: (1) ideju, problem, fikciju i aktualnost; (2) konstrukciju/ekspresiju suvremene ili postkonceptualne umjetnosti; (3) fikcionalizaciju umjetničkoga autoriteta i (4) kolektivizaciju umjetničkih fikcija. Sve navedeno nastoji se pokazati u radu The Atlas Group (1999-2005) i njezinom videu We can make rain, but nobody came to ask. Rad skupine nužno zahtijeva interpretativni filozofijski okvir. A budući da bez filozofije nije moguće pristupiti konceptualizmu uopće, kao što je to bjelodano u analizi LeWittovih i Kosuthovih „postavki“, tada se okvir za razumijevanje ne odnosi više ne traganje za slijepim pjegama značenja „djela“. Umjesto toga, interpretacija postaje samim „okvirom razumijevanja“ onoga što nastaje iz „biti“ postkonceptualizma. Što je to drugo negoli začarani krug ideje problema suvremenosti te fikcije kao aktualnosti koja sada više ne pripada biti „umjetnika“ kao pohvale položaja individuuma. 1990-te su godine ulaska u doba visokoga kapitalizma (high capitalism). Određuje ga logika kibernetike i „racionalni izbor“. To su ključne riječi neoliberalne aksiomatike korporativnoga poduzetništva. Paradoks je u tome što je zahtjev za dokidanjem države i društva u ime svetog prava pojedinca na slobodu izveden kao kraj individualizma i dolazak razdoblja totalne „dividuizacije“. Rascijepljenost se subjekta pokazuje u svim područjima života. Što je bilo nesvodljivo i nedjeljivo u ideji subjekta, sada je svodljivo i djeljivo u beskonačnost. Gilles Deleuze u znamenitome ogledu „Bilješka uz društva kontrole“ („Postscriptum sur sociétiés of contrôl“) izveo je radikalne posljedice ove „društvene revolucije“. Temeljni obrat jest u prijelazu iz društva discipline u društva kontrole. Umjesto „žive neposrednosti“ upravljanja proizvodnjom sada vlada posthumana kontrola. Uvođenjem informacijskoga kôda svi društveni odnosi postaju tehnički regulirani. Kakve su socijalne, kulturne i psihološke posljedice ove transformacije odnosa u „visokome kapitalizmu“ može se uočiti na prvi pogled samo ako se sjetimo što znači ideja korporacije i mreže u Kafkinome romanu Proces ili u filmu Fritza Langa Metropolis. Nije to više „dehumanizacija umjetnosti“ o kojoj je govorio 1925. godine José Ortega y Gasset, nego posthumanizacija svijeta kao mreže događaja čija bit leži u imploziji informacija. Prevedeno na svakodnevni jezik, riječ je o gubitku sjećanja. Pad u „crne rupe“ zaborava zbog potrebe za stalnom aktualizacijom stanja u promjeni dovodi do paranoične potrebe za arhiviranjem prošlosti. Uostalom, jedna od široko prihvaćenih postavki o biti suvremene umjetnosti jest i ona Borisa Groysa. On tvrdi da su glavni problemi umjesto prosudbe o kvaliteti djela postali problemi dokumentacije događaja nastanka samoga djela i njegove diseminacije u zajednici interaktivnih sudionika ili korisnika informacija. (Boris Groys, „Art in the Age of Biopolitics: From Artwork to Art Documentation“, u: Art Power, The MIT Press, Cambridge Massachusetts, London, 2008., str. 53-65.) Ideja umjetnosti u „postkonceptualnome stanju“ postaje stoga ideja kapitala kao „biti“ pokretačkoga procesa u digitalno doba. Ako je tome tako, onda je začudno što se Osborne ne bavi performativno-konceptualnim obratom od jezika k tijelu kao slici bez svijeta u onome što je o umjetnosti mislio i kazivao Joseph Beuys. Sve ima svoje razloge. Ali, čak i ako su razlozi tako čvrsto poredani u logičku rešetku mišljenja s izborom ključnih subjekata/aktera konceptualizma/postkonceptualizma, uvijek postoje rubovi i pukotine između djela i događaja. U samoj jezgri ideje kao umjetnosti račvaju se čvorišta i rizomi. Ništa više ne može biti samo „racionalno“ i „iracionalno“. Postoji uvijek mogućnost onoga što je za srednjovjekovnu teologiju bila iznimka: da, naime, treće postoji (tertium datur). Ono što je u čitavoj priči o „postkonceptualnome stanju“ suvremene umjetnosti kako je vidi Osborne najzanimljivije, jest to da se bit vremenosti s kojim se kreće u problemsku analizu izvodi iz njezina pojavljivanja u stalnim preobrazbama. Na tragovima estetske teorije Adorna i Benjamina, a to znači Frankfurtske kritičke teorije društva, temeljna postavka glasi: „Suvremenost je utopijska ideja s negativnim i pozitivnim aspektima“. (Peter Osborne, isto, str. 4.) Savez spekulativne tradicije romantike i ujedno kritika modernističkoga kulta autonomije umjetničkoga djela ne vodi izravno do toga da se postkonceptualizam svodi na društvenu participaciju, angažman umjetnika u zajednici i na repolitizaciju sadržaja umjetnosti. Tako je to pokušao izvesti Pierre Bourdieu, neomarksistički sociolog kulture. Borba protiv institucija umjetnosti ima pritom karakter kulturalne borbe (Kulturkampf) protiv sablasti samoga kapitala i njegove „lukavosti uma“. Utoliko više što se uspjeh u razvitku suvremenih društava i neoliberalnoga kapitalizma simbolički posvjedočuje vizualnom kulturom spektakla. Arhitektura „high-tech“ kapitalizma i muzeji suvremene umjetnosti najbolji su primjer ovoga zrcala uspjeha. (Vidi o tome: Juliane Rebentisch, Theorien der Gegenwartkunst: zur Einführung, Junius Verlag, Berlin, 2013., str. 165-179.) Preostaje ipak nešto od socijalno-političke konstrukcije što izmiče kontroli teorije kao posljednje instancije borbe protiv „estetizacije života“. A to može biti samo ono što se fukoovski naziva heterokronijom u suvremenosti. Pojam se odnosi na preklapanje različitih vremena s njihovim posebnim kulturnim kodovima. Ipak je suvremena umjetnost toliko protočna i prohodna u svojoj krhkosti kvazi-utemeljenja da podnosi i šok životinjsko-ljudske tjelesnosti i provokaciju drugosti rodno/spolno/rasnih manjina i eksperiment s neljudskim u stanju kibernetičke singularnosti. Mnogo je toga doista u igri. A još više u suspenziji i neutraliziranju samih pravila igre. Kakvi su to pojmovi analitike vremenosti s kojima se u globalnome poretku bavi suvremena umjetnost? Je li ona zapravo izgubila svoju mogućnost da bude utopijskom idejom već time što je preuzela u svoje okrilje „praznu homogenost“ vremena globalizacije? (Vidi o tome: Fredric Jameson, Archeologies of the Future: The Desire Called Utopia and Other Science Fictions, Verso, London-New York, 2005.) Osborne nastoji odrediti pojam „suvremenosti“ (contemporaneity) polazeći od identiteta i razlike u odnosu na pojam globalizacije. To je povijesno vrijeme u razlici spram globalizirane ekonomije mreža i translokalnosti „homogenoga vremena“ u kojem funkcionira kapitalizam. Za tako nešto nužno je upućivanje na studije Heideggera i Benjamina o biti umjetnosti i djela kao aure. Razlog leži u tome što se bitna razlika u odnosu spram konceptualne umjetnosti svodi na to da vrijeme koje proizvodi globalizacija izravno potječe od prostornoga širenja (kapitala). Iz ovoga slijedi glavna aporija suvremene umjetnosti. Suvremenost se izvodi, prema tome, iz vremenitosti globalizacije kao „razlikovne vremenitosti novoga“. Aporija suvremenosti utoliko jest u tome što se njezina „prazna homogenost“ pojavljuje u nužnosti globalne suvremenosti, a to je krajnja suprotnost onome što su Heidegger i Benjamin još mislili da preostaje vremenu nadolazećega kao „tajne“. U cjelini, struktura ove suvremenosti na kojoj inzistira Osborne jest zapravo „prazna vremenitost“ istosti s malim kulturnim razlikama. Što vrijedi za Europu istim se načinom rasprostire do Kine i Indije. Sve to ima bitne posljedice i za položaj postkonceptualne umjetnosti. A ona se, naime, zbiva u medijskoj proizvodnji događaja i kritičkoj participaciji unutar sklopa high-tech kapitalizma. „Postkonceptualno stanje“ suvremene umjetnosti je dvostruko kodiranje: (a) umjetničke se prakse međusobno približavaju zahvaljujući novim komunikacijskim tehnologijama; (b) genealogijska konstrukcija umjetnosti svodi se na „retrospektivnu i refleksivnu totalizaciju“ (Adorno) iz koje slijedi glavna tradicija filozofijskoga promišljanja umjetnosti još od Hegela i romantike. A Osborne je naziva spekulativnom. Što se iz toga može zaključiti? Ništa drugo negoli da se „spekulativno“ shvaćanje umjetnosti kao ideje totalnoga djela koje sintetizira kognitivne i osjetilne odnosno opažajne kapacitete ljudskoga tijela priključuje ovome postkonceptualnome stanju „homogene i prazne vremenitosti“. (Peter Osborne, „The postconceptual condition: Or, the Logic of high capitalism today“, Radical Philosophy, br. 184/2014. (ožujak-travanj), str. 19-27) Glavna je postavka, naposljetku, ona koja upućuje na konvergenciju i međusobno uvjetovanje „povijesnih transformacija u ontologiji umjetničkoga djela i društvenim uvjetima prostora umjetnosti…koja suvremenu umjetnost čini mogućom“. (Peter Osborne, “Contemporary Art is Post-conceptual Art“, str. 10.) Zbog toga se u procesu razgraničenja pojavljuju transkategorijalne prakse. Ao one otvaraju konceptualni prostor za „generičku“ umjetnost iščeznućem dotadašnjega prostora nacionalno-državne suverenosti. U strogo adornovljevskome tonu, Osborne može zaključiti da je dijalektički sklop suvremene umjetnosti sastavljen od „estetskih, konceptualnih i distributivnih aspekata djela“. I to je ono što se može nazvati „postkonceptualnim stanjem“ suvremene umjetnosti. Šest je njegovih glavnih značajki: (1) nužna, ali nedostatna, konceptualnost; umjetnost se konstituira s pomoću svojih koncepata u odnosu spram ne-umjetnosti; (2) nužna, ali nedostatna, estetska dimenzija, što uključuje neku vrstu materijalizacije kao estetske prostorno-vremenske pojave; (3) antiestetska uporaba estetskih materijala; (4) proširenje beskonačnosti na moguća materijalna značenja umjetnosti (transkategorijalnost); to je značenje „postmedijalnosti“; (5) radikalno distributivno, nesvodljivo relacionalno jedinstvo pojedinačnoga umjetničkoga djela kroz totalnost njegovih materijalnih postignuća (ontologija materijalizacije); (6) povijesno nasilno preoblikovanje granica ovoga jedinstva. Kako god bilo, vidljivo je da se radi o materijalizaciji i transkategorijalnosti. A to znači da je promjena u tome što sam medij postaje umjetničkim događajem-bez-djela. Odjednom se estetsko, pa ma koliko bilo nedostatno, iznova vraća u igru u vidu antiestetike. Sve je ovo, uostalom, bilo jasno i mnogim teoretičarima medija, osobito Baudrillardu kad je govorio o „ekstazi komunikacije“ na posve drukčiji način negoli to čine danas pravovjerni neomarksistički teoretičari aktivizma i participacije u suvremenoj umjetnosti. Jednom za svagda: umjetnost u „postkonceptualnome stanju“ nje drugo negoli realizirana kibernetička potencijalnost interaktivne komunikacije. A uvjet njezine mogućnosti ne predstavlja formalna „ideja“, već tehnički uvjetovani prostor-vrijeme povezivanja lokalnoga i globalnoga. Bez tehnosfere suvremena bi umjetnost ostala „praznom pričom“ utopije komunikacije, kakva se svesrdno prakticirala 1960-ih godina. No, tada je ta riječ imala više od zanosa prvih kršćana u katakombama pri pomisli da će u onostranosti dijeliti blaženstvo s Kristom. Riječi postaju tričarijama kada se istroši utopijski horizont vremena. Bez njega, pak, ovo vrijeme „sada“ i ovaj prostor „ovdje“ gube svoje značenje pripreme puta za nadolazeće. Postkonceptualna je umjetnost rezultat medijskoga sklopa globalnoga poretka moći umreženoga svijeta. Njezina se značenja mogu dekodirati samo medijalno budući da su mediji u doba tehnosfere postali više od posrednika informacija. Kao događaj interakcije svijeta i života mediji nisu više konstrukcija same „stvari“ koja leži onkraj materijalnosti aparata. Medijalnost se događaja odvija kao samosvrhovitost procesa utopijske čežnje čovjeka da se dematerijalizira iz osjetilnosti u ideju. Krug je time zatvoren. Što još tu može i treba li suvremenoj umjetnosti neprestano dokazivanje „revolucionarnosti“, „libertinizma“, „subverzivnosti“, „kritičke participativnosti“, „solidarnosti-u-zajednici“ i sve ine značajke repolitizacije ako je već pitanje Boga u ranoj avangardi bilo riješeno traganjem za antropozofskim, teozofskim i mističnim dimenzijama „tertiuma organuma“ u Duchampa i Maljeviča te kasnije u Beuysa? Na to pitanje odgovor može biti sljedeći. Destrukcija povijesti uvijek završava u novome muzeju. Ovdje nema nikakve potrebe za naknadnim cinizmom onih koji dolaze u znacima zakašnjelosti. Naprosto je to tako i tako. Pobuna protiv i očuvanje poretka, promjena i postojanost upisani su u „bit“ suvremenosti. Utoliko borbu protiv kraja umjetnosti u doba pseudo-sinteze „kulturnih potreba“ za ekscesom i eksperimentom valja shvatiti samo drugom stranom njezine nužne estetizacije. Iza svega, međutim, ne stoji više ništa osim tehnosfere i njezinih platformi od struna. Bilo bi lakomisleno podcijeniti ulogu konceptualnosti u tom procesu preobrazbi i transformacija stanja. No, čini se da je za izlazak iz aporija suvremene umjetnosti prva pretpostavka destrukcija onoga što je uistinu „nemoguće poslanstvo“ umjetnosti u suočenju s biti tehnike danas. Riječ je o napuštanju uporabe svakog budućega prefiksa i sufiksa post, neo i re. Što dolazi nakon onoga što je već bitno u znacima obnavljanja i ponavljanja ne može više biti „isto“ a niti „različito“ kao u Deleuzeovoj ontologiji postajanja (devenir). Ono što dolazi iz nadolazećega u doba medijske konstrukcije realnosti jest izostanak bilo kakvoga događaja osim napretka u obnavljanju-ponavljanju destrukcije mišljenja i jezika. Nije stvar u boljoj i „novijoj“ umjetnosti u odnosu na staru. Tako je to još mislio Kazimir Maljevič u Manifestu suprematizma. Problem leži u tome što se „bit“ tehnosfere može otvoriti samo kroz obnavljanje-ponavljanje promjene. Ona se stabilizira kao entropija i kaos u novoj promjeni sve do konačnoga iščeznuća. Priča o „postkonceptualnome stanju“ u tom je smislu nesumnjivo važnom za pokušaj da se osvijetli ono što suvremena umjetnost „danas“ spektakularno pokazuje u trojstvu izvedbe-postava-ideje. Tijelo se postavlja u prostoru javnoga prikazivanja-predstavljanja kao estetski objekt. I upravo u tome valja vidjeti granicu svake buduće rasprave o odnosu tijela-objekta-života. Zašto? Ponajprije stoga što tijelo gubi svoju izvornu svezu sa životom postajući kiborgiziranim stvorom/stvari. U poretku objekata njegovo je mjesto da služi i funkcionira. Ništa drugo ne čini se više važnim za odvijanje procesa transformacije informacije u energiju. Ako je Duchamp htio samo obeshrabriti „estetsko nebo“ tako da mu je bacio rukavicu u lice, danas je to još samo lijepim prividom. Jer nema drugoga lica od tehnogeneze i estetizacije života. Iza toga postoji još samo biopolitika i poziv za posljednjom obranom dostojanstva života. Suvremena je umjetnost mnogo više od težnje za (de)materijalizacijom i (de)realizacijom ideje onkraj suprotnosti djela i događaja. To je eksperiment sa životom uopće. Kako to valja razumjeti? Život se od Nietzschea shvaća estetskim načinom bitka čovjeka. Umjetnost kao „volja za moć“ predstavlja najviši doseg spoznaje i ujedno mogućnosti da se od singularnosti egzistencije preoblikuje ovaj život „ovdje“ i „sada“ u ples nad žicama ponora. Već otuda postaje jasno zašto umjetnost filozofiji otvara novi „horizont događaja“. Bez estetske konstrukcije život bi bio sveden na golo iživljavanje snage u krajolicima tehničke pustoši. Što preostaje od tog „života“ ne pronose danas više umjetnici, da parafraziramo Hölderlina. Umjesto njih sve je samo tehnogenetska konstrukcija „umjetnoga života“ (A-life). Preostaje još samo povećanje memorije. Povijesti više nema kao što nema ni umjetnosti-kao-ideje. U ubrzanome ritmu svagda novih transformacija života sve što jest može još biti tek privremeno „stanje stvari“. A ono “čudovište koje nazivamo ljepotom“, kako je to mislio Apollinaire, možda uistinu nije vječno. No, bez njega život više nema smisla. Jedino što je još važno zahtijeva borbu protiv ravnodušnosti prema ljepoti. Drugo su tek bučne i prolazne „novotarije“, carstvo banalnosti i poklonstvo praznini. Misliti u znaku iskonske destrukcije stvari znači svijet iznova učiniti otvorenim i za mogućnost pada u „crne rupe“ događaja bez svojega horizonta. Čini se da je to gotovo nemoguće poslanstvo za povijesno zbivanje umjetnosti. No, nije li filozofija više od bilo kakve zbilje i nužnosti ona koja pretpostavlja mogućnost da stvari budu postavljene drukčije, da im se očuva „bit“ od početka njihova nastanka do kraja njihove opstojnosti? Nije li, naposljetku, umjetnost u svojoj blizini s filozofijom samo drugi i drukčiji put u isto? Sve je u jeziku. Osim jezika samoga. Sve je u mišljenju. Osim onoga što omogućuje mišljenje kao radost i užitak da svijet „jest“ i da taj i takav svijet u tisuću svojih preobrazi jest uvijek i samo ono isto, što je Nietzsche mitopoetski znamenovao vječitim prstenom bivanja. Što preostaje filozofiji ako umjetnost postaje konceptom? Jesmo li uistinu dospjeli do toga da uvidimo kako nakon toga oboje, mišljenje i proizvođenje (logos i poiesis) gube svoju „bit“ u sudaru s povijesno moćnom negacijom bitka koja preuzima u svoju nadležnost događanje samoga događaja kao konstrukcije svjetova. Koncept je informacija, a informacija od logosa i poiesisa završava u ništavilu beskonačne vrtnje tehnosfere. Téchne je posljednja riječ filozofije i umjetnosti u ravnodušnome razdoblju bez povijesti. Téchne kao tertium datur s onu stranu jezika i slike. Literatura Boris Groys, „Art in the Age of Biopolitics: From Artwork to Art Documentation“,u: Art Power, The MIT Press, Cambridge Massachusetts, London, 2008., str. 53-65. Fredric Jameson, Archeologies of the Future: The Desire Called Utopia and Other Science Fictions, Verso, London-New York, 2005. Peter Osborne, „The postconceptual Condition: Or, the cultural logic of high capitalism today“ i Alexander Alberro i Sabeth Buchmann (ur.), Art After Conceptual Art, The MIT Press, Cambridge Massachusetts, London, 2006. Peter Osborne, „Contemporary Art is Post-conceptual Art“, Public Lecture, Fondazione Antonio Ratti, Villa Sucota, Como, 9. srpnja 2010. Peter Osborne, „The postconceptual condition: Or, the Logic of high capitalism today“, Radical Philosophy, br. 184/2014. (ožujak-travanj), str. 19-27 Juliane Rebentisch, Theorien der Gegenwartkunst: zur Einführung, Junius Verlag, Berlin, 2013. (Tekst iz knjige: Tehnosfera, sv. III: Estetika i suvremena umjetnost, Sandorf i Mizantrop, Zagreb, 2019.)

October 27, 2024
Ananke ili o prapočelu svega što jest

Ananke ili o prapočelu svega što jest

Najznačajnije filozofijsko djelo u povijesti istodobno je sveza logosa i mythosa, mudrosti i pripovijesti na rubu izmišljanja u slikovnome jeziku. Naime, Platonova Politeia u X. knjizi bavi se s onim mitom o Ananke, najizvornijoj boginji prapočela svega što jest (bitka uopće). U grčkoj mitologiji Ananke je kćer božice Zemlje Geje, koja ju je rodila u tami svemira. Geja je rodila i boga Krona, Vrijeme u kojeg se Ananke zaljubila. Ananke i Kron, iako sestra i brat, vjenčali su se i razdvojili kozmičko jaje iz kojeg su izašla tri elementa – Zemlja, Nebo i More. Kron i Ananke su se udaljili od ostalih bogova i postali upravljači vremena i drugih apstraktnih pojmova. Ananke je otuda zadužena za pokretanje neba. Ujedno je bila i Zeusova ljubavnica, te mu je rodila Mojre (Suđenice) i Adrasteju. Simboličko značenje Ananke povezuje se s pojmovljem kozmologijskoga determinizma: nužnost ili neizbježnost iskonske snage ili moći koja svijet drži u harmoniji i dovodi ga do kaosa i entropije. Vrijeme koje se stoga izvodi iz ove iskonske nužnosti odvija se u vječnoj vrtnji i stalnome kružnom kretanju onoga Istoga (bitak) nadređenoga mnoštvu (bića). Nužnost u izvornome smislu ne možemo misliti drukčije negoli „esencijalistički“, jer pitanje o prvotnome ili začetnome što sve drugo određuje proizlazi iz onoga što nema svoj temelj izvan sebe samoga u posvemašnjoj bezrazložnosti. Riječ “anankē” izvorno se odnosila na izvanjsku ograničavajuću silu, a iz tog je značenja dobila apstraktnije značenje logičke i fizičke nužnosti tijekom predsokratskoga razdoblja. Često se predstavlja kao vrhunska moć kojoj se čak i bogovi moraju povinovati. U Parmenidovoj Alethei, personificirana Anankē jamči da je Bitak nepromjenjiv i nepokretan, i “drži [Bitak] u granicama” (Diels i Kranz 1954, B8.30), dok u Doksi ona drži zvjezdano nebo okovanim. (B11.6). U Empedoklovim spisima, Anankēovo proročište određuje kaznu za one koji počine najveći grijeh krvoprolića (B115.1) Iz svega rečenoga, razvidno je da se ova pra-boginja pojavljuje u grčkoj mitologiji kao sinonim za nemogućnost preokreta sudbine. Uostalom, ono tragično u Grka koje ljudi prihvaćaju kao sudbinu pokoravajući joj se na način koji Nietzsche određuje kao amor fati moguće je jedino pod uvjetom ove kraljevske nužnosti. Drugi pojam koji nastaje iz arhajske nužnosti osobito je bio ključan za Wittgensteina u doba njegova Tractatusa logico-philosophicusa. Riječ je o fakticitetu. U njemu je mislilac logike i matematike kao uvjeta mogućnosti zbiljskoga svijeta vidio pravu mistiku svijeta, a ne u fantastici i opsjenarstvu. Prema neoplatonistima, svijet je oblikovan gotovo savršeno. Kako kaže Proklo u svojem komentaru uz Platonov glasoviti kozmologijski spis Timej, to je “cjelina cjelinâ”, kojoj ništa ne nedostaje. Naravno, fizički svijet je savršen samo prema nekom standardu nižem od onog inteligibilnog svijeta. Ipak, i u sferi osjetilnosti postiže se savršenost koja mu je primjerena. S druge, pak, strane, određene stvari unutar fizičkoga svijeta često su daleko od savršenih. Neoplatonisti su, čini se, imali uistinu navlastito intimno iskustvo ove činjenice: Plotin je imao užasno slab vid, Porfirije je bio podložan napadajima samoubilačke melankolije, a očito je Proklova kuća izgorjela. Fizičke stvari uzrokuju isključivo inteligibilne stvari, koje su savršene, a ipak individualne fizičke stvari ne uspijevaju biti ispunjene ovim višim savršenstvom. Platon stoga podaruje sljedeće objašnjenje ovog stanja stvari u svojem Timeju: “Ovaj uređeni svijet je mješovitog porijekla: on je potomak sveze nužnosti i uma. Um je prevladao (ἄρχοντος) nad nužnošću tako što ju je uvjerio (πείθειν) da usmjeri većinu stvari koje nastaju prema onome što je najbolje (τῶν γιγνοµένων τὰ πλεῖστα ἐπὶ τὸ βέλτιστον ἄ γειν), i rezultat ove podređenosti nužnosti mudrome uvjeravanju (ὑπὸ πειθοῦς ἔµφρονος) bila je početni sklop ovog svemira.” (Timej, 48a1-5) Ananke također obuhvaća komplementarne i međusobno isprepletene sile u grčkome mitu zvane Eros (Ljubav), „slaganje i jedinstvo između dvaju elemenata jednako različitih poput ženskoga i muškoga“, i Eris (Svađa), ‘sukob i nesloga u srcu onoga što je bilo ujedinjeno“ (Jean-Pierre Vernant, The Universe, the Gods, and Mortals: Ancient Greek Myths, Profile Books, London, 2002., str. 13). U Erisu jedinstvo i sklad teži višestrukosti; u Erosu mnogostrukost teži jedinstvu. Oboje su na to “ograničeni” inherentnim odnosom suprotnosti koji je također vidljiv u grčkoj filozofiji u nizu dihotomija Bog/Čovjek, Jedan/Mnogo, Um/Tijelo, Zastoj/Promjena i tako dalje. Koncept pretpostavlja da postoji sukob suprotnosti u srcu svih stvari, ali da su te suprotnosti zauvijek povezane. Vrlo rano pojavljivanje svemira uključivalo je „odvajanje“ tog unutarnjeg sukoba u neovisne, ali međusobno ovisne sile pod utjecajem „Staroga Erosa“, koji se također naziva Phanes (bog koji čini da se stvari pojavljuju) ili Protogenos. Prvo je postojao Kaos, neizdiferencirana i „neprobojna tama u kojoj su sve granice pobrkane“ (Jean-Pierre Vernant, isto, str. 4), a unutar Kaosa pojavila se Geja (Zemlja). Načelo (ženskoga, Geja je stvorila svoju suprotnost, muški načelo ꟷ Uran. Tako su u Geji izvedena njena dva okomita pola vezana za zemlju, planina Olimp i Tartar. Kasnija očitovanja Ananke, Eros i Eris, posebne su sile/moći koje spajaju dva odvojena i suprotna entiteta ili bića kako bi oblikovale treće – a zatim ih ponovno u sebe sjedinila. Postoji i slična napetost između suprotnosti u Platonovoj metafizici u njegovoj uporabi Ananke. Za Platona, um ima sklonost spram tvari, odnosno želju za materijalizacijom u pojavnome svijetu. Unatoč činjenici da je „stvaranje“ u ovom smislu nalik izvornome grijehu u tome što materijalizacija Uma nužno uključuje „Pad’ iz izvornoga stanja savršenstva, ova sklonost spram tvarnoga svijeta označava nužnost koja djeluje na um i kojoj se on ne može oduprijeti. Nužno su, dakle, um i tijelo međusobno ograničeni. Um po svemu sudeći ne može misliti posve slobodno bez vezanosti za nužnost izvornoga fakticiteta nečega što nije u području bića, već bitka samoga, da to kažemo u dosluhu s ranim Heideggerovim postavkama o ontologijskoj razlici u doba njegova temeljnoga djela Bitak i vrijeme (Sein und Zeita). Istinsko porijeklo Uma, dakle, potječe iz ove vezanosti uz nužnost izvornoga nastajanja bitka kao takvoga. Pritom valja odlučno lučiti između nastajanja i proizvođenja stvari (poiesis) i stvaranja svijeta (genesis). Ta razlika grčkoga i kršćanskoga pojma za ono što označava pojam kojim se razgraničavaju vječnost i beskonačnost, istodobno je razlika između izvornoga i vulgarnoga pojma vremena. Izvorno je vrijeme vječna vrtnja u krugu kozmičko-prirodnih sila/moći i stoga mogu postojati različite epohe vladavine koje um određuje prema načinu kazivanja smisla bitka (mit, religija, umjetnost, filozofija, znanost). Izvedeno vrijeme, ono koje otpočinje idejom stvaranja svijeta i nužno pretpostavlja ono što od sv. Augustina lučimo kao onostrano i ovostrano, kružno i pravocrtno vrijeme, jest djelo Boga koji jedino može stvarati, a čovjek samo oponašati njegovo veličajno djelo (creatio ex nihilo). U Platonovu Timeju (47e i dalje), lik „Sokrat“ objašnjava uvelike da iako je božanski um (Logos) glavni arhitekt svemira, Ananke je njegov „pogrešni uzrok“: ‘Jer ovaj svijet je nastao iz mješavine i spoja Ananke i logosa’ (47e; usp. 68e-69). Drugim riječima, zbog Ananke se filozof penje Diotiminim stubištem. A pojedinačna duša (psyche), ili um (nous) je ono što premošćuje vertikalni jaz između čovjeka i boga, ili fenomena i noumena, (govoreći kantovski) i koja omogućuje uspinjanje uz stepenice. U raznim odlomcima Timeja tijelo je eksplicitno opisano kao zatočeništvo duše (a to je pojam s vrlo dugim rokom trajanja u zapadnjačkoj metafizici). Idealan filozofski život jest otuda onaj u kojem se božanska iskra čuva što je više moguće tako da se duša penje uza stube i ostaje tamo, poput boga, bez potrebe da se ponovno reinkarnira u tjelesno stanje. Na taj način, duša može pobjeći iz okova Ananke u vremensko-prostornome zatočenju tijela (Fedon, 67c-d). Postavimo, naposljetku, ono pitanje koje nas suvremene, posve začarane tehnoznanstvenom vizualizacijom svemira i dosezima astrofizike i kozmologije, očigledno ne napušta čak i kad unaprijed „vjerujemo“ u ono što nam kazuje drugi pojam termodinamike, naime entropija, o nužnoj toplotnoj smrti Sunca za približno 5-6 milijardi godina i svih njegovih galaksija. Pitanje glasi: jesu li Grci, navlastito Platon u njegovu Timeju, već navijestili konačan kraj svijeta prije židovsko-kršćanske eshatologije i apokalipse? Kod mnogih starih Grka, uključujući filozofe Platona i Aristotela, svijet nije nikad nestao, već je cikličan u svojim najdubljim metafizičkim mogućnostima, a Platon je vjerovao da će se preživjeli uvijek obnoviti nakon katastrofe. Pojam katastrofe nije ništa drugo negoli nužnost prirodnih ciklusa koje valja misliti kao svezu Ananke i grčkih bogova proizvođenja/razaranja. Mnogi stoici vjerovali su u Ekpirozu, periodično uništenje kozmosa – svakih 36 000 godina, prema Platonu – prije nego što novi ciklus ponovno započne. Kad imamo to u vidu, postaje zacijelo razvidnije zašto je pozitivistički scijentifizam modernoga doba krajnje dogmatski pogrešno razmatranje uloge i zadaće mita i mitske svijesti, ne samo u Grka, već i u drugih velikih povijesnih naroda staroga svijeta. Ni najnovija dostignuća u teorijskoj fizici nisu „apsolutni događaj“ razotkrića neke tzv. objektivne vječne istine u koju nužno moramo „vjerovati“. Uvijek postoje dvojbe i odstupanja od vodeće paradigme u znanstvenoj teoriji. Kraj svijeta kao što vidimo nikad nije ništa jednoznačno, baš kao ni shvaćanje vremena. Ono što je „danas“ postalo obvezujuće u suvremenoj znanosti jest promišljanje sveze između nužnosti kao slučaja i slučaja kao nužnosti, koju ponajbolje karakterizira pojam kontingencije. Kao da u njoj osim preokrenutog pojma nužnosti ili predeterminiranosti događanja u svemiru postoji i mogućnost odstupanja ili varijacije, aberacije. Slučaj u sebi obuhvaća neku anti-mitsku i drukčiju Ananke koja sada možda ima više mogućnosti onoga što bi Gilles Deleuze nazvao „virtualnom aktualizacijom“. A to ne dolazi iz nje same, iz onog prapočela svega što jest, već iz biti tehnosfere kao ireverzibilne singularnosti čija nužnost potječe iz kontingencije, a ne iz božanske vječne vezanosti uz bezrazložnost samoga proizvođenja svijeta kao takvoga. Ideja spasa nije iščezla. Ona je razmještena i premještena u srce tehno-mito-auto-poiesisa koji nadilazi granice bića i pretpostavlja novu nužnost bitka polazeći od procesa kontingentnih metamorfoza „umjetnoga života“. Eto, ako je Platon u X. knjizi Politeiae kazivao o Ananke kao i u Timeju, nema razloga da suvremeno shvaćanje „kraja svijeta“ ne promislimo iz posve drukčijeg pojma nužnosti negoli što se to metafizički podaruje iz povijesti u kojem je mit bio više od svake moguće religije, umjetnosti, filozofije i znanosti. U Grka ni „kraj“ a ni „svijet“ nisu samorazumljivo određeni iz linearnosti vremena kao što smo to mi naslijedili od sv. Augustina i srednjovjekovne ontologije. Zato svaka apokaliptička „velika priča“ o „kraju svijeta“ ponajprije mora raščistiti razliku između pojmova „katastrofe“ i „apokalipse“, a tek onda kazivati o nečemu što nužno i neizbježno pripada ideji konačnosti epoha u povijesti vremena.

October 26, 2024
Iskustvo okrutnoga sna

Iskustvo okrutnoga sna

Sve počinje i završava s poezijom. Uostalom, poiesis na grčkome spaja ideju proizvođenja novoga ili pojavljivanje stvari u svijetu s govorenjem samoga jezika u formi svečane pjesme ili tužaljke o tom istom svijetu nastalom ljudskom željom za ljepotom i skladom. Nitko ne stvara novo, osim onog Cioranova „okrutnoga demijurga“, kao sklop ružnoga i nesuvisloga, iz mržnje spram svijeta. No, problem nastaje kad poezija u bitnome smislu više ne može pjevati o svijetu kao takvome jer je njegova svjetovnost (božansko-prirodno-ljudsko) iščezla u praznini svega što jest ili se naselila negdje izvan ovoga svijeta, u prostore tame i crnih rupa iz kojih ništa više ne može izaći van, na danju svjetlost. Kad poezija više ne opjevava „svoj“ svijet, a to zapravo ne čini još od Paula Celana i njegovih eksperimentalnih vježbi pronalaženja riječi koje odgovaraju fundamentalnome iskustvu nihilizma poput ništine, nigdine i ništavljenja, što joj još drugo preostaje negoli da u svojem konstruiranome prostoru-vremenu teksta ponavlja već opjevano i već viđeno, ali svagda „novo“, jezikom koji suvremenicima otvara „njuh“ i „sluh“ za ono što Michel Houellebecq u pjesmi „Priroda“, i to na njezinu kraju, naziva okrutnim snom. I doista, nije li samorazumljivo da se protiv sveopće nametnute eko-svijesti koja nalikuje više pseudo-religioznoj utjehi negoli obratu u biti rasprirodnjena korporacijskoga kapitalizma s njegovim novi mantrama o „zelenoj tranziciji“ čak i poezija individualnoga revolta ne razotkriva drukčije negoli svojevrsnom ljekovitom mizantropijom? Očito je da ona uključuje i negiranje stvaralačkih moći prirode koju od romantizma do danas forsiraju uvijek oni koji osvajaju svoju pustu zemlju. Evo, ovako pjesnik-književnik znamenitih romana Elementarne čestice, Platforma, Serotonin, uništiti, u pjesmi naslova „Priroda“ odmah s početka bez pardona „pjeva“. „Ne zavidim pompoznim budalama Koji su ushićeni pred jazbinama kakvog kunića Jer priroda je ružna, dosadna i neprijateljska; Ona ljudima ne može prenijeti nikakvu poruku. Slatko je za volanom moćnog Mercedesa, Prolaziti kroz samotna i veličanstvena mjesta; Lagano upravljajući mjenjačem Vladamo brežuljcima, rijekama i stvarima.“ Nije ovo tekst u kojem ću valjda hermeneutički tražiti u Houellebecqovim stihovima iz Sabranih pjesama neku „suštu“ istinu tzv. našeg vremena. Ma, toga je ionako preko glave u raznim ogledima i osvrtima na njegova djela, pišu li ih loši kritičari ili još nedostojniji apologeti koji još uvijek vjeruju u intencionalnost poezije koja mora kao i roman o nečemu kazivati, iako je odavno postalo besmisleno opetovati Novalisa, Ungarettija, Kavafisa, Pessou u drugome kontekstu kao što je još gore pisati romane na temu obiteljskih kronika male povijesti raspada sebstva u zrcalu zatvorenih društava permisivnoga Zapada. Čitajući „Prirodu“ pred sobom imamo rastvoreni prostor teksta u kojem Francuzi, da baš oni, još od Descartesa do Sartrea i dalje, uzdižu na prijestolje filozofije i književnosti kult Razuma. Ovaj se dualizam usudno ucjepljuje u modernu francusku kulturu. Za razliku od njemačke romantike koja je svoju mitopoetsku začaranost Grcima pronašla u obogotvorenju uzvišenosti prirode i zavičajne topologije naroda „pjesnika i mislilaca“ (Natur und Heimat), francuski je romantizam bio u znaku Aloysius Bertrandova „Gašpara Noćnika“ i usmjerenosti u lutalačku sudbinu razotkrića „orijentalizma“ s mističnim svjetovima Drugoga. Priroda se nužno pojavljuje otuda kao ono tuđinsko i nepoznato. Zato nije začudno zašto su svi njemački filozofi i pjesnici i u doba konzervativne revolucije 1920ih okrenuti pastoralnome imaginariju poput Hölderlina i Heideggera, dok Francuzi označavaju u književnome i političkome smislu autentični okret urbanosti moderne od Baudelairea do pariških egzistencijalista. Nema tu nikakve mistifikacije. Houellebecq je samo radikalno-cinični, nihilistički nastavljač ove francuske „avangardne dekadencije“ koja se spram svake idolatrije Velike Prirode i njezinih mitova eko-obnove odnosi s prezirom. Zaboravih ipak napomenuti još i ovo, možda i presudno za samu stvar njegove pjesme „Priroda“. Ali, prvo ću navesti dvije zadnje strofe ove moćne anti-poeme iz koje nas promatra Autor iza retrovizora njegova „Mercedesa“ dok lagano luta labirintom kamenih prijevoja provansalskih drevnih gradića. „Izađemo li iz automobila započinju muke. Posrćemo usred odvratne zbrke U jednom gnusnom svijetu lišenom smisla, Sazdanom od kamenja i trnja, muha i zmija. Žalimo za parkiralištima i benzinskim parama, Za vedrim i slatkim sjajem niklanih šankova; Suviše je kasno. Suviše je hladno. Smrkava se. Šuma vas povlači u svoj okrutni san.“ (str. 131) Nikad ne smijemo zaboraviti da Hegel u Fenomenologiji duha iskazuje najvažniju postavku uopće novovjekovne metafizike. Ona glasi: priroda nije više ono o-sebi ili neposrednost otvaranja organskoga života, već rezultat prirodno-tehničkih znanosti. Eto, kad čitamo Houellebecqov anti-naturalistički „manifest“ u ovoj pjesmi onda smo zbliženi s njegovim mrzovoljnim iskazima samo zato što znamo da nikakvog povratka prirodi u suvremenome svijetu nema i neće ga ni biti osim ekscesa ekscentrika i „luzera“ i mogućih katastrofa u velegradskome kaosu. Pjevati o „prirodi“ danas znači biti vikendaški romantičar ili eko-fundamentalist, koje Houellebecq u apokaliptičkome romanu uništiti nemilice izruguje kao ideologiju „zelenoga terora“ ili deep-ecology Johna Zerzana. No, zacijelo je razvidno kako Houllebecqova poezija nije nimalo izvan njegovih temeljnih preokupacija razvijenih u romanima poput Širenja područje borbe i Karte, teritorija. Ako ovdje stavimo u niz glavne pojmove posthistorije poput depresije, narcizma, cinizma, apsurda, očajničkoga traganja za ljubavlju koja ima još jedina moć iskupljenja u ovom obesmišljenome carstvu praznine kognitivnoga kapitalizma, nalazimo se u zatvorenome krugu kreativnoga ponavljanja onog što Baudrillard naziva simulakrumom. Nazivi pjesama poput „Pukotine“, „Pretvaranja, nadzora“, „Tjedni u kalendaru, zidovi“ upućuju na novu artikulaciju ideje bezuvjetne samotnosti u mreži prazne intersubjektivnosti. Zato sve Houellebecqove pjesme nisu pjesme „o“ nečemu što dolazi kao nenadani događaj nepoznatoga svijeta, već su pjesme koje su britka i suverena dijagnoza stanja kaosa i entropije ovog svijeta u kojem se život zbiva unutar sklopova moći, unutar korporacija, nebodera, lutalačkih odlazaka izvan gradova, sabiranja vlastitih duševnih krhotina, unutar četiri zida i žudnje za tijelom Drugoga bez ograda i zazora. Uostalom, ritam i novi spleen iz kojeg raste ono čudovišno u čovjeku pokazuje nam ono najvažnije: Houellebecq je vrhunski majstor proizvođenja bizarno-ekscentričnih asocijacija u tekstu s težnjom da iskaz ostane poput „sedmoga pečata“. Evo dokaza. U poemi „Život, jadni život“ slušamo bolno odvijanje prizora u kojima se starost, agonija i smrt preobražavaju u hibridna stanja egzistencije kad „ulijeću krvave zvijezde“ i „Noć se vere uz mene kao nečista zvijer“. (str. 125) Od prve do zadnje stranice njegovih Sabranih pjesama susrećemo se s analitičkim psihogramom jedne post-epohe ogrezle u pohlepi i ravnodušnosti već uvijek proigranoga življenja. Putovanja uokolo mrtvih gradova povijesti i povratak u svoju ljušturu od snova ꟷ sve su to tragovi diseminacije jedne beskrajne žudnje za užitkom u trajanju bez cilja. Ipak, ono što Houellebecqa razlikuje od recimo Camusa i njegove egzistencijalne avanture prevladavanja apsurda života nije vjera u književnost kao sublimno ozbiljenje stvaralačke moći. Pisati više ne znači biti izvan destrukcije i dekonstrukcije teksta. Sve je u otvorenosti temeljnih ideja koje nasljeđujemo još od romantike i dekadencije, ponajprije od Houellebecqova omiljenoga pisca Jorisa-Karla Huysmannsa, a to su posvemašnja posvećenost jeziku koji ogoljuje stvarnost do srži i nadilaženje razlike života i umjetnosti polazeći od stvaranja sebe samoga kao čiste kontingencije mišljenja i kazivanja. Pjesnik nije više ni bard, niti poeta ductus koji živi od vlastita (ne)znanja i kula od citata. On se rađa u placenti od krvi i bijesa, prožet onim „iskustvom okrutnoga sna“ u svakom trenutku svojeg neminovnoga poraza. U poemi „Mogući kraj puta“ čitamo ove stihove koji ostaju u pamćenju kao titraj disonantnih platformi od struna. „Kao i trava, star sam i veoma suvremen, Proljeće me ispunjava kukcima i iluzijama Proživio sam, kao i one, izmučen i spokojan, Posljednje godine jedne civilizacije. (…) Ljudi odlaze, ljudi se rastaju Žele živjeti prebrzo Osjećam se starim, tijelo mi je teško, Ničega nema osim ljubavi.“ (str. 155 i 159) Zar stvarno baš ničega? Poezija je rođena kao i filozofija iz najdubljega bezdana svijeta i ondje se vraća na kraju svojega puta. Još imamo vremena za jedan Hamletov ꟷ out of joint, zar ne?

October 25, 2024
Što stoji „iza“ glazbe?

Što stoji „iza“ glazbe?

Što stoji ‘iza’ glazbe? Na ovo pitanje nakon iskustva neoavangarde s Johnom Cageom zacijelo da odgovor neće biti kako stoji Bog ili neka onostrana snaga koja podaruje smisao i svrhovitost svakom glazbenome djelu od iskona do suvremenosti. Naime, u jednome predavanju sam Cage je ustvrdio da umjesto glazbe imamo društvene odnose i težnju za življenjem u onakvom modelu društva koji odgovara našem shvaćanju glazbe. (David Revill, The Roaring Silence: John Cage, a life, Bloomsbury, London, 1992., str. 243.) Iako ovo ‘zvuči’ kao onaj drevni Konfucijev iskaz da je država onoliko loša koliko je loša glazba koja se u njoj svira, stvari stoje drukčije. Ne treba nas uopće zanimati ni država ni glazba, već kako uopće dolazi do toga da se tzv. društveni odnosi i apologija društvene jednakosti pojavljuje u drugoj polovini 20. stoljeća kao nadomjestak za tzv. referencijalni okvir koji je glazbi povijesno-epohalno u različitim, ali srodnim simboličkim formama, određivao njezine pojavne granice i cilj muziciranja. Naravno, budući da je glazba najuzvišeniji metafizički lik u kojem se umjetnost pojavljuje, onda je posve jasno da je sve do kraja 19. stoljeća, baš kao i u slikarstvu i arhitekturi, ono ‘iza’ bilo određeno iz razumijevanja božanskoga, svetog, mesijanskog, mističnog, misterioznog. Pitati što slušamo kad slušamo Händelove oratorije ili Bachove fuge znači isto što i pitati što vidimo na slici Mantegne koja tematizira oplakivanje Kristove smrti na križu. Samorazumljivo je da se stoga u doba kibernetike, informela i performativne umjetnosti 1960ih godina u središte više ne postavlja ljepota i uzvišenost tzv. božanske muzike čistih sfera i apsolutne harmonije. Umjesto ionako usmrćenoga Boga nakon Nietzschea u decentrirano središte glazbene reprodukcije dolazi upravo najradikalniji neoavangardni način kojim se bit glazbe zapravo rekontekstualizira, odnosno profanizira do mjere svojevrsne utopije ili revolucije društvenoga bitka čovjeka. Tzv. socijalna participacija u umjetnosti i arhitekturi postala je toliko uobičajena, da je govor o banalnosti, trivijalnosti i običnosti glazbe kakvu John Cage ima u vidu ništa drugo negoli eksperimentiranje s ništavilom. Uostalom, što je drugo činio sam Cage sa svojim glazbenim performativima, aleatorikom i drugim sredstvima ‘instaliranja’ tišine u prostoru izvedbe, ili je, pak, prije radikalne mahnitosti rock-skupine Who i njihove ritualne destrukcije instrumenata na sceni dovodio publiku do straha neće li u svojem nastupu demolirati i taj jedan-jedini skupocjeni Steinway, kao u Zagrebu na Bijenalu o čemu je otmjenim ironičnim stilom pisao hrvatski književnik, anglist i prevoditelj Antun Šoljan. No, što je to društvena participacija drugo negoli nadomjesna mesijanska utopija koja kroz glazbu otvara prostor dolaska Novoga. Nemojmo misliti da je ono što je činio u vizualnoj umjetnosti neoavangarde njemački ‘šaman’ Joseph Beuys nešto drukčije od glazbenih ‘reformatora’ aleatorike i informela. Kao što je poznato, 1972. godine na predavanju, a zapravo velikome performativnome događaju u sportskoj dvorani u Essenu, Beuys je na pitanje zdvojnog studenta povijesti umjetnosti i filozofije zašto neprestano govori o Bogu, a ne o umjetnosti, odgovorio: Bog je umjetnost. Ipak, vratimo ‘narativ’ o Bogu, revoluciji, utopiji i mesijanstvu glazbe u 20. stoljeću u okrilje jednog mišljenja o filozofiji muzike koje se čini da je ‘danas’ gotovo ostalo zaboravljeno, to jest još i gore, kao da o osnovnim postavkama ovog Musik-Messianismusa nitko više osim rijetkih povjesničara estetike i filozofije muzike išta zna. A samo prije nešto više od tridesetak godina o autoru uz kojeg se opravdano povezuju svi ovi religiozno-revolucionarni i utopijsko-mesijanski izrazi Novoga i Nade bilo je neprestano govora ne samo u tzv. suvremenoj marksističkoj misli, već i u diskursu kulture i umjetnosti općenito. Njegovu je misaonu hermetičnost 1990-ih godina nakon kraja komunizma u potpunosti nadomjestilo ponovno otkriće spisa Waltera Benjamina, a nastojanje oko drukčijeg uvida u mesijanski određenu nadolazeću budućnost autoritativno je pripalo francuskim ‘postmodernistima’ etičko-političkoga obrata kao što su to Emmanuel Lévinas i Jacques Derrida. Jasno je, dakle, da je riječ o Ernstu Blochu, filozofu koji nije pripadao Frankfurtskoj školi, pa je njegovo mišljenje nakon 2. svjetskoga rata na začudan način bilo istodobno nekritički slavljeno kao alternativa dogmatskome marksizmu i od 1989. godine nadalje čitav taj utopistički silni zanos s komunizmom kao realizacijom mesijanskoga događaja, ali shvaćenog ne politički kao danas u dijalektičkome materijalizmu Alaina Badioua, već estetički i poetološki gotovo mistično, kao da se srušio nepovratno u bezdan. Usput, u 68. bilješci teksta ‘Rad i bog’ Sutlićeve Prakse rada kao znanstvene povijesti u kojoj se raspravlja o nemogućnosti ‘marksističke filozofije prirode’ polazeći od mitologike, autor spominje kako je Habermas nazvao Blocha ‘marksističkim Schellingom’. (Vanja Sutlić, Praksa rada kao znanstvena povijest, Globus, Zagreb, 1987., drugo, prošireno i popravljeno izd., str. 155) No, ovdje se ne bavimo Blochovim ontologijskim mišljenjem tzv. principa nade, ( Ernst Bloch, Das Prinzip Hoffnung, Suhrkamp, Frankfurt a. M., 1985.) već njegovim ranim djelom i nedvojbeno najmisaonijim uopće u kojemu je razvio navlastitu filozofiju muzike. Već sam naziv djela je ‘simptomatski’ i ‘programatski’ za razumijevanje odnosa teologije i filozofije, mesijanstva i revolucije na tragovima ne samo Marxa, već i svih milenarističkih pokreta u srednjem vijeku s jasnim društvenim ciljem stvaranja apsolutne slobode za čovječanstvo kao što je to bio pokret Thomasa Münzera, pa sve do socijal-utopista 19. stoljeća, te anarhista i anarhosindikalista. No, prije negoli izložimo njegovu analizu filozofije muzike, potrebno je ipak ukratko iznijeti neke njegove temeljne postavke za razumijevanje onog što stoji ‘iza’ glazbe. Prvo, za Blocha je nada pokretačka žudnja poboljšanja ljudskih životnih odnosa, a ne puko kršćansko očekivanje spasonosnoga iz nadolazeće budućnosti. Čovjek kao biće prakse živi neprestano u stanju još-ne-svijesti, a to se očituje u fenomenu sanjarenja s očekivanjem promjene stvarnoga stanja. Naravno, ovaj utopijski horizont budućnosti nije promišljen iz destrukcije tradicionalne ontologije kao što je to učinio Heidegger u Bitku i vremenu iz 1927. godine. Bloch ‘antropologizira’ Marxa i pojam čovječnosti čovjeka shvaća iz sinkretičkoga mišljenja židovske i kršćanske teologije bez institucionalne instrumentalnosti religije u službi ovostranoj moći kapitalizma. Čovjek je, dakle, biće čije dostojanstvo prethodi padu u otuđenje i postvarenje u povijesti, a besklasno društvo pojavljuje se kao pretpostavka za posvemašnje humaniziranje životnih odnosa u svijetu. Za njega je ideja ‘Heimata’, upet suprotno od Heideggera, ne povratak u iskonsku zavičajnost smisla bitka iz nadolazeće budućnosti, već na Marxovu tragu uspostavljena zajednica kao ‘carstvo slobode’ u kojoj ljudi rade samo zato da bi smisleno i sretno živjeli, a ne žive da bi tegobno radili. U tom smislu Bloch preispituje brojne primjere tzv. društvenih utopija s težnjom da čovjeku otvore mogućnost mišljenja i življenja u zajednici po mjeri njegove istinske biti koja se očituje u zajedništvu s Drugima. No, utopija nije puko snatrenje o svijetloj budućnosti. Umjesto toga, ona se u radu kao i u onome što pripada umjetnostima, arhitekturi i religiji kao i tehnologiji neprestano realizira, jer inače ne bismo mogli govoriti o ‘napretku’ i ‘razvitku’ ljudske civilizacije. Zbog toga pojam nade postaje korelativ utopiji, iako valja kazati da Bloch pojam nade misli izvan tradicionalno shvaćene kršćanske usmjerenosti u nadolazeću budućnost kao ispunjenje kraljevstva Božjega. Znamo da je Bloch nakon 1945. godine predavao u dogmatskome okružju najtvrdokornijeg uporišta ‘dijalektičkoga materijalizma’, naime u DDR-u na Sveučilištu u Leipzigu, Bachovu gradu. Nakon knjige Princip nade proglašen je revizionistom u marksizmu i prisilno je umirovljen. Što se u 21. stoljeću više sam pojam utopije banalizirao i postao pukim pseudo-ljevičarskim ‘brandom’ u borbi protiv sveprodiruće distopije suvremenoga kapitalizma i svijeta svekolika raščovječenja, ne bih rekao da ponovno dolazi tzv. Blochovo vrijeme u mišljenju, jer je i prije njegov način uvida u filozofiju bio u najmanju ruku ‘nesuvremen’ i često odveć hermetično ‘mističan’, a u tumačenju Hegela posve dogmatski, dok se u razumijevanju Marxa nalazio u blizini s Lukácsem i praxis-filozofijom što znači da nije dospio do uvida u to da je suvremenost u znaku vladavine totalne znanstveno-tehnološke racionalnosti i neutraliziranja i suspendiranja ideje ‘revolucije’, to će se njegov ‘duh utopije’ vraćati kao neka vrsta nostalgije za izgubljenim apsolutom, da parafraziramo naslov jedne knjige eseja Georga Steinera. No, najvažniji razlog njegove moguće re-aktualizacije ne leži ni u kakvoj ontologiji, političkoj filozofiji i etici, već u estetici odnosno filozofiji muzike. Što je za Blocha ključno u razumijevanju glazbe? Očigledno to da je glazba sveza svrhovitosti ljudskoga bitka i njegove usmjerenosti u ono što pripada ekstazi vremenitosti budućnosti kao još-ne. Glazba, paradoksalno, u ontologijskome smislu ne prikazuje i ne predstavlja ono što jest, dakle bitak, u njegovoj postojanosti i trajnosti u smislu naturalizirane društvene ovjekovječenosti. Umjesto tog ‘pasivnoga’ ontologizma, smisao je glazbe u ozbiljenju autentične čovječnosti koja nije negdje već iskonski postojala kao takva, iako je grčki polis prvotni topos iskonske glazbe kao mita i religije politeizma. Ona dolazi iz budućnosti kao Heimat, pa stoga nije nimalo začudno što Bloch u Duhu utopije navodi riječi Nietzschea kako čežnja za zavičajem koju stvara glazba ne dolazi kao čežnja za prošlošću, već za budućnošću. (Ernst Bloch, Geist der Utopie, Suhrkamp, Frankfurt a. M., 2018) Budući da su za Blocha sve umjetnosti, a nadasve muzika, forme objave ili otkrivenja, onda postaje bjelodano da ovaj mesijanski židovski sklop ideje pravednosti i istine nosi sav patos mišljenja kako život nikad nije svediv na carstvo nužnosti, već je carstvo slobode uvjet mogućnosti i cilj njegove težnje za Novim. U knjizi se razmatra ideja filozofije muzike polazeći od onog što Bloch naziva Mitwissenheit, a to bismo mogli prevesti kao su-znanje ili zajedničko znanje koje uvijek djeluje unutar nekog društva i vodi to društvo do konačnoga cilja ljudske utopije. Budući da glazba ima moć pred-sjaja (das Vor-Schein) onog nadolazećega u sadašnjosti, ona omogućuje da se na tragovima budućeg otčitava naša zajednička prošlost koja pada u područje totalne moći iskupljenja. Sve to možemo naći i u fragmentima Benjaminovih tekstova početkom 1920-ih godina o mesijanstvu i kraju povijesti. Pritom je jasno da je ne samo čitao Blochov Duh utopije koji se pojavio 1918. godine, nego i da je u dijalogu s utopijskim zanosom njegova autora inkorporirao neke njegove postavke kao i one iz knjige Franza Rosenzweiga Zvijezda iskupljenja (Stern der Erlösung) iz 1921. godine. (Vidi o tome: Žarko Paić, Anđeo povijesti i Mesija događaja: Umjetnost-Politika-Tehnika u djelu Waltera Benjamina, FMK, Beograd, 2018.) Kad analizira Beethovenove posljednje kvartete, onda Bloch dolazi do ključne postavke kako je upravo fragmentarnost bit njegove muzike. Paradoks je u tome što ʺdovršenost sama…tako duboko skrivena u apsolutu, postaje fragmentomʺ. (Ernst Bloch, Geist der Utopie, str. 220.) Zašto je tome tako? Iz jednostavnoga razloga što su fragmenti u svojoj nedovršenosti ono što za razliku od Derridina koncepta ne uključuje dekonstrukciju značenja, već sklop svojevrsnog eshatologijskoga kaleidoskopa. Na taj način filozofija muzike nije tek jedna od estetika koja se bavi umjetnostima, poput, primjerice, estetike književnosti ili estetike slikovnih umjetnosti. Njezina je navlastitost da u sebi obuhvaća ono što Bloch hegelovski naziva načelom-svijeta (Weltprinzip). Tonovi glazbe su nadilaženje onog što je u zbilji vidljivo i ograničeno iskustvom vremena. Zbog toga se u njima nalazi element posvemašnje neodređenosti. U razlici spram boja koje čine bit slike i koje su postojane u svojim preobrazbama, tonovi ne označavaju ništa fiksno i nepromjenljivo. Iz njih proizlazi mogućnost nečeg što duboko u ljudskoj biti upućuje na putovanje subjekta kao Sebstva od stanja nesvjesnoga do mesijanskoga toposa Heimata. Pogledajmo ovaj luk. Ono što pripada sferi duhovne supstancije, to se zahvaljujući glazbi još više produhovljuje, ali ne u instrumentalnome smislu. Glazba je samosvrhovitost ljudskoga bitka i kao pred-sjaj budućeg stanja svijeta ima u sebi mogućnost realizacije ʺumjetnosti budućeg kraljevstvaʺ. (Ernst Bloch, Geist der Utopie str. 141.) Ono što nas posebno ovdje zanima jest Blochov pojam principa. Uz princip nade, ono što označava princip svijeta odnosi se na glazbu koja nije mimesis, već ponovno nastajanje svijeta u drugoj formi egzistencije. I zato u analizi Bacha, Mozarta i Beethovena, muzika nužno ima moć nadilaženja granica u vremenu kao prolaznosti onog sada. Nije riječ o ovjekovječenju sretnoga trenutka, kairosa, već o ponavljanju glazbenih fraza, onog što u nekoj sonati ili klavirskome koncertu raskida s linearnošću kompozicije i sve se vraća na ishodište kao u vječnome vraćanju jednakoga samo zato da bi u finalnoj furioznosti kao u Beethovenoj IX. simfoniji glazba postala govor apsolutnoga duha, ali ne tako da bi time Bog progovorio kroz ‘glazbu sfera’, nego tako da bi se metafizički sve sintetiziralo promjenom života kao takvog. Na kraju, dakle, glazbene kompozicije nije kraj u smislu metafizičke linearnosti. Ne, muzika je totalitet u fragmentima i od kraja otpočinje proces sjećanja koji uzdiže ljudsku osjetilnost s njegovom moći slušanja zvukova-tonova-melodije u ono bezgranično i ono uzvišeno. Najznačajnije mjesto Blochove filozofije muzike proizlazi ponajprije otuda što on, a to se naizgled ne očekuje, za razliku od Adorna ne vidi u glazbi uvijek neku društveno-ekonomsku i progresivnu crtu osvajanja prostora estetičke negacije otuđenoga i postvarenog svijeta. Otuda ona briljantna formulacija koja zaslužuje svaki moj respekt, unatoč tome što u Blochovu mišljenju nikad nisam pronalazio bitnu točku duhovne orijentacije. Naime, u Duhu utopije kad glazbu analizira kao neku vrstu sažetka senzibiliteta, ali ne i duha epohe, on tvrdi kako ʺveliki pojedinci postaju kategorijeʺ. (Ernst Bloch, Geist der Utopie, str. 42.) To znači da su Bach, Mozart i Beethoven kategorije. Kakav je odnos između prinicipa svijeta i pojedinaca kao kategorija? Nije to romantična estetika genija. Umjesto toga, susrećemo se s nečim što povezuje sve mogućnosti utopijskoga mišljenja izvan jezika i slike, jer glazba predstavlja ono što pripada povijesti svijeta kao iskupljenju. Evo, sada vidimo bitnu razliku između klasične grčke estetike koja je s Aristotelovim pojmom katarze u okviru dramskoga kazališta i izvedbe tragedija označavala uvijek postojanost ljudske ukorijenjenosti u prostor zavičajnoga obitavališta kao što je polis. Riječ koja drži zajednicu svetom i neraskidivom je sloboda utemeljenja u tragičnome susretu ljudi i bogova u prošlosti koja postaje vječna sadašnjost. Taj susret omogućuje u izvedbi drame dva temeljna osjećaja u gledanju tragedija ‒ strah i suosjećanje. Etička dimenzija prevladavanja zbiljskoga svijeta u jeziku Sofoklove Antigone svagda ostaje vezana uz sveto tlo zajednice, grčki polis. No, židovska eshatologija i mesijanstvo ne može biti više ograničena prostorom-vremenom izvornosti zajednice kao trajne prisutnosti, grčki parousia. Razaranje države, uništenje Hrama i progon naroda u sukcesivnim valovima Holokausta tijekom povijesti dovodi do toga da je od riječi i slike živo samo sjećanje na ono što je nepovratno izgubljeno, a ono što jedino omogućuje stvaranje Novuma i Heimata proizlazi iz kraljevstva Božjeg u budućnosti i to ne više kao postojane i ukorijenjene Riječi, već kao glazbe koja predstavlja simoličku i stvarnu realizaciju eshatologijske vizije povijesti nakon njezina kraja. Umjesto slobode i jednakosti koja je bila u temelju grčkoga iskustva umjetnosti, pa tako i duha glazbe koji je mladi Nietzsche prepoznao kao bit tragedije, u Blochovu je shvaćanju muzike ono što zamjenjuje pojam katarze temeljna riječ-pojam teologije kao teleologije dolaska Mesije u svijet ‒ iskupljenje (Erlösung). No, nije ovdje posrijedi nikakva redukcija na židovsko mesijanstvo kad se umjesto proroka i genija umjetnosti najveća imena austrijsko-njemačke muzike poput Bacha, Mozarta i Beethovena smatraju kategorijama. Mogli bismo okrenuti poredak ontologijskih pojmova i sada postaviti stvari ovako. Muzika nije nikakav mimesis i reprezentacija, nikakva estetsko-etička katarza s drugim sredstvima društvene artikulacije Moći, nego ono što pripada ‘fragmentarnome apsolutu’ ‒ događaj mesijanskoga iskupljenja. Pa, pogledajmo najvažnija djela Bacha koja to potvrđuju, potom Mozartovu operu Requiem s onom tragičnom misom koju zbog smrti nije uspio dovršiti, te Beethovenovu operu Fidelio izvedenu u Beču u dramatičnim okolnostima jer je na premijeri 20. studenoga 1805. godine bilo poluprazno gledalište zbog toga što su Napoleonove trupe bile tik pred Bečom. Ništa od svega toga ne pripada mirnoj kontemplaciji i spekulaciji. Posve suprotno, suočavamo se s totalnom dramom iskupljenja od zbiljske tragedije bitka. Kategorije glazbenih performativa velikih kompozitora klasične epohe predstavljaju stoga istinski princip svijeta kao nastajanja Novoga i kao velike drame iskupljenja čovječanstva. Glazba se ne obraća partikularnome mnoštvu, već smjera na kozmopolitskoga građanina koji nije ovdje i sada stvarno prisutan. Njegovo je mjesto u nadolazećoj budućnosti, u utopijskome Heimatu realizirane umjetnosti i zato je njezina posljednja tajna onkraj zapalosti u društvo, politiku, etiku. Za Blochovu filozofiju muzike nitko nema većeg autoriteta i kategorijalne singularnosti od Beethovena. Zato je njegov slučaj razračunavanja s apsolutom s pomoću fragmenata, s pomoću veličanstvenih sonata i monumentalnih simfonija, paradigmatski slučaj mišljenja u tonalitetu svjetskoga duha koji za razliku od Hegelove teodiceje pretpostavlja težnju za iskupljenjem i samilošću. Duh utopije jest utopija svjetskoga duha u njegovoj glazbenoj drami metafizičkoga putovanja od Vor-Scheina do Heimata. Život je događaj ovog kategorijalnog obrata u samoj biti metafizike koji zahtijeva smrt, ludilo i gubitak orijentacije u osjetilnome svijetu. Sve veliko prolazi kroz žrtvenik povijesti i u svojem posljednjem trenutku kairosa kao apokalipse ostaje u bezgraničnosti glazbe zauvijek. I kažimo to kao zaključnu riječ Blochovim nazivom njegove jedne od meni najlucidnijih knjiga: glazba je experimentum mundi!

October 24, 2024
Epoha sokratskih sjena: Euripid

Epoha sokratskih sjena: Euripid

U ogledu „Teror kao tragedija (Euripid ili o biti suvremene umjetnosti)“, objavljenom na ovom blogu Kaos 26. travnja 2024. spomenuo sam već da sam svu svoju usmjerenost u promišljanje grčke tragedije još od gimnazijskih dana poklonio čitanju Euripidovih drama. Nije to bilo stoga što bih ga uistinu smatrao „boljim“ dramatičarem od Eshila i Sofokla, sačuvaj Zeuse i drugi parnasovci! Ne, stvar je u tome što je Euripid posljednji veliki grčki tragičar i s njima nastaje nova epoha u povijesti helenstva uopće. Bogovi više kao da nisu mjerodavni presuditelji „ljudske sudbine“, a problem je u tome što sama metafizička ustreptalost i katarza u gledanju njegovih drama poput paradigmatske Medeje, Ifigenije na Tauridi, Mahnitoga Herakla kao da postaje sinteza filozofije i pjesništva, refleksije i kazivanja koje iziskuje, što bi rekao Rancière, „emancipiranoga gledatelja“ suočenog s vlastitim razdorima i bezdanima krhke egzistencije. Riječju, „moj“ Euripid bio je onaj mislilac i pisac tragedija koji pripada već odigranoj povijesti umjetnosti kojim ono osjetilno i osjećajno ulazi u područje refleksivnoga, a ključne riječi ovog post-svijeta epohe 4. stoljeća prije Nove ere postaju trijada terora, obezboženja i rastemeljenja apsoluta. Kao da smo s Euripidom stupili odjednom i neposredno u posvemašnji kaos i entropiju ove naše suvremenosti koja cijelo 20. stoljeće protječe u crnome moru kolektivnih užasa i ovjekovječenja zla bez patetike iskupljenja i lažnih utopija pročišćenja svijeta od vlastita besmisla. Nije mi u pisanju ogleda o teroru kao tragediji bila pri ruci sjajna rasprava Waltera Jensa o Euripidu, njemačkoga klasičnog filologa, esejista, književnika, pripadnika Grupe 47 velikih njemačkih pisaca poput Günthera Grassa, Martina Walsera, Heinricha Bölla, Ingeborg Bachmann i Hansa-Magnusa Enzensbergera, koji su poslije 2. svjetskoga rata i nacističke prošlosti Njemačke otvorili duhovne i književno-političke mogućnosti prevladavanja traumatičnoga izvora kolektivne odgovornosti i pojedinačnih krivnji za Holokaust i najveće strahote masovnih zločina protiv drugih naroda. Jens je bio zapažen javni intelektualac, angažiran u radu njemačkog i međunarodnoga PEN-a, sjajan profesor u Tübingenu i gostujući profesor na Oxfordu. Čitao sam sa zanimanjem njegove kritičke tekstove o književnosti i politici (Literatur und Politik, G. Neske, Pfullingen, 1963.), ali ono najlucidnije što je napisao pripada njegovoj „struci“, klasičnoj filologiji. U ogledu/raspravi naslovljenoj jednostavno „Euripid“ iz 1958. godine Walter Jens ponajprije ustvrđuje kako o posljednjem velikom grčkome tragičaru zapravo znamo malo toga najbitnijeg. I onda nabraja sve što možemo pronaći u različitim antologijama i priručnicima o grčkim tragedijama, te piscima poput Eshila i Sofokla. Rođen je 480. godine prije Nove ere, napisao je preko 90 dramskih djela, u Aleksandrijskoj knjižnici bilo ih je 75, od čega 17 u fragmentima uključujući tzv. satirske igre ili komedije. Njegove posljednje drame kao što su Ifigenija u Aulidi i Bakhe napisane su za boravka u emigraciji, gdje je i umro. Jens jasno pokazuje kako je Euripid bio „poeta doctus…koji je sjedinjavao filozofiju s kazališnim događajem i sliku s maksimom.“ (str. 6) Nije slučajna pojava Euripida u jednom dubljem, metafizičkome smislu svojevrsne dekadencije grčkoga mišljenja i pjevanja, koje na začudan način koincidira s nečim krajnje paradoksalnim. Jens izjednačuje misiju Platonove filozofije i Euripidovih tragedija polazeći od postavke o „sokratskim sjenama“ (str. 6). Riječ je o sintezi pjesništva i mišljenja u Platonovim dijalozima kao formi žive filozofije s temeljnom zadaćom uspostavljanja ideja u ovome svijetu privida i prolaznosti života. Ono što čini pritom Euripid jest gotovo istovjetno činu platoničke filozofije kao vodećeg metafizičkoga teorema. Naime, autor Medeje i Orestije povezuje u tehničkome smislu korske glasove s „argumentima, mitopoeziju s diskusijom, govor s teoremom, kao što Platon suprotstavlja filozofiju u dijalektičkome smislu s područjem mita, te u „Fedru“ …podaruje mišljenju dostojanstvo entuzijazma, određujući filozofiju kao svekoliko najljepšu, najbolju tragediju i čini Sokrata analitičarem i logičarem, čudakom i erotičarem.“ (str. 6-7) Kad je, dakle, prošla epoha Eshila i Sofokla, početkom 4. stoljeća prije Nove ere otpočinje „velika sinteza“, koja se zbiva u racionalnome preuzimanju tradicije. To označava istodobno, tvrdi Jens, nastanak jednog međudoba u kojem se tragedija zbiva u međuprostoru između „polisa i kozmopolisa“ najavljujući ono što će postati helenizmom kao zaokruženim sustavom refleksivne mitopoeze. Što to drugo određuje negoli svojevrsnu relativnu spoznajno-teorijsku moć zauzimanja svijeta kao prostora osvajanja. Uostalom, Jazonovi Argonauti u potrazi za zlatnim runom na posljednjem horizontu Crnoga mora u Euripidovoj Medeji nisu moreplovci koji se poput Odiseja vraćaju u svoju žuđenu postojbinu i zavičaj. Ne, u tragediji-drami Medeja, koja je prvi put izvedena 431. godine stare Ere, a bila je dio trilogije čije druge dvije drame nisu sačuvane, Euripid suočava gledatelje s nečim krajnje čudovišnim i ujedno samorazumljivim. Potraga za utopijom/distopijom nije uzvišena stvar helenstva kao svojevrsnoga metafizičkoga poslanstva mita-religije-umjetnosti-filozofije-znanosti, grčke paideiae u prostorima osvojenih kolonija na Istoku, već srozavanje duha veličajne civilizacije logosa na grubi i barbarski partikularizam pljačke i grabeži. Kad se bogovi povlače iz svijeta, sve je ostavljeno na milost i nemilost sila kontingencije i kaosa. Zbog toga je samorazumljivo da više ne postoji apsolutna norma ili Zakon koji barem iluzorno još sprečava da svijet ne posrne u najdublji i najmračniji bezdan vlastite propasti. Walter Jens u svojem ogledu/raspravi o Euripidu ulazi, naravno, posve autoritativno u analizu razlike spram Sofoklovih tehnika gradnje drame i uloge kora u izvedbi, pa pokazuje kako se odjednom tragedija u toposu Alkestide i Medeje ravna prema načelima ponavljanja-shematizma radnje u kojoj tragični junaci poput, primjerice, Herakla i Hekube, doživljavaju promjene u značenju svojih postupaka iz promjene strukture dramskoga kazivanja. No, ključno je pritom u razlici spram Sofokla da je gledatelj Euripidovih drama svagda netko „izvan događaja…tko ih analizira i reflektira o tome“ (str. 10). Što to drugo znači negoli da je posrijedi promjena paradigme samoga događaja tragedije u Grka. Već je o tome na svoj furiozni filozofijski način kazivao mladi Nietzsche 1872. godine u Rođenju tragedije iz duha glazbe. Walter Jens, pak, ukazuje na promjenu u značenju korskoga pjeva-kazivanja, što nas podsjeća na ono što će u 20. stoljeću po analogiji biti primijenjeno u okviru Brechtove tehnike očuđenja (Verfremdung) kad se publici obraća dramski narator i ukazuje joj na stvari koje su društveno i politički, etički i životno krajnje neprihvatljive i koje čovjek s vremenom usvaja kao svoje inhibicije i skladište trauma i navika da ne bi došao do istine o samome sebi i otuđenome svijetu strukturne perverzije kapitalističkoga poretka. Euripid, dakle, postavlja gledatelja u položaj samorefleksivnoga promatrača koji pronalazi više mogućnosti rješenja tragične situacije od jednoznačnosti u slučajevima Eshila i Sofokla. Na taj način dolazi do „diskrepancije mita i zbilje, ideala i realiteta, vjere i iskustva, tradicionalne slike bogova i ‘historijske’ faktičnosti“. (str. 12) Najradikalniji stav Jensa u analizi filozofijskih temelja Euripidovih tragedija zacijelo jest onaj koji se bavi ulogom onog metafizički neodredljivoga tehničkog sredstva intervencije u rasplet zbivanja u drami koji nazivamo deus ex machina. Nije to, naime, samo puka „mašinerija“ djelovanja onostranoga i metafizički neupitnog iza scene, koje pokreće radnju ljudskih strasti, karaktera i temperamenata ulovljenih u nužnosti i slučajeve zle kobi, ograničene slobode i težnje za apsolutnom moći u svijetu, već nešto bitno drukčije i smislenije. Riječ je o mediju ili tajni posredovanja između bogova i ljudi, polubogova i heroja i heroina, koja u Euripida postaje zapravo gotovo neutralizirana i suspendirana. Drugim riječima, bogovi se nalaze u povlačenju ili odsutnosti djelovanja, a to znači samo jedno: ispražnjavanje tradicionalne metafizičke uloge stvaratelja ljudskoga svijeta i upravljanja njegovim „sudbinama“. Jens ovo zapečaćuje tvrdnjom: „Gdje nedostaje instancija apsoluta, djelovanje kao radnja gubi svoju svrhu.“ (str. 13) Nije to ništa začudno i neobično. Već je Walter Benjamin u svojoj najznačajnijoj estetičkoj raspravi Podrijetlo njemačke žalobne igre (Trauerspiel) zauzeo stav kako je figura melankolije u baroku preostatak od one tragične spoznaje kako je grčki svijet izgubio svoje metafizičko opravdanje onog časa kad su bogovi napustili mjesto-položaj apsolutne istine događaja i postali nadomjesna funkcija svetoga. Otuda je tragedija u njemačkome baroku postala „žalobna igra“, neka vrsta subjektiviranja apsolutne istine rasapa svijeta koju su ponajbolje umjetnički oslikali i jezikom klasične neo-tragedije zauvijek utisnuli u samosvijest europskoga kulturnoga kruga Shakesperaove drame o tiranima, krvolocima i uzurpatorima kraljevske vlasti u Engleskoj navlastito u njegovu Macbethu. Jensov je pristup Euripidu ogledalo duha vremena u koji je svojim javnim angažmanom u borbi protiv zatiranja povijesne krivnje Nijemaca u podržavanju Hitlera i nacizma zajedno s drugim intelektualcima iz Grupe 47 nastojao dosljedno očitovati u svim konfliktnim situacijama. Nije ovaj klasično-filologijski ogled/rasprava o kraju tragedije i nastavku tragičnoga drugim sredstvima, međutim, bez egzistencijalne vlastite drame njemačkoga pisca i uglednog javnog intelektualca. Kao što je pred kraj života Günther Grass uznemirio javnost osobito lijevih krugova u Njemačkoj, a onda i u Europi i svijetu, priznanjem da je kao mladić bio pripadnik Hitlerove mladeži (Hitlerjugend), isto se dogodilo i s otkrićem da je Jens 1940. godine pristupio NSDAP-u, pa je nakon javne političke sablazni morao neprestano „prati se“ kako je to pripadništvo Naci-Partiji bilo „automatsko“, bez nekih aktivnih znakova odobravanja politike antisemitizma i genocida Hitlerova zločinačkoga poretka akumulirane mržnje spram Drugoga. Uskoro je u starosti postao dementan i tako se ovaj slučaj etičko-političkoga licemjerja, naknadne „pameti“ i samopriznanja istine izgubio u klimi rastućeg posthistorijskoga zaborava. Walter Jens umro je 2013. u 90-oj godini. Je li ga sustigla ona Euripidova tragična aletheia kao doxa koja oslobađa svijet od težine apsoluta kao instancije koja ljude prisiljava da djeluju uvijek kao pripadnici nekog pokreta, neke stranke, nekog svjetonazora, neke autentične ili krivotvorene zablude vlastite egzistencije ili je taj slučaj samo evidentni dokaz da se biti tragedije ni u post-tragičnim vremenima čovjek ne može oduprijeti bez zlokobnih moralnih posljedica po njegovu „zlu savjest“? Što ipak preostaje? Ono što je sam u ovom oglednome ogledu/raspravi o Euripidu napisao kad je izveo postavku da je posljednji veliki grčki tragičar bio u svojim dramama onaj tko je tako odlučno svu ratnu opsesiju i euforiju uništenja svijeta i Drugoga smatrao „ratom koji vodi do Apokalipse“ (str. 24) i do trijumfa apsolutnoga zla i terora. Čovjek je slučaj u kozmičko-prirodnoj konstelaciji života i sve se naposljetku svodi na njegovu slobodu, egzistencijalni otpor uništenju svijeta i ljubav spram istine koju umjetnost nakon Sokratove smrti i njegovih sjena dovodi do najviše razine prosvijećenosti uopće. Vrijeme se, doduše, promijenilo od doba Euripida i njegovih drama. Ali tako da je njegova moć filozofijsko-poetskoga uvida u bit tragedije toliko suvremena da nas ona trijada terora, obezboženja i rastemeljenja apsoluta prati kroz „noć i maglu“ do krajnjeg ishoda kao svjetlost u ovoj tmini, trajna i neugasiva.

October 23, 2024
Mikrozofija života

Mikrozofija života

Malo, manje, umanjeno, omaleno, manjinsko, malčice, manje od najmanjega, manje-više minorno, ali veličajno u svojem malome svemiru, deminutivno naspram augmentativnoga, ono što krasi svijet patuljaka a ne divova, ono što je čak i manje od najmanjega, pokazuje nam da su veličine dominantna stanja materije i da su relativna sva obličja jer veliko nije tu odmah i bez uvećanja, već je malo, pa malo veće i da bi doseglo svoju najveću (kvantitativnu) veličinu, mora ponajprije biti manje od najmanjega, čista ideja u stanju svih onih prvotnih astrofizikalnih pojmova dijeljenja atoma i njegova cijepanja na leptone kao subatomske čestice. Ništa veliko u doslovnome smislu kvantiteta nije tu kao veliko, već se rađa u eksploziji onog što je poput djeteta u placenti manje od većega u tzv. objektivnoj stvarnosti koja je to samo za neki subjekt, a ne hegelovski o-sebi. Dakle, kad smo maleni u svojoj metafizičkoj veličini, poput djeteta na majčinoj ruci i uzglavlju, onda smo maleni samo u odnosu na nešto veće, i uskoro će možda od toga djeteta kao sa slike Salvadora Dalíja Geopolitičko dijete promatra novoga čovjeka iz 1943. godine nastati pravi geopolitički monstrum koji će osvojiti tzv. svijet i pretvoriti ga u najgrublje moguće „veličine“. Mi, mali narodi, koji sebi volimo tako tepati iz različitih razloga umirenja vlastite loše savjesti i kompleksa manje vrijednosti, katkad se upravo u svojoj „malosti“ kroz svoje nepriznate ili nepoznate velikane uzdignemo do nebesa. Hrvati imaju svojeg Michelangela, zar ne, i zove se Julije Klović, slikar minijatura koje posve odgovaraju svijetu našeg oka sviklog na ljepotu maloga svijeta, onoga koji nije tek odslik velikoga svijeta i njegovih trauma i nakaznosti, njegove uzvišene ljepote i moći. Imamo i divne likove iz najljepših bajki Ivane Brlić Mažuranić u knjizi Priče iz davnine…Pa, što nam više treba? Kakvi to „veliki svjetovi“ iza ovog koji se skriva u kućištu školjke, o čemu su tako poetski mudro zborili francuski pjesnici i mislioci poput Paula Valéryja, Gastona Bachelarda i Francisa Pongea. A upravo će potonji u knjizi Na strani stvari, u pjesmi u prozi „Bilješke za jednu školjku“, napisati ove toliko bitne misli za ono što pripada, kako to lijepo kaže njegov prevoditelj, poeta doctus Zvonimir Mrkonjić u „Uvodnoj bilješci“, „materijalističkoj radosti pred stvarima kao idealističke protuteže umanjenoga modela“. „Ne znam zašto bih želio da čovjek, umjesto tih golemih spomenika koji svjedoče tek o grotesknom nerazmjeru njegove mašte i njegova tijela (ili pak o njegovim nedostojnim društvenim običajima), i nadalje umjesto onih kipova njegovih razmjera ili neznatno većih od njega (mislim na Michelangelova Davida) koji su tek obični prikazi njegovi – da kleše neku vrst niša ili školjaka po svom rastu, stvari vrlo različne od njegova mekušnog oblika, ali ipak njemu razmjerne (crnačke kolibe me s toga gledišta prilično zadovoljavaju), da se čovjek pobrine da priskrbi naraštajima kućište ne mnogo veće od svojega tijela, da sve njegove uobrazilje, njegovi razlozi, budu u njima sadržani, da ne upotrebljava svoj genij za nerazmjer nego za prilagodbu – ili u najmanju ruku, da genij prepozna granice tijela koje ga podupire.“ (str. 48-49) Mali svijet u književnosti 20. stoljeća često može postati i okrutniji od velikoga, kao njegov pseudo-mimesis. Ono malo u Pongea nije stoga malo kao puka suprotnost velikoga, jer nije stvar u kategorijama kvantiteta, već u razmjerima i mjeri. Naravno, znamo još od Aristotela da je sve pitanje mjere. Svaka stvar mora imati svoje mjeru koja ne smije prelaziti taj omjer i razmjer, jer postaje groteskna u svojoj pretenziji, pa Ponge čak i jedno nesporno remek-djelo kiparstva kao tog paradigmatskoga Michelangelova Davida uzima u „negativnome“ aspektu omjeravanja s onim što je ljudsko-suviše-ljudsko i tako izvan njegovih mjerila veličine da nas podsjeća kako smo u odnosu na božansku ljepotu i uzvišenost umjetnosti uvijek nedostatno „veliki“. Pitanje maloga-velikoga otuda nije tek usputno metafizičko pitanje o smislu života, već o kvaliteti bića u odnosu na bitak kao takav. Jer ono što veličiinama podaruje epitete malosti i velikosti ne proizlazi iz materijalističke ili idealističke kozmogonije. Stvari su poput školjke samo stvari za-čovjeka, ne i za školjku i njezin svijet u kojem spava i sniva u svojem kućištu. Biti stoga „na strani stvari“ kako to Francis Ponge nastoji poetski kazivati znači biti izvan logike moći FARAONA, kojeg pišem „velikim slovom“ ne zato što on to i zaslužuje, već iz razloga društvene makrologije povijesti. Valja se pritom sjetiti da su faraoni daleka prošlost svijeta, a njihovi groteskni simulakrumi „danas“ u političkim perverznim autokracijama podsjećaju uvijek na male diktatore, jer gle čuda, svi su uglavnom krvoloci povijesti bili manji od makova zrna, ubojice i sadisti na leđima divova i stoga njihova Moć zahtijeva apsolutnu destrukciju ideje Moći. Školjke nisu nevina bića jer ista logika proždiranja i volje za Moć vlada i u mikrofizici moći, kako je to pojmovno primjereno skovao Michel Foucault. Utjeha je iluzija života da je neka nova mikrozofija alternativa Velikoj Povijesti i njezinim grandomanskim zahtjevima za vladavinom u šmitovski kazano velikim prostorom (Groβraum). Nije potrebno dodatno kazivati da je osim školjki uvijek u ovoj poeziji nazočan i puž. Ponge mi nije bio nikad toliko bitan pjesnik kao Danijel Dragojević koji u svojem Prirodopisu koristi svagda i uvelike pojam i ime puža kao i oblaka, da ukaže na oblikovnost svijeta i na njegove relativizme, prolaznosti i apsurdne metamorfoze. Ali, ipak, Pongeova pobuna protiv grandioznosti i monumentalniosti, pohvala životu samih stvari s kojima dijelimo zajednički svijet u odnosu i blizini, to je veliko bogatstvo riječi kao „organskih tvari“ i to je zapravo i najveća vrijednost ove poezije zemlje i njezinih livada i morskih obala, voštanica i oblutaka, čudesne mikrozofije života u njegovu bujanju i usahnuću. Baš to i toliko, ništa više, ali ni manje.

October 22, 2024
O patosu znanja i kraju tragedije

O patosu znanja i kraju tragedije

Treba doista odati priznanje Jacquesu Ranciѐreu da zna postaviti bitna pitanja za razumijevanje suvremenoga stanja stvari s etikom i estetikom. Tako je i u njegovoj knjizi Sudbina slika pitanje o reprezentaciji povezano s pitanjem o dosezima Aristotelova etičkoga pathosa tragedije. Ovo je iznimno važno za objašnjenje biti suvremene umjetnosti koja već čitavo stoljeće pokušava pronaći razloge svoje neutemeljenosti u onome što pripada samoj biti umjetnosti i stoga umjesto autonomije radije hrli u sve moguće heteronomne izvedbe kaosa i kontingencije. Evo, kako Ranciѐre objašnjava ovaj rekli bismo etički paradoks tragedije. „Etički univerzum tragedije obilježava izvjestan pathos za znanjem. To je Sofoklov univerzum ali i Platonov, kao u slučaju razumijevanja koristi koju smrtnici imaju od toga da poznaju stvari koje dolaze iz sfere Besmrtnika. Aristotel je upravo iz tog univerzuma htio izdvojiti tragediju. I to je ono od čega se sastojala uspostava reprezentativnog poretka: pokušaj da se etički pathos za znanjem prenese u regulirani odnos između poiesis i aisthesis, između ustroja autonomnog djelovanja i igre afekata specifičnih za reprezentativnu situaciju i samo za nju.“ (str. 109) Tragedija je univerzalna drama, svojevrsna bit svekolike književnosti od iskona Grka do suvremenosti, točnije do nastanka tehnosfere. Odgovor podaruje njezina estetska privlačnost koja se sastoji u tome da gledatelji volje promatrati na sceni događaj prepoznavanja onog što će njihove junake ili aktere radnje dovesti do strašne spoznaje nemogućnosti dosezanja istine kao smisla slobode, jednakosti, pravednosti, prijateljstva i ljubavi bez singularnosti egzistencijalne žrtve. Stoga samo u tragediji može doći do njezine posljednje svrhe koja leži u etičkome osjećaju kolektivnoga pročišćenja i/ili iskupljenja ꟷ katarze i mesijanstva. Da, problem je postojanja tragedije u metafizičkome dvojstvu ljudskoga (ne)znanja o prvim uzrocima i posljednjim svrhama onto-teo-kozmo-antropološkoga ustroja samoga življenja i onog znanja koje Ranciѐre velikodušno prepušta sferi Besmrtnika. Sokrat u svojem spoznajno-teorijskome činu prosvjećivanja Drugoga polazi od neznanja o samome sebi. Zato ga vodi njegov demon. Da zna, izbjegao bi kušnju svoje izloženosti procesu protiv njega da kvari atensku mladež prema lažnoj optužbi oligarha i bio bi olimpski bog. Ono što Ranciѐre naziva etičkim pathosom za znanjem čini se problematičnim sa stajališta logike i estetike, kantovski govoreći čistoga uma i moći suđenja. Znanje je uvijek znanje o nečemu, noezis koji ne konstruira svoju noemu iz logike tehnoznanstvene konstrukcije kao što se to događa danas u laboratorijima eksperimentiranja s nastankom novih materijala i novih još-ne-postojećih objekata. Umjesto ovog autopoietičkoga znanja koje je nužno sintetičko i otuda ne može imati nikakvu etičku validnost, tragedija se pojavljuje svagda kao ograničeno znanje o osjetilnosti unutar granica izvornog zajedničkoga svijeta (polis-politeia). Za razumijevanje odnosa između ethosa i političkoga-politike unutar modela reprezentacije slike kao znanja o poretku koji povezuje smrtnike i besmrtnike jasno je da Aristotel svoju Poetiku ne može smjestiti u kozmopolitski predak Kantova republikanskoga prosvjetiteljstva, a nekmoli u kaotično stanje unutar kojeg Hobbesov Levijatan predstavlja model države koji štiti privatne interese građana-državljana u zamjenu za njihovu etičku poslušnost nadređenim zakonima koji održavaju metastabilni poredak teritorijalne suverenosti nacije-države. Nema nikakvog kvazi-temelja na kojem bi kralj Edip mogao prijeći granice grčke paideiae i zavičajnosti polisa i postao židovski nomad koji luta pustinjom poput Ahasvera u potrazi za istinom o svojem zlu usudu. Zato je istina reprezentacije etičkoga pathosa za znanjem određena iz političkoga zahtjeva za slobodnom, jednakom i pravednom zajednicom. Okvir ili matrica grčke tragedije je etička istina onog što pripada biti političkoga-politike, a ne obratno. Čitati Aristotelovu Poetiku bez Nikomahove etike, a ovo djelo bez Politike moguće je, doduše, ali nećemo razumjeti kako i zašto tragedija ne uči rezignaciji, već aktivnome odnosu spram života uopće. Ovo tvrdi izričito Nietzsche u svojim zapisima iz Ostavštine. Problem je u tome što je svaka povijesna epoha u svojoj dovršenosti bitna granica na kojoj se zaustavlja etičko-politička partikularnost tragedije. Ono što je univerzalno za njezinu protežnost izvan granica grčkoga polisa i u prostornome i u temporalnome smislu nije uopće znanje o bitku, bićima i biti čovjeka. Univerzalno je ono što se pojavljuje kao ljudsko-suviše-ljudsko. To je čisti estetski osjećaj supatnje i suosjećaja s Drugim kao žrtvom iz položaja onog što Ranciѐre u jednoj drugoj svojoj knjizi naziva emancipiranim gledateljem. Tko je to, kakva konceptualna sablast suvremenoga doba ravnodušna na etičko-političke igre pobune i revolucije društva na ishodu povijesti? To je posljednja granica Ranciѐreove težnje za estetsko-političkom spoznajnom biti umjetnosti u doba kad „reprezentacija neljudskoga“ odnosi prevagu nad svime drugime u svijetu uopće. Ono što ovaj izraz čini nedjelotvornim i „drvenim željezom“, a rabi ga u pretposljednjem odjeljku petog poglavlja knjige Sudbina slika jest ono što nije promišljeno u ovome etičko-političkome obratu kraja metafizike. Već sam o tome kazivao u posljednjem poglavlju svoje knjige Sloboda bez moći: Politika u mreži entropije, Bijeli val, Zagreb, 2013. Ukratko, Ranciѐre ne vidi kako je kraj tragedije i umjetnosti ono što nadilazi svaki etičko-politički i svaki emancipacijski doseg filozofije u suočenju s biti tehnosfere. Nestaju temeljni pojmovi estetike neprikazivoga bez kojeg nema uvida u bit tragedije ꟷ mimesis i reprezentacija. Znanje gubi svoj etički pathos jer nema više diobe osjetilnosti na sferu smrtnika i Besmrtnika, već samo pathos spekulativno-refleksivne moći mišljenja kao vizualizacije kontingentnoga događaja iz nadolazeće budućnosti. Sjetimo se Spielbergova SF-filma Minority Report. U njemu glavni junak kojeg igra Tom Cruise unaprijed racionalno-probabilistički zna da će Drugi biti ubojica ako mu se to dopusti i stoga ga pravodobno eliminira iz igre. Ima još jedan sjajan izraz za ovo što pripada biti tehnosfere, a nećete vjerovati, skovao ga je Ranko Marinković u romanu Kiklop. Intelektualac don Fernando ispred zgrade HNK iznosi glavnom liku Melkioru Tresiću svoju teoriju preventivne dehumanizacije ili ukidanja tragedije skepsom. Zar sada nije posve bjelodano kako od skepse apsolutno znanje ili znanje novoga apsoluta u suvremenosti ukida i smisao povijesno-epohalnoga sustegnuća vremena koje je još moglo uživati u patnji Drugoga i supatnji/suosjećaju s njihovim patnjama. Zato nam velike tragedije i dan-danas svima više govore o onome što nije bit tragedije, a što od romantike postaje nezaobilazni demon umjetnosti kao života ꟷ estetski patos žrtvovanja za egzistencijalnu slobodu vlastite sudbine. Na početku bijaše zajednica, a na kraju individuum. Oboje su u doba društava kontrole nadomješteni slikom i brojem onoga što nadilazi biološki ustroj života i Antigone i Hekube i Oresta i Edipa. Žrtvovati se za Druge više nema smisla. Tako ni ni umjetnost više nema svojeg posljednjeg metafizičkoga opravdanja. Pogledajte na ekran i uživajte u izvedbama ne više pseudo-glumaca grčkih tragedija, već sintetičkih figura stvorenih programima AI i sve će Vam biti jasno. Cioran u Brevijaru poraženih kaže i ovo: Budi cvijet u čijoj stabljici čami umorna munja. Čeznutljivo slušaj mračne melodije i u svojim nevinim tminama bdij nad oporavkom demona.

October 21, 2024
Odlazak i povratak

Odlazak i povratak

Grci su naša sudbina, izvor osmišljavanja svijeta i najava njegove propasti. Sve je već u doba „Republike genijalnih“, kako ih je nazvao Schopenhauer, stvoreno i odigrano, čitava povijest ideja kao sjedinjenja jezika i slike. Filozofija nakon njih je pad najviše moguće razine, mračno doba kršćanske skolastike, a nakon toga put u znanstveno-tehnološku singularnost bez povratka u istinu bitka, kako je to jasno pokazao Heidegger u svojim predavanjima/raspravama nakon njegova temeljnoga djela Bitak i vrijeme. Književnost koja u sebi sabire tragediju i komediju poslanstva i rasapa bitka od mita, spjeva, poezije i drame, zatvoreni je krug savršene igre koju ocrtavaju heroji i heroine, simbolički arhetipovi svekolike ljudske civilizacije. Naša suvremenost koju ponajbolje povijesno-epohalno ocrtavaju misaone figure Nietzschea, Kierkegaarda i Marxa zbog fundamentalnih ideja uobličenih u pojmove nihilizma i volje za moć, estetsko-etičko-religiozne egzistencije singularnoga pojedinca, te prakse rada kao znanstvene povijesti kako Sutlić pogađa u bit Marxova projekta nadolazeće budućnosti realiziranoga „komunizma“, u znaku je tri najvažnije misaono-životne figure iz drevnoga grčkoga svijeta mita-tragedije-soteriologije. To su Edip, Antigona i Odisej kojeg, što bi iziskivalo posebnu filozofijsko-filologijsku raspru, nazivamo zbog najznačajnijeg romana 20. stoljeća, Joyceova Uliksa, njegovim latinskim imenom. Zar to nije jedinstveni slučaj da je latinitet ili rimsko nasljeđe u tumačenju Homerova spjeva Odiseja polazeći od njegova „subjekta“, kralja Itake i najmudrijeg Grka u helenskome ratnom pohodu na Troju, prevladalo ono izvorno grčko. Neću ovdje analizirati, međutim, ni značenje Edipa za modernu kulturu kroz Freudovu psihoanalizu, a niti dalekosežnu moć oslobađanja istine u liku žene kao što je to Antigona za sve što u 21. stoljeću smjera konačnome priznanju „onome vječno ženskome“ ne više iz perspektive „muških fantazija“, već iz nesvodljivosti najveće tragične žrtve povijesti kao što su to žene bez kojih ne postoji ovaj svijet. Ostavit ćemo taj problem za neko drugo razmatranje: zašto Edip unatoč svojeg tragično nesvjesnoga nije heroj zapadnjačke povijesti, već je to samo i jedino za sva vremena Antigona? Kao što je svima poznato, a da nikad nisu imali u rukama Homerov spjev o povratku Odiseja iz ratom opustošene Troje u svoju žuđenu domaju i zavičaj ꟷ Nijemci to pastoralno-poetski nazivaju Heimat i ta riječ divno zvuči samo u Hölderlinovim odama i elegijama, ali ne i u militarnome poklonstvu „krvi i tlu“ ꟷ drugi odlučujući spjev zapadnjačke civilizacije fantastičan je prikaz-predstava ne odlaska znamenitoga Itačanina u imperijalno posezanje za tuđim teritorijem zbog glupog povoda kao što je otimanje žene, doduše, najljepše na svijetu/Grčkoj, već povratka lukavoga ratnika i njegove preostale družine sveudilj egejsko-jonskoga mora i vjerojatno Jadranskoga, jer nema Mljeta bez nimfe Kalipso i njezine ljubavi spram začaranoga Uliksa. Nema povratka bez ideje odlaska. Povratak je svrha ili telos udesa/poslanstva metafizičkoga putovanja, a odlazak je ozbiljenje prvoga uzroka. Putovanje, dakle, kao ključni pojam/slika ljudske neizvjesne pustolovine u ovome svijetu uvijek pretpostavlja dvoje: događaj nastanka uzroka zbog čega se to sve uopće zbiva, a ne ostaje u vječitoj nepomućenosti i dosadi trajanja (nunc stans) te povratka na mjesto odlaska kao posljednje svrhe ili cilja kretanja. Putovanje je pojam/slika izvorne vremenosti koje se sabire u ekstazama ili dimenzijama prošlosti, sadašnjosti i budućnosti. Istinski putnici kroz vrijeme nisu vjerski hodočasnici koji putuju već uvijek označenim putovima, već moreplovci i pustinjski nomadi. Samo oni mogu upravljati svojom sudbinom, jer ih ništa ne određuje apriorno, deterministički, čak i kad iz naslijeđena iskustva znaju lokacije u oceanima (otoci, podzemne struje, bezdani) ili pustinjama (oaze, zakopani gradovi u pijesku, tajna dina). Da bi putovanje od-do, u smislu odlaska i dolaska imalo smisla, potrebno je da čovjek ne zna svoju sudbinu i da u tom činu osvajanja prostora u vremenu protjecanja bitka samoga postoje rizici i neizvjesnosti, neodređenosti i struktura iskonskoga ili suvremenoga kaosa (nered i odstupanje od reda). Sve je stoga putovanje i putovanje čini bit svega. More i pustinja su pritom granični prostori i prostranstva onog što pripada biti zemlje/Zemlje. I nije nimalo začudno zašto je filozofijska usmjerenost Gillesa Deleuzea u njegovim djelima od Razlike i ponavljanja do Tisuću platoa prožeto ovim misterijem čiste imanencije. Uostalom, on i nastanak grčke filozofije u polisu i sav patos Homerovih epova s temeljnim pojmom Odiseje kao lutanja, a ne putovanja, određuje iz ovosvjetovne „virtualne aktualizacije“. Ipak, valja podsjetiti da je Heidegger u predavanju o Anaksimadru i eshatologiji Zapada već naslutio pukotine u metafizičkome shvaćanju povijesti. Na jednom mjestu zbog toga i spominje mogućnost da povijest kao putovanje nije ništa jednoznačno i samorazumljivo poslanstvo bitka kojemu čovjek „služi“ kao mjerodavni namjesnik. Postoji ta čudovišna mogućnost da povijest od osmišljavanja bitka postane bludnja ili posvemašnje lutanje kao vrtoglavi kaos zbivanja. No, je li to misaono i duhovno-povijesno „skretanje s puta“ uistinu i kontingentno mišljenje na putu transverzalnoga uvida u ono nadolazeće, neka ostaje ovdje pitanjem. Evo, pao je vodeći pojam/slika postmetafizike uopće, a nalazi se eksplicitno u svim mojim knjigama s vrhuncem auto-poietičko-biografske Knjige lutanja: Pisma, razgovori, zapisi (Litteris, Zagreb, 2024). Lutanje je, naime, bit odisejstva, jer Uliks u Homera, pa čak i u Joycea, ne odlazi nekamo gdje je već bio ili nije bio s težnjom viđenja neviđenoga, neodredljivog i nenadanog događaja. Uliks više ne putuje kao što je to činio kad je na prevaru i nužno morao biti dijelom Agamemnonove vojne na Troju kao mudri, lukavi i dični Grk. Usput, znate li nekoga iz mitsko-epskog okružja Ilijade tko se odlučno, samosvjesno i herojski suprotstavio ovoj ideji osvajanja Troje kao amoralno-političkome činu helenskoga proto-imperijalizma u želji za vladanjem nad Malom Azijom? Ako ga i ima, on je posvemašnji marginalac, autsajder, prokazani neprijatelj polisa i ideje vječne Grčke, nitko i ništa koji ne zaslužuje ni Homerov epitaf u kakvoj sveopćoj fusnoti beščašća. Lutanje označava bit našeg udesa koji više nema u sebi nikakva višeg smisla i eshatološke iluzije i fikcije. Lutati znači tražiti mjesto-u-svijetu koje još nije pogođeno iskustvom „transcendentalne okupacije“ života, pa su stoga lutalice i nomadi putnici kroz vrijeme koje ne možemo više imenovati tzv. svjetskim putnicima. Oni su globalno-planetarni turistički posjetitelji egzotičnih mjesta na Zemlji i ništa više. (v. Žarko Paić, „Zemljovidi za lutalice: Nomadizam i kaos kraja povijesti“, u: Zaokret, Litteris, Zagreb, 2009. https://darkocvijetic.blogspot.com/2016/07/zemljovidi-za-lutalice-zarko-paic.html Isto tako: https://zurnal.info/clanak/bezglave-lutalice-nomadizam-je-cool-ali-nomadi-su-primitivni/17965) Odiseja na engleskome jeziku jest jedino i samo ono što stoji u naslovu najgenijalnijeg filma-ideja uopće, a ne tek 20. stoljeća, Kubrickove 2001: Odiseje u svemiru. Postoji, naravno, ontologijsko-temporalni problem u ideji ovoga filma, a on se sastoji u tome što je ideja kozmičko-planetarnoga putovanja zapravo lutanje kao povratak na ishodišnu točku, ne prostora Zemlje, već rađanja živoga bića Čovjeka koji samo u stalnome putovanju svemirom postaje istinsko „zvjezdano dijete“, posthumani stvor čiste umjetne inteligencije i božanstvene metafizike kao misterija uma kao takvoga. Uliks ima smisla samo kroz onih deset godina lutanja nemirnim i kaotičnim morima na kojima susreće ljepotu i užas, nimfe i kiklope, Kirku i svoje sudrugove pretvorene u prasce, već spomenutu mljetsku Kalipso o čemu je divnu poemu u mladenaštvu ispjevao Mak Dizdar, te naposljetku mladu princezu Nausikaju prije ulitimativnoga povratka na Itaku svojoj vjernoj Penelopi i etičko-političkoj dužnosti da pokolje sve te pohotne i pijane prosce i uspostavi novi red u starom polisu do kraja svijeta. U suvremenoj filozofiji ima jedno sjajno tumačenje Homerova Odiseja i njegova duhovno-povijesnoga lika u razlici spram biblijskoga, židovskog Abrahama. Naime, Derrida u analizi Lévinasovove ontologije stranca kao Drugoga, na jednom mjestu pokazuje kako Odisej predstavlja figuru slobode kao putovanja i traganja za smislom koji nije izvan zavičajnoga prostora zajednice (polis-politeia), već se nalazi u samome iskonu svijeta i zato svako putovanje nužno pretpostavlja i povratak u zavičajnu luku smisla bitka. Abraham, kao figura vječnoga židovskoga lutalačkog života, ujedno je tragična figura jer luta pustinjom u potrazi za novim Edenom. I ta je sudbina židovstva ono što vječno označava nadu u nadolazeću budućnost. Uliks, dakle, označava smislenu prošlost svijeta kao arhajski zov povijesti baš onako kako to Novalis, romantični njemački filozof-pjesnik, kazuje o biti filozofije. Filozofija je čežnja za iskonom i težnja da se posvuda bude kao kod svoje kuće. Joyceov Uliks krajnje je i kontingentno sažimanje iskustva vremena u prostoru jednog zavičajnoga grada kao što to bijaše irski Dublin iz kojeg je pisac dragovoljno otišao poput vječnoga nomada i nikad se više u njega nije vratio. No, sve što je napisao nosi pečat slikotvornosti ovog Grada koji ujedno sjedinjuje arhetipsku čežnju za iskonskom postojbinom i ujedno težnju da se na nomadskim lutanjima svojeg duhovnoga života posvuda bude kao kod svoje kuće. Je li to za Joycea i njegovu Noru bila i Pula, nisam siguran, jer koliko znam to je za autora Portreta umjetnika u mladosti bilo jedno od najtjeskobnijih iskustava života u europskim provincijama, od Züricha do Trsta. Kad god sam sa svojim prijateljem Miodragom Kalčićem Kinom iz Pule, koji o tom boravku irskoga anti-Uliksa zna uistinu sve i više od toga, u pubu „James Joyce“ kod Zlatnih vrata pričao o putovanju-lutanju uz putnu kriglu nelošeg lokalnog piva, uvijek smo obojica imali neku nelagodu ne zbog nas, već zbog njega. Ali spašava ga od čudovišne književne letargije u ovom rimskome provincijalnom gradu posljednja rečenica iz pisma njegovu bratu u Dublin, kojeg neprestano moli da mu žurno šalje novac na adresu Via Medolina 7. Evo tog epitafa moderne subjektivnosti, dragi moji „uliksisti“ i đojsovski pasionirani tragači za posljednjim opuškom Velikog Meštra Finneganova bdjenja, pa slobodno izvršite po tisućiti put neuspješni ritualni seppuku iz patološke ljubomore na Njega. Dosegao sam najveće dubine impersonalnosti. Lutanje je, dakle, postala implozija zgusnute vječnosti jer bez povratka na ishodišno mjesto makar u snovima i tvornici vlastitih tlapnji nema povijesti. Znao je to i sam Odisej/Uliks kad se vraćao na „svoju“ Itaku, koja više nije bila ista topologija bitka, da to opet kažemo pojmom Heideggera, već neko drugo mjesto i lokacija u-prostoru, ali ipak mjesto ukorijenjenosti u zavičaj, pa makar i izgubljeni kao u naslovu jedne izvrsne knjige Slobodana Novaka. Derridin, pak, Abraham na svojem lutanju nema ovu opsesiju, jer ukorijenjenosti u tlo pustinje nema i ne može je biti. Nema zato bolje izreke o tom sudbinskome nomadizmu životu od one Cioranove, iako on sam kaže da je to samo palimpsest drevne tibetske mudrosti: Domovina je logorovanje u pustinji. Kad čitam Homera i njegovu Odiseju iz ne znam kojeg razloga na pameti mi je druga verzija Uliksova povratka. Ona koja ima u sebi anti-lutalačko značenje, što u prijevodu na slikovni jezik znači ovo. Uliks je doplovio kući na Itaku. Prepoznao ga je njegov slijepi pas i mrzovoljni ribari s Komiže u falkuši od zlata koji mu nikad neće zaboraviti iz muškog ponosa kako je zaveo nimfu Kalipso na Mljetu, a oni ni uz veličajne darove i silnu žudnju baš ništa. Kad je shvatio u hipu da je povratak u zavičaj puka fantazija o tome da ga ovdje čeka spokojstvo i vječnost uz pehare meda i vina, s prvim brodom za Nigdje odlutao je samotan u nepoznato. Kad čitam Joyceova Uliksa vrti mi se u glavi od 24 sata dosadnoga Dublina i jedino što me uspavljuje u blaženstvu zaborava jest ispovijest ili solilokvij Molly Bloom u kojem žestokim jezikom „muškoga diskursa“ traži svoje pravo na orgazam bez povijesti. Što preostaje od ideje putovanja kao lutanja bez povratka na ishodišno mjesto vlastite tragedije? Ništa drugo negoli ovaj jezik traume i slobode, na kojem sanjamo i umiremo, u kojem se rađamo poput Uliksove nerođene djece iz utrobe Kirke i fikcija kiklopskoga podzemlja, ozareni srećom da smo još uvijek na nekom svojem putovanju kao lutanju kroz morske tjesnace i pustinjske prijevoje ove lutajuće zvijezde koja se polako gasi, ali s mjerom u bezmjerju svega što još uvijek jest.

October 20, 2024
Izgnanstvo u pisanju

Izgnanstvo u pisanju

Ovako to na svoj način narogušeno i cinično, protiv svih drugih koji bi čak uključujući i jednog Ciorana od tzv. velike teme „pisca u izgnanstvu“ htjeli načiniti svojevrsni anti-kult onog koji cijeni više okrutnu samoću življenja izvan „svoje zemlje“ negoli priznanje s distance u „svojoj zemlji“, iskazuje Witold Gombrowicz u Posmrtnoj autobiografiji, Fraktura, Zaprešić, 2014., str. 314. S poljskoga preveo Mladen Martić. „Zahvalan sam Najvišemu što me izvukao iz Poljske, kada se moja književna situacija počela poboljšavati, i prebacio na američko tlo, u strani jezik, u samoću, u svježinu anonimnosti, u zemlju bogatiju kravama nego umjetnošću. Led ravnodušnosti tako dobro konzervira gordost.“ Časopis Tvrđa koji sam pokrenuo 2000. godine imao je za svoju glavnu temu upravo problematiziranje pisanja i života intelektualaca u izgnanstvu. Egzil (lat. exsilium ili exilium), riječ se odnosi na progonstvo čovjeka izvan svoje domovine. To je čin slanja neke osobe u izgnanstvo, odnosno prisilni boravak izvan nekog mjesta, najčešće izvan domovine. No, pojam domovine valja razumjeti u dva značenja: jedan je politički i odnosi se na teritorijalno protezanje nacije-države s jasnim granicama, a drugi je etičko-metafizički i pogađa napuštanje ne samo prostora svojeg habitusa, već i svekolike ukorijenjenosti u tradiciju vlastita naroda s njegovim moćnim imaginarijem jezika, pisma, pojedinačnoga i skupnoga sjećanja. Nadalje, to je i mjesto gdje živi prognanik kao i dobrovoljan odlazak iz domovine iz političkih, moralnih ili vjerskih razloga. Povijesno su bili poznati razni oblici egzila: vječno progonstvo, izgnanstvo do smrti (exsilium perpetuum), potom privremeno progonstvo (exsilium temporale), kao i dragovoljno progonstvo (exsilium voluntarium). Uvijek je ova tema obavijena nekom začudnom etičko-političkom aurom dvoznačne melankolije i katarze. Sjeta označava ono što izvorno pripada metafizičkome osjećaju ideje egzila i što se neprestano ponavlja u zlokobnim vremenima vladavine etničkoga nacionalizma danas i ubuduće zato što pisac dobro zna ono što je najbolje znao jedan iznimni egzilant u 20. stoljeću kakav bje Hermann Broch: da se naime, izgnanik, više nikad ne vraća kući. Poput Anti-Uliksa, njegova je životno-misaona sudbina da zauvijek ostaje ondje gdje je izgnan ili gdje proživljava u drugome jeziku i kulturi svoju posvemašnju drugost i iskustvo tuđinca. Gombrowicz je nastojao na sve načine racionalizirati patetiku, ali ne i neizbježni patos ove divlje melankolije, ali nije mogao izbjeći faktičnost svojeg izgnanstva. Riječ je o činjenici da je baš on, u svojoj singularnosti, poljski pisac i protiv svoje volje ne može postati nikakav ne-poljski pisac, pa mu preostaje ono najuzvišenije uopće. A to je najbolje formulirao Lawrence Durrell u romanu Aleksandrijski kvartet kroz lik diplomata, umjetnika života i cinika Pursewardena, koji kaže na jednom mjestu kako „pravi domoljub mora kreativno mrziti svoju domovinu“. Katarza u slučaju položaja pisca u izgnanstvu nije stvar pisaca, već njihovih čitatelja i kritičkih tumača. Od možda i prvog slučaja u povijesti pisaca u izgnanstvu kao što je to bio slučaj rimskoga pjesnika Ovidija, koji je svoje Metamorfoze pisao na zabačenome otoku Tome u Crnome moru nakon što ga je ondje prognao rimski car August kao „disidenta“ i „neprijatelja državnoga poretka“, pa sve do mnogih sličnih primjera u suvremenosti (od Josifa Brodskoga do Mirka Kovača, primjerice), uvijek se susrećemo s paradoksom jezika kao diskurzivnoga stranca/tuđinca u svijetu kojemu pisac podaruje svoj drugi identitet, onog tko se mora naučiti podnositi svoje novo nedragovoljno ili, pak, izabrano tuđinstvo. Melankolija je, dakle, oslobađanje ili pročišćenje prostora-vremena književnosti za nužan oblik izdvojenosti i nemogućnosti povratka u prošlost, u ono doba „kad je željeti još pomagalo“. Suptilne razlike u naravi i strukturi jezika Drugoga nikad nisu nešto univerzalno, već partikularno. Jer, priznat ćemo, Gombrowicz nije počeo pisati na španjolskome za kulturnu elitu egzotične argentinske publike, već je svoju radikalnu negaciju poljskosti i poljskoga nacionalizma i kvazi-kulture prakticirao na poljskome i kasnije na jezicima na kojem su prevodili njegove romane, drame, eseje i najbolje što je ikad napisao uopće, njegov Dnevnik (1953-1961.). U njegovu slučaju, uvijek je kao i Joyce imao za svoja tematska ishodišta „svoju zemlju“ i njezino prokletstvo, a ne zemlju „bogatiju kravama nego umjetnošću“. Paradoks je pisca u izgnanstvu otuda u tome što je njegov predmet književne melankolije i katarze svagda onaj koji nije „ovdje“ i „sada“ opredmećen, već se nalazi u fikciji i iluziji vječne sadašnjosti prostora-i-vremena odakle je morao otići, svojom ili tuđom voljom. Zbog toga je položaj suvremenoga pisca u 21. stoljeću upravo onaj koji bismo mogli odrediti parafrazom plovila kojim je Gombrowicz otputovao u Argentinu i slučajem postao disident i izgnanik iz Poljske jer je baš za vrijeme putovanja tog prekooceanskoga broda za Ameriku nacistička Njemačka otpočela ratnu agresiju na njegovu domovinu. Pisac je danas u simboličkome položaju trans-Atlantika i sva je njegova stvarna ili apokrifna sudbina stranca/tuđinca u drugoj zemlji i kulturi neutralizirana i suspendirana činjenicom da je samo jedan jezik postao placentom i tobolcem univerzalne „ljudske sudbine“. Kako više nemamo posla sa „svijetom“, već s globalno-planetarnim Groβraumom u kojem je engleski jezik pragmatičko sredstvo tehničke komunikacije, tako je danas preostalo samo jedno, ali stoga ne manje čudovišno i nelagodno, ono što bismo nazvali njemačkom riječju Unheimlich, fundamentalno iskustvo pisanja i slobode u gordoj samoći ne-pripadanja urođenoj „domovini“. To je iskustvo izgnanstva u pisanju za koje vrijedi apsolutno ono što je Theodor W. Adorno u 51. fragmentu Minima Moralie zapisao i upisao u povijest svakog budućega izgnanstva čovjeka u svijetu. „Tko domovine više nema, tome čak i pisanje postaje prebivalištem.“

October 19, 2024
Romantika i sekularizacija

Romantika i sekularizacija

Najznačajniji i najlucidniji politički mislilac 20. stoljeća, uz Hannah Arendt, Franza Neumanna i Lea Straussa, jest onaj koji svjetonazorno pripada desničarskim pokretima, rojalizmu i antisemitizmu. Naravno, riječ je o njemačkome ustavnome pravniku i politologu Carlu Schmittu, autoru ključnih i ujedno spornih djela kao što su Pojam političkoga, Politička teologija, Politička romantika i Nomos zemlje. U mojim knjigama Sloboda bez moći: Politika u mreži entropije iz 2013. godine, potom u Doba oligarhije: od informacijske ekonomije do politike događaja iz 2017., te Nemezisu: Aporije političkoga i politike iz 2022. iscrpno sam se bavio njegovim teorijskim uspostavljanjem novoga razumijevanja političkoga i politike nakon kraja filozofije politike. Nema nikakve dvojbe da je Schmitt začetnik teorije političkoga okazionalizma i kontingencije u političkome mišljenju i političkoj znanosti moderne i postmoderne, jer umjesto metafizičke „velike priče“ o vladavini dobra kao ozbiljenja slobode, jednakosti i pravednosti od Platona do Kanta i Hegela dekonstruira čitav ovaj model eshatologije na zemlji s vodećom postavkom kako je ono političko čisti polemos ili sukob prijatelja-neprijatelja u prostoru vladavine nacija-država i carstava u okviru „velikoga prostora“ (Groβraum), a politika način odlučivanja koje prethodi svakoj mogućoj normi i zakonu. Odluka je pritom egzistencijalno određenje ljudske slobode u nastojanju da se Drugoga potčini vlastitoj volji za moć milom ili silom. Stoga političko ili pojam države ima ontologijski i logičko-povijesni primat nad svim drugim odredbama ljudskoga bića u zajednici i nadilazi granice onog što pripada području društva i društvenosti uopće. Nije to, međutim, u načelu ništa drukčije na prvi pogled od zahtjeva Platona i Aristotela za umnom i dobrom zajednicom (politeia) koja u svim formama vladavine, pa čak i u onoj koju nisu zagovarali ni jedan od navedenih, a to je demokracija zbog vladavine naroda kao mnoštva (polloi), može biti znamenovana najuzvišenijim ljudskim postignućem, umijećem, teorijskim i praktičkim znanjem i to zato što se bavi fluidnim iskustvom ljudske egzistencije kao zajedništva. Ali, temeljna je razlika u tome što Schmitt uzima u obzir ono „realističko“ u biti političkoga i politike, a sve „idealističko“ premješta i razmješta u područje posvemašnje neodređenosti i slučaja. To znači da ne postoji za njega nikakav vječan, postojan, esencijalistički način mišljenja onog što je još Aristotel odredio kao bit čovjeka polazeći od njegove umne i govorne navlastitosti naspram svih drugih bića (zoon logon echon ili animal rationale). Usporedimo li Schmittovo shvaćanje političkoga i politike i ono koje je kao političko mišljenje nastojala izgraditi Hannah Arendt, vidjet ćemo kako je autorica Izvora totalitarizma „idealizirala“ Sokrata i izvornu grčku demokraciju, te u analogiji pokušavala dospjeti do mudre i pravedne zajednice pomirbom liberalnoga svjetonazora i svojevrsne deliberativne politike koja ima svoj cilj ne u sferi mesijanstva i nadolazeće zajednice, već u borbi za vladavinom slobode u svim aspektima djelatnoga života (vita activa). Tome usuprot, Schmitt u svojem katoličkome okazionalizmu zagovara shvaćanje političkoga i politike kao sveze odluke i norme u onome što pripada poretku „izvanrednoga stanja“ (Ausnahmezustand) i to pronalazi u novovjekovnome mišljenju Thomasa Hobbesa. Otuda je za Schmitta najznačajnija knjiga u povijesti političkoga mišljenja Hobbesov Levijatan. Nikakve više fraze i fikcije o ljudskim slobodama ne mogu nadići horizont stvarnih borbi za vladavinom koja čovjeku podaruje ono što Agamben u čitanju Hobbesa naziva stasis ili izvanrednim stanjem zaštite ljudskih i građanskih prava u zamjenu za sigurnost ljudskoga opstanka pred silama prirodnoga stanja, a što bismo danas preveli kao stanja entropije i kaosa. Ono što preostaje od države kao stasisa ili poretka vladavine u kaosu različitih formi od diktature do demokracije jest pad u iznimnost i kontingenciju odluke pred zamrzavanjem u stanje normi i institucionalizirane depolitizacije. (Giorgio Agamben, Stasis: Civil War as a Political Paradigm, Stanford University Press, Stanford CA, 2015) Schmitt je mislilac političkoga i politike koji je „realistički“ pretkazao ne samo bit modernoga decizionizma u 20. stoljeću nakon iskustva totalitarizma i imperijalne vladavine Zapada u njezinome raspadu, već i kraj novovjekovne ideje nacije-države na čemu je oblikovana Europa i tzv. međunarodni poredak kolektivne sigurnosti. Ono što je jednog okorjelog antisemita i konzervativnoga revolucionara privuklo tako snažno mnogim teoretičarima s postmoderne ljevice krajem 20. stoljeća, na prvi pogled uistinu paradoksalno, poput Derride, Agambena, Nancyja, svakako se može pronaći u onome drugome temeljnome pojmu Schmittova okazionalizma i decizionizma. To je njegova „politička teologija“ s ključnom postavkom kako je ono moderno političko i politika ništa drugo negoli sekularizacija teologije u svim postojećim aspektima. Neću ovdje ponavljati moje analize iz navedenih knjiga, ali ću samo spomenuti da su najznačajniji Derridini prilozi pred kraj misaonoga života poput knjige Politike prijateljstva pokušaj kritičkoga razračunavanja sa Schmittovim idejama, navlastito onim u kojima se artikulira taj prijeporni i toliko nezaobilazan pojam izvanrednoga stanja te pojmovi koje je još na kraju 1920ih godina Schmitt izveo u kritici liberalizma i isušivanja smisla politike uopće kad je kazao da su procesi neutraliziranja i depolitizacije otpočeli s prosvjetiteljstvom, Francuskom revolucijom i industrijskim kapitalizmom. Politika je kao nesvodljiva djelatnost kontingencije čovjeka kao bića egzistencijalnoga odlučivanja o vlastitoj sudbini na taj način reducirana na ekonomiju, znanost, kulturu, dakle, sve ono što nema u sebi onaj izvorni tymos i polemos bez čega čovjek nužno zapada u stanje „animalizma“ i „ravnodušnosti“ spram života uopće. Schmitt je, budimo izričiti, baš kao i kasni Heidegger u suvremenu filozofiju, uveo u političku teoriju pojam događaja u smislu njegove nepredvidljiovosti, neodređenosti, nastanka novoga i mogućnosti svekolike promjene ne samo društva i države, već i bitka u cjelini. Carl Schmitt je pisac mnoštva knjiga ne samo iz političke teorije, već i iz analize grčkih tragedija, poput Hekube. Ono što je možda i najmisaonije u njegovu uvidu u bit modernosti sa svim popratnim posljedicama za život građanskoga društva i države nalazi se u spisu Politička romantika. Danas se može kazati da niegove analize iznova postaju „aktualne“ i da je unatoč neskrivenoj sklonosti da utemelji ono što postaje referencijalni okvir političkoga okazionalizma, a to je katolički „demokratski autoritarizam“, nešto posve neporecivo. Evo, što stoji u „Predgovoru“ Političke romantike. „Romantičan stav najjasnije se označava jednim neobičnim pojmom, a to je ocassio. On se može opisati predodžbama kao što su povod, prilika, možda i slučajnost. Ali svoje istinsko značenje on zadobiva kroz jedno proturječje: on niječe pojam cause, to jest stege jedne uzročnosti koja se može predvidjeti, ali onda i svako vezanje uz normu. Pojam je to koji rastače, jer ništa što životu i zbivanju daje konzekventnost i red – bila to mehanička predvidljivost uzročnosti bila to svrhovita ili normativna povezanost ꟷ ne može se uskladiti s predodžbom samo okazionalnoga. Gdje prigodno i slučajno postaje principom, nastaje velika nadmoć nad takvim vezama. (…) …u Malebranchovoj filozofiji, Bog je posljednja, apsolutna instanca…Taj karakteristično okazionalni stav može ostati, a da u isti mah na mjesto Boga kao najviše instanca i mjerodavan čimbenik stupi nešto drugo, primjerice, država, narod, ili, pak, pojedinačni subjekt. Potonje je slučaj u romantici. Stoga sam predložio formulu: romantika je subjektivni okazionalizam, to jest u romantičnom se romantični subjekt odnosi prema svijetu kao prema povodu i prilici svoje romantične produktivnosti.“ (str. 22) Politička romantika se, dakle, mora razumjeti kao događaj nesvodljive egzistencijalne slobode nastanka „novoga“ polazeći od prigode ili povoda nečega što se mora misliti autonomno. Bog, doduše, preostaje i nadalje, ali ne kao deterministički uzročnik svekolika zbivanja kojeg čovjek samo oponaša i postupa po njegovim zakonitostima. Schmitt ovdje ne iznosi nikakvu blasfemiju time što svoju političku teoriju zasniva kroz kartezijanstvo jedne teologije događaja i kroz autonomiju egzistencijalne slobode koja omogućuje odluku. Okazionalizam plus decizionizam=politički (religiozni) egzistencijalizam, zar ne? No, zašto je to „politička romantika“? Zato što romantika pretpostavlja nastanak estetiziranja života kroz dvije ideje koje su odredile bit umjetnosti u 19. stoljeću, te su u filozofijskoj estetici prisutne i nadalje, naravno na posve drukčiji način u doba tehnosfere. (vidi: Žarko Paić, Treća zemlja: Tehnosfera i umjetnost, Litteris, Zagreb, 2014) To su ideje „umjetničke religije“ (Kunstreligion) i „cjelovitoga umjetničkog djela“ (Gesamtkustwerk). Kad se ovo ima u vidu, možemo razabrati kako je podrijetlo suvremene reestetizacije kao repolitizacije umjetnosti u djelima Jacquesa Rancièrea, da paradoks bude potpun, ne tek u marksističkoj tradiciji mišljenja, već i „šmitovskoj“ koju je posebno cijenio vjerojatno i najznačajniji mislilac umjetnosti uz Heideggera u 20. stoljeću, nitko drugo negoli Walter Benjamin. Njegovo pismo zahvale Schmittu povodom pisanja Benjaminove glavne estetičke rasprave Podrijetlo njemačke žalobne igre (Trauerspiel) iz 1928. godine ostaje čak do danas više od svojevrsnoga „ideologijskoga ekscesa“, jer je suptilni pisac „melankolije ljevice“ bez ustručavanja priznao Schmittu da je njegovu postavku o prevođenju/nadomještanju teologije s politikom u moderno doba nadopunio prevođenjem/nadomještanjem teologije s estetikom. Tako je nastao najznačajniji prijepor uopće u suvremenosti koji pokazuje da je svako depolitiziranje događaj neutraliziranja biti samoga života ljudske egzistencijalne drame. Uostalom, ono dramatsko, ponajviše tragično, obilježava i estetiku Benjamina u tzv. Trauerspeielu i političko i politiku Schmitta u svim njegovim djelima. Romantika je nastanak novoga događaja koji mijenja čitav etičko-politički poredak, premda je njezin poraz u mišljenju suvremenosti ujedno i poraz svake apologije teologijsko-političkoga događaja koji se naposljetku svodi na lažne nade, proigrane utopije i pseudo-mesijanstva „nadolazeće budućnosti“. Ipak, preostaje još nešto iznimno provokativno u Schmittovoj analizi romantike kao sveze estetike i politike. To je nadasve u pojmu sekularizacije bez čega njegova postavka o prevođenju/nadomještanju svetoga sa svjetovnim u najširem smislu djelovanja u svijetu modernosti ne bi imala vjerodostojnost od Benjamina do Agambena i dalje. Schmitt, naime, pokazuje kako se na razini fenomena sve za „modernoga čovjeka“ zbiva u tom procesu sekularizacije. Bog silazi s prijestolja i ne iščezava u potpunosti, već se prerušava u nove oblike profanoga djelovanja. Često se ovaj proces prevođenja/nadomještanja pojavljuje i kao nešto što povezuje misterij Kristove transsupstancijacije s događajem masmedijskoga spektakla. No, Schmitt je u svojoj analizi naprosto nedoljiv kad kaže da se „Crkva nadomješta kazalištem, da se religija tretira kao građa za kazališne komade ili opere, a bogomolja kao muzej; da umjetnik u modernom društvu bar kod svoje publike sociološki obnaša određene, često komično izobličene funkcije svećenika te da struju emocija koje pripadaju svećeniku okreće na svoju genijalnu privatnu osobu; da nastaju poezija koja živi od kultnih i liturgijskih odjeka i sjećanja i baca ih u profanost, i glazba o kojoj Baudelaire gotovo apokaliptički kaže: onda izdubljuje nebo. (…) Romantika je subjektivirani okazionalizam…¨“ (str. 23) Sve je ovdje postavljeno besprijekorno. Novo u političkoj romantici postaje njezin suviše-estetski dodatak koji proizlazi iz sekularizacije teologijskoga sadržaja politike u doba koje je zapravo neodređeno, i to je temeljni problem ne samo Schmitta, već i Agambena u njegovu političkome mišljenju tzv. postfundacionalizma. Kakvo je to „izvorno“ značenje koje političkome podaruje smisao, ako je Schmittov „dualizam“ kojeg misli u razlici sv. Augustina i njegove Božje i ljudske države (svete i svjetovne) ništa drugo negoli relativna autonomija političkoga i politike, ali ne i apsolutiziranje pojma koji svoje značenje dobiva iz egzistencijalne sudbine čovjeka i njegova djelovanja? Problem je, dakle, u tome što je ovo područje neodređenosti zapravo zaposjednuto idejom kršćanstva, točnije katoličke „političke teologije“. Bog se pojavljuje stoga na dva načina: kao odsutni Bog koji nema „političke“ aspiracije za djelovanjem, pa otuda imamo ovaj okazionalizam s podrijetlom u Malebranchea, te kao onaj koji se „miješa“ u profane stvari ljudskoga djelovanja i stalo mu je da politički poretci budu izvan dosega marksizma i liberalizma, već da budu sukladni tradiciji i konzervativizmu s modernim značajkama decizionizma bez kojeg ne postoji mogućnost da čovjek uopće može ozbiljiti svoju „bit“ i „poslanstvo“ na Zemlji. Svetost života je postmetafizički mišljeni prostor djelovanja. On se nalazi u doba kršćanskoga srednjovjekovlja i iz tog se duhovnoga horizonta, a ne iz grčke perspektive, valja misliti proces sekularizacije kojim političko postaje ono što bijaše teologijskim. Koliko je ova tradicija u modernoj zapadnjačkoj politici neprevladana dostatno svjedoči povratak Boga u povijest i politiku i to kroz niz antiprosvjetiteljskih pokreta. Konzervativna se revolucija 1920ih godina u Njemačkoj koja nije posve nužno preduvjet za nastanak nacizma, iznova postaje nezaobilazni politički fenomen kao i svojevrsna Schmittova nova aktualnost u kontekstu „novoga totalitarizma“ danas, Međutim, problem nije riješen, jer proces prevođenja/nadomještanja svetoga sa svjetovnim mora prijeći granice upravo ove „političke romantike“ o čemu je briljantno pisao Schmitt još 1919. godine. Prijeći granice znači otvoriti pitanje o smislu ne više političkoga okazionalizma, jer jasno je da je sve postalo danas povod ili prigoda za kontrarevoluciju, za spektakl terora i za povratak fundamentalizma u 21. stoljeću, nego političkoga decizionizma. Pitanje koje zacijelo prelazi granice Schmittova mišljenja, iako je nakon Nomosa zemlje i prepiske s Alexandreom Kojèveom 1950ih godina i sam ozbiljno počeo sumnjati u smisao političkoga djelovanja na kraju epohe nacije-države, jest: zašto ni najradikalnije odlučivanje u okviru Groβrauma „danas“ ne može preokrenuti metafizičko osmišljavanje Zemlje bez suočenja s biti tehnosfere kao autopoiesisa? Pitanje nije „romantično“, već možda čak i „sudbonosno“ za svako buduće razumijevanje političkoga i politike. No, nemojmo zaboraviti da je Schmitt u ovom spisu iz 1919. godine kad se još uvelike govorilo o diskursu „revolucije“ i „kontrarevolucije“ svoj istančani smisao za politiku kao spektakularan događaj velike drame kao moderne tragedije završio tako što je podsjetio na još jedan „veliki izum“ romantike. Znate li koji? Onaj koji su posebno voljeli najveći mislioci postmetafizike 19. stoljeća, sva trojica na svoj način: Kierkegaard, Nietzsche i Marx. To je ꟷ ironija. Nije li ironično da je od „političke romantike“ još ono jedino preostalo upravo to, naime, događaj bez prve i posljednje odluke, slučaj jedne nužnosti da se od smisla politike načini farsa ili lakrdija na kraju povijesti. No, to više nije Schmittova analiza Hekube, već možda ono što bi Monty Python Flying Circus odredili kao something completely different.

October 19, 2024
Junaci iz privatne mitologije

Junaci iz privatne mitologije

Ponajprije i najposljednije, pojam „privatne mitologije“ potječe iz razgovora S. J. Witkiewicza s Brunom Schulzom, a objavljen je na hrvatskome u knjizi naslovljenoj Republika mašte, Litteris, Zagreb, 2015., str. 182. S poljskoga preveo Dalibor Blažina. Schulz, naime, objašnjava da je njegova najznamenitija knjiga Dućani cimetne boje „autobiografski roman“. Usto, nadovezuje se na Thomas Mannove Priče Jakovljeve, u kojima najznačajniji njemački pisac nakon Goethea pokazuje kako su sve priče zapravo „prasheme“, te se ponavljaju u novim vremenima. No, za razliku od Manna koji uzima za „prashemu“ vječne mitove Babilona i Egipta, Bruno Schulz je dekonstruktor ove u biti platonske kozmogonije i umjesto univerzalne povijesti kao zbirke priča o vječnome povratku iste „prasheme“ uvodi u književnu (post)modernost razliku i drugačijost kroz „privatnu mitologiju“ koja, naravno, mora imati i „vlastito mitsko rodoslovlje“ (str. 182) Eto, sve imamo pred sobom kao na dlanu. Može li biti išta ovdje još prijeporno? Kod Manna su priče nastavak „prashema“ u novome ruhu i svjedoče ono Isto koje se neprestano ponavlja. Tako je nekako i Marko Aurelije, rimski car i filozof, shvaćao povijest iz svojeg stoičkoga horizonta mišljenja: uvijek samo ono Isto (zlo) u krugu krugova, ali baš zbog toga kao svjedočanstvo vladavine univerzalnoga nad singularnim. Takva je povijest u načelu metafizičko pripovijedanje o jednom-te-istome iz perspektive života singularnih pojedinaca (ovo je Kierkegaardov izraz i nije posrijedi nikakav apsurd niti tautologija!). Oni su ozbiljenje ideja ili „prashema“, čak i kad im se čini da su njihovi životopisi i životi posve banalni, trivijalni, carstvo običnosti. A te i takve ideje određuju povijest čovječanstva polazeći od povijesti naroda i njihovih supstancijalnih dosega u mitu, religiji, umjetnosti, filozofiji i znanosti. Babilon, Egipat, Židovi i kraj povijesti s dolaskom Bogočovjeka (Isusa Krista) i njegova metafizičkoga poslanstva. Što usuprot tome ima značiti neka „privatna mitologija“ koju Bruno Schulz onako „skromno“ predlaže za razumijevanje njegova književnoga eksperimenta i inovacije u prozi 20. stoljeća? Odgovor je jednostavno taj da više ne možemo nastaviti s vjerom u božanstvenu eshatologiju svijeta u kojoj svako biće ima svoj smisao i položaj u svijetu koji nastaje prije njegova rođenja i zadan mu je sudbinom. Umjesto toga, u Schulzovim pripovijestima i onome što sam naziva „autobiografskim romanom“ susrećemo se s izokretanjem i skretanjem ovog metafizički kružno-linearnoga poretka. Kazano jezikom suvremene epistemologije, u Dućanu cimetne boje s Ocem-herezijarhom, sve je u znaku kontingencije i indeterminizma, onog što filozof kibernetike Gilbert Simondon naziva „metastabilnom ravnotežom“. Isto postaje Drugo/drukčije i neprestano se iz onostranosti premješta u začaranu ovostranost. Mitološki junaci nisu više „heroji“ koji poput Herakla odmah iz kolijevke tjeraju strah u kosti užasnim anakondama i strašnim veprovima, a nisu ni tragične „heroine“ koje poput Antigone završavaju svoj život posvećen ljubavi spram pravednosti da bi se zajednica vratila elementarnim suosjećajnostima življenja kao smisla bitka uopće. Ne, Schulzov je književni postupak tako antiherojski izveden da je s njime zapravo otvoren krivudavi put svih račvastih putešestvija i svih nomadski umnoženih lutanja svim mogućim svjetovima i to naprosto zato što umjesto Knjige kao Zakona uvodi u optjecaj suvremene književnosti knjigu kao „republiku mašte“ u kojoj njegovi kozmopolitsko-nacionalno-mitski građani i građanke suvereno vode „svoj“ mali, privatni život sa svim čarolijama i banalnostima dobra i zla. Narativni dekonstruktor iz poljske provincije, crtač opscenih prizora i žrtva nacističkoga pogroma Židova 1942. godine, otvorio je, dakle, prostor-vrijeme svijetu kao egzistencijalnome događaju onog što Derrida u Rubovima filozofije označava pojmom „bijele mitologije“. Privatni životi nisu ono što mislimo kad govorimo o iznimkama koje potvrđuju pravilo, već iznimkama koje stvaraju „nova“ pravila. Budimo ipak precizniji. Schulz nije razaratelj tradicije, pa tako niti velike mitsko-religijske povijesti koja je oblikovala i filozofiju i umjetnost Zapada. U njegovim esejima, pismima, pripovijestima i romanima svjedočimo onome što bismo mogli odrediti izokretanjem i skretanjem uspostavljenih granica unutar jedne fundamentalne matrice mišljenja i kazivanja, pa tako ono što bijaše kao u Mannovim Pričama Jakovljevim struktura zbivanja koja ima svoj prvi uzrok i posljednju svrhu u odnosu božansko-ljudske povijesti kao velike priče o pra-izvorima i podrijetlu, nastanku i oblikovanju svijeta prirode i čovjeka, to se u Schulzovim Dućanima cimetne boje razmješta kao svojevrsna dekonstelacija stanja stvari u prostor „fiktivne obitelji iz koje izvodim svoj istinski rod.“ (str. 183) Što to znači drugo negoli da je fikcija, mašta, izmišljanje važnije od svekolike traumatske stvarnosti. Živjeti u okrilju svoje „privatne mitologije“ znači napučiti svijet stvoren iz imaginarnoga likovima kao junacima iz teatrokratske iluzije koja nadilazi ono sve viđeno i sve iskazano jedinstvenim mitopoetskim jezikom kakvim je Schulz pisao svoja književna djela. Bez njegova jezika koji je sve drugo negoli „privatni jezik“, ništa ne bi bilo ni moguće, ni zbiljski, niti nužno. A taj jezik, o čemu možda ponajbolje svjedoči njegova pripovijest „Kometa“ iz 1938. godine, ulazi u područje dodira između fluidne naravi oslikavanja stvari u njihovoj metafizičkoj pojavnosti kao simbola i činjenica i neke opsjenarske igre kroz koju dolazi u svijet ono okultno kao blaženstvo ironije života izvan granica tegobne stvarnosti. Evo, ovako to zvuči i ostaje zauvijek urezano u papir. „U mračnom stanu samo je otac bio budan, tiho se šunjajući po sobama punim pijevnoga spavanja. Ponekad bi otvarao otvor dimnjaka i nasmiješen zavirivao u mračne ralje gdje je svjetlucavim snom spavao nasmiješeni Homunculus, zatočen u staklenoj ampuli, obasjan puninom svjetla kao neonom, već razriješen, precrtan, odložen među akte ꟷ arhivski broj u velikoj registraturi neba.“ (str. 63-64) No, tko su ti junaci iz privatne mitologije? To su svi oni koji pripadaju „svetoj obitelji“ jednog tragičnoga života, ali dostojnoga svake slike u sjećanju koje ostaje u tekstu i uzdiže u vječnost lik Oca, Majke, braće i sestara, čitavu genealogiju ljubavi i suosjećanja s bližnjim kao Drugim koji nas prati od djetinjstva kao zvijezda iskupljenja i kao zagonetka svekolike povijesti bila ona monumentalnih razmjera ili ona iz mikroskopskih motrišta. Sve se privatno utapa u još nešto naposljetku onkraj svake bijele mitologije rubnoga teksta ꟷ u čistu intimu jedne metafizičke opscenosti koju od javne sablazni čuva zastiranje samoga jezika, njegova uzvišenost i posvemašnja neiskazivost, jer tako mora biti.

October 18, 2024
Poručnik Broch 1909. u Zagrebu

Poručnik Broch 1909. u Zagrebu

Listopad je mjesečarski pir kestena i neumrle svjetlosti. Sve miriše na propast. Pod stubama noćna lampa sja i obasjava žene u grimizno crnome. Spuštamo se u podzemlje gdje još počivaju kosti inkvizitora i pougljene kose benediktinskih opatica. Objekti su uvijek iluzija pogleda. Ništa se nikad vratiti neće kao ni ova sumorna vječnost uz svijeće na Kamenitim vratima. Granice smo iscrtali pepelom i opalnom krvlju podanika. Zauzvrat, dobili su kolodvore i konjaničke skulpture na pustim trgovima. Tko je taj čovjek pred teškim nakovnjem od neobaroknih anđela i posudom od vremena iz koje crvi jedu zlatne jabuke? Poručnik Broch? Svi ovdje odslužuju neke besmislene kazne. Svi ovdje maglama iskupljuju ljubavne poraze, kukavičko samoljublje, povrijeđeni ponos ništica. Svi se ovdje nevješto bave psihom iz očaja. Neka zabilježeno bude još i ovo: – krajem listopada 1909. ovdje je boravio onaj koji će zapisati nakon Auschwitza da je čovjek smeće koje još samo stenje. Sloboda je novo čudovište. Poezija životari u bezdanu sjećanja. Sve miriše na mjesečarski pir listopada. Iz knjige URONJENI, Fraktura, Zaprešić, 2009.

October 17, 2024
Platonska ljubav i smrt

Platonska ljubav i smrt

Odmah želim na početku ovog razmatranja odnosa između Mahlerove glazbe i filmskoga uprizorenja novele Thomasa Manna Smrt u Veneciji u režiji velikana talijanske kinematografije Luchina Viscontija kazati sljedeće: to je jedan od najboljih filmova uopće u kojem se susreću na nesvodiv način kinematička slika, književnost i glazba. Mahlerov Adaigetto iz njegove fantastične i metafizički savršene V. Simfonije ovim je filmom dobio ono što ću nazvati sinestezijom ljepote, uzvišenosti i estetskoga mesijanizma u kojem smisao umjetnosti prevladava patnju i bol ljudske egzistencije. 1971. godine Luchino Visconti u filmu Smrt u Veneciji prikazao je čistu supstanciju znamenite novele Thomasa Manna. Zanimljivo je pritom da se to zbilo šezdeset godina nakon Mannova putovanja u Veneciju i dvadeset godina nakon što je s autorom romana Doktor Faustus razgovarao o smislu i tajnama ove novele nekoliko godina prije njegove smrti. Tom prigodom je navodno književnik rekao da je zapravo želio portretirati Gustava Mahlera u liku Gustava von Aschenbacha. (https://www.imdb.com/title/tt0067445/ Vidi o tome: Susanne Craemer, „Haunting Melody: Zur Bedeutung Gustav Mahlers für den Tod in Venedig und Morte a Venezia“, https://www.melusinapress.lu/read/zeitschrift-fur-interkulturelle-germanistik-4-jahrgang-2013-heft-1/section/dbf17325-94f4-4738-9e19-a4ae4841fcc2) Smrt u Veneciji (izvorni naziv: Morte a Venezia) u narativnome pogledu korelativno je djelo s Mannovom novelom, ali to nije mimetički prijepis teksta u filmskim slikama. Visconti prikazuje kako se Gustav von Aschenbach, kojeg tumači engleski glumac Dirk Bogarde, zaljubljuje u lijepog dječaka Tadzija tijekom svojeg odmora u Veneciji, potajno ga promatra i progoni te ne napušta ovaj fatalni i dekadentni grad unatoč koleri koja se širi i donosi užas smrtonosne agonije svijeta. Za razliku od novele, putnik u Viscontijevu filmu nije slavni pisac, već propali i oboljeli skladatelj. Visconti je Mannovu novelu na svoj stvaralački ingeniozan način uklopio u flashbackove, postavljajući pitanja o problemima umjetnika i estetici metafizičke glazbe. Detaljnim opisom Venecije, atmosfere dekadencije i propadanja te kasnoromantičarske glazbe Gustava Mahlera, ovaj višestruko nagrađivani, ali i nadasve prijeporan film kad je riječ o mogućnostima reprezentacije književnoga prosedea u mediju fima nedvojbeno je svojevrsni obrat u povijesti adaptacija književnih djela Thomasa Manna. Film je začaravajući sklop simbolike boja, uronjenost u krajolik i ozračje jednog grada estetske dekadencije za kojeg je već J. W. Goethe nepogrešivo odavno rekao da je to grad „skamenjene vječnosti“. Morte a Venezia imao je dodatni gotovo „pedagogijski“ učinak u popularnoj kulturi druge polovine 20. stoljeća. Doveo je, naime, do zamjetne popularizacije Mahlerove glazbe, a imao je i neprocjenjivi učinak u daljnjim nastojanjima sinteze velike književnosti i filmske umjetnosti. Sam je Dirk Bogarde izjavio kako mu je uloga rastrganoga i neurasteničnog čovjeka-umjetnika bila najviši vrhunac njegove umjetničke karijere. Björn Andrésen, glumac koji je utjelovio Tadzija, postao je svjetski poznat, ali je kasnije govorio o kobnim posljedicama svoje rane slave. Film otpočinje prolazom Aschenbachova broda preko mora, uz pratnju Adagietta iz Mahlerove V. Simfonije. Njegov Adagietto, koji se temelji na parafraziranju pjesme Friedricha Rückerta pod naslovom Izgubljen sam za svijet, ponavlja se uvijek iznova kroz cijeli film. Viscontijevo remek-djelo zaslužno je što je ova glazba postala jednim od skladateljevih najpoznatijih djela. Mahlerov biograf Jens Malte Fischer piše da je verzija snimljena posebno za film unatoč umjetnički “skromnoj” interpretaciji, pokrenula Mahlerov “pobjednički marš”. U knjizi Reinholda Pabsta Thomas Mann u Veneciji čitamo da je Visconti Adagietto učinio “identifikacijskom melodijom grada u laguni” i da se od tada pojavljuje kao glazbeni “gradski vodič” kroz Veneciju. (Reinhold Pabst, Thomas Mann in Venedig, Insel, Frankfurt a. M., 2004., str. 49.) “Kad slušamo Mahlerov Adagietto, svi vide Tadzija ispred sebe i plažu Lido” – kaže Michael Gielen. Ovaj učinak filma, iako se može točno opisati, temelji se ipak na obmani. U Viscontijevu filmu Tadzio na venecijanskoj plaži ne prati Adagietto, već Misteroso iz Mahlerove III. Simfonije u d-molu, koja poput sirene prenosi Aschenbachovu emociju dok Tadzio pleše pred njim na venecijanskoj plaži. Adagietto je, dakle, i melodija Aschenbachove kobne čežnje, ali prije svega melodija njegova dolaska “izgubljenog od svijeta”, a time i melodija njegove smrti u Veneciji, koja se uvijek iznova ponavlja: osobito dojmljivo u finalnim scenama filma, u kojoj dva nosača na ležaljci iznose pokojnika Aschenbacha uz pratnju Mahlerove božanstvene melodije iz Adagieta. Dakle, glazba umjesto ironije na kraju, točnije: ‘pogrebni marš’ umjesto ironičnog zbora ožalošćenih. Visconti u filmu Smrt u Veneciji konačno i neopozivo smjera onome o čemu se uvijek „šuškalo“, naime o latentnoj homoseksualnosti Thomasa Manna. Sve je istodobno transparentno i metafizički skriveno. U filmu je Aschenbach ostarjeli skladatelj koji je duboko fiksiran na dječaka. Ali, ova fiksiranost koju briljantno gestualizira i vizualizira Dirk Bogarde nije „od ovoga svijeta“. Umjetnik-skladatelj čija je patnja izražena kroz melodiju melankolične glazbe ljubav doživljava kao najveći mogući ideal savršenstva forme i ovjekovječene tjelesnosti. Zato je ljepota i uzvišenost koja emanira iz ovog filma rezultat Mahlerove glazbe, a ne slika kao takvih koje Visconti slaže u svoj magični kaleidoskop. Gotovo sam u kušnji kazati da s ovim filmom ulazimo u doba musical turna koji nadilazi granice linguistic i iconic turna. Bez glazbe koja doseže vrhunac osjećajnosti-osjetilnosti kao mesijanskoga događaja koji u sebi pohranjuje užitak i kontemplativnu patnju slike Venecije u timbru melankolije, ljepote i propasti ostale bi pukim vedutama, a ne živim ranama egzistencijalnoga sloma i uzdignuća nakon smrti Aschenbacha. Zar smrt skladatelja na kraju filma kojeg Bogarde uprizoruje svojim klonućem ne asocira na ironiju umjesto tragedije i zar upravo taj trenutak iščeznuća iz svijeta onog tko u svijet svojim stvaralaštvom unosi duh ljepote nije ujedno i odvajanje djela od njegova smrtnoga tvorca? Gustav von Aschenbach u Viscontijevu filmu zapravo uopće ne portretira Mahlera i to ni po čemu nije tzv. biografski film. Umjesto toga, Viscontijev Aschenbach može se znamenovati figuracijom Mannova projekta prevladavanja samoga sebe s Mahlerom. (Vidi o tome: Michael Chanan, „Mahler in Venice?“, Music & Musicians, lipanj 1971, obnovljeno 2000. https://www.mchanan.com/wp-content/uploads/2013/12/mahler-in-venice.pdf) Pritom je Adagietto stvaralački medij umjetničke ekspresije kojim Grad ljepote i smrti (erosa i thanatosa) postaje vizualizacijom Gesamtkunstwerka. Dopuštajući mu da se neprestano ponavlja i naposljetku postane pogrebni marš, što je krajnje blasfemično gledajući iz same glazbene strukture V. Simfonije, Visconti je Mahlerov “sablasni“ Adagietto u Cis–molu pretvorio u melodiju apsolutne dirljivosti koja progoni umjetnika i filmu podaruje jedinstveni Stimmung. Što to znači? Adagietto, četvrti stavak iz Mahlerove V. Simfonije koja sa Scherzom doseže „polifonijsku složenost“ (Stephen E. Hefling, „Song and symphony: (II) From Wunderhorn to Rückert and the middle-period symphonies: vocal and instrumental works for a new century“, u: Jeremy Barham, (prir.), The Cambridge Companion to Mahler, Cambridge University Press, Cambride-New York, 2007., str. 114.) i kao da je posrijedi ničeanski motiv koji se a što drugo negoli ponavlja jer je vječno vraćanje jednakoga struktura bitka kao bivanja i ima kozmologijsko-antropologijske značajke sveze neba i zemlje, zapravo je u filmu Smrt u Veneciji popratna glazba smrti umjetnika ꟷ kojemu su Thomas Mann i Luchino Visconti dodali neke od Mahlerovih psiho-estetskih značajki. Zato su i književni tekst i filmski uradak kreativni palimpsesti nečega što je samo uvjetno kazano kontingentni slučaj iznimke kao izvornika života skladatelja. Gustav Mahler je na svojoj V. Simfoniji radio nekoliko godina početkom 20. stoljeća. Praizvedba je održana pod njegovim vodstvom 1904. godine. Četvrti stavak pod nazivom “Vrlo polako” predstavlja osebujnu kvintensenciju u iznimno dubokome djelu. Za neke muzikologe ovaj pianissimo od gudača i harfe smatra se Mahlerovom odanom izjavom ljubavi njegovoj ženi Almi. Ali, isto tako, Luchino Visconti je šezdeset i sedam godina poslije ovom uzvišenom glazbom oslikao završni prizor susreta platonske ljubavi i smrti kroz ozračje savršene dekadencije na venecijanskome lidu u sunčanoj svjetlosti koja se polako gasi. Prema mjerodavnim teoretičarima glazbe i Mahlerovih simfonijskih ostvarenja, jednostavno objašnjenje za smisao Adaigetta u kontekstu V. Simfonije jest da je riječ o „ljubavnoj pjesmi“, dok sve „kulminira u transformaciji meditativnoga prolaza koji…povezuje i sporo gibanje IV. Simfonije te „Ich bin der Welt“, s tekstom „Živim samotan na svojem nebu, u svojoj ljubavi, u svojoj pjesmi“. (…) To je možda najerotičniji i najidealističniji trenutak u Mahlera uopće. Stoga, kao u Schopenhauera i Wagnera, eros i thanatos su za Mahlera binarne opreke.“ (Stephen E. Hefling, „Song and symphony: (II) From Wunderhorn to Rückert and the middle-period symphonies: vocal and instrumental works for a new century“, str. 118.) Viscontijev film Smrt u Veneciji pripada rijetkim događajima sinestezije vrhunske književnosti, glazbe i novog vizualnoga medija koji kao paradigmatski medij 20. stoljeća ima mogućnost ozvukovljenja života kao egzistencijalne drame daleko više negoli je to podareno kazališnoj umjetnosti. Štoviše, filmska priča koju razvija pokazuje nam da su prekretne forme književnoga pripovijedanja u ranome modernizmu, poput Mannovih i Kafkinih novela i parabola, primjerice, istinski okvir za filmsku estetizaciju. No, samo je ovaj Viscontijev film koji nije žanrovski određen kao glazbena drama dospio do granice postavljene između metafizičkoga dvojstva ovostranosti i onostranosti i to samo i jedino zahvaljujući redateljskoj invenciji koju, naravno, mnogi suvremeni skladatelji i muzikolozi mogu s tzv. stručne strane smatrati ili kolosalnim promašajem ili, još gore, dobrim primjerom „popularizacije klasične glazbe“ u kontekstu postmoderne kulture sinkretizma i eklektičnosti stilova. Oboje je posve promašeni stav o kakvoći i inventivnosti Viscontija. On je intuitivno, ali i krajnje promišljeno shvatio kako se bit (građanske) dekadencije veličajne moderne kulture europskoga duhovnoga kruga sabire u jednom fatalnome gradu kao simbolu vjekovne otmjene propasti i u glazbi posljednjeg velikoga skladatelja ideje apsolutne muzike koji formalno pripada post-impresionizmu i post-romantici. Ako je, dakle, Adagietto „ljubavna pjesma posvećena obožavanoj Almi Mahler“, onda je to samo jedna strana glazbenoga onirizma prepunog mesijanstva s estetskim nabojem, a ne etičkim u krajnoj konzekvenciji. Druga strana, ona metafizički uznosita i uzvišena, jest da je bit velike umjetnosti koja sjedinjuje ničeansku volju za moć kao vječno vraćanje jednakoga i onog što mislilac prevladavanja nihilizma naziva „stimulansom za život“, a to je poetska definicija umjetnosti, u ekstatičnome trenutku vječne ljubavi kao erosu i thanatosu. Visconti je Adagiettom ozvučio virtualni sjaj Venecije kao događaja zanosa i ekstaze kojom umjetnost nadilazi život slaveći njegove apolonske i dionizijske elemente jedne razlomljene cjeline koju uzaludno pokušava ponovno sastaviti želja za cjelovitim umjetničkim djelom (Gesamtkunstwerk). Ništa se u ovoj singularnoj kontingenciji estetski vođenoga života Gustava von Aschenbacha ne ponavlja osim fragmenata iz prošlosti u srazu s gradom koji u smrtonosnoj koleri propada u svoju bestemeljnost. Jedino autentično i stvaralačko ponavljanje od početka do kraja jest Mahlerov Adagietto kao istinski film posvemašnje dekadencije života. To je to. Mahlerova je glazba iz V. Simfonije zahvaljujući Viscontijevu filmu postala ono što je uvijek latentno i bila kao tajna metafizike u njezinome silaznome luku. Što drugo negoli sama bit umjetnosti kao događaja. Zbog toga sve iznova ima svoju nesvodivost i autonomiju samo polazeći od krhotina cjeline u težnji za sjedinjenjem umjetničke religije i cjelovitoga umjetničkog djela. Slika pokazuje svijet dekadencije Zapada na njegovu kraju povijesti. Književni tekst, pak, u vizualizaciji života zahtijeva prostor tihe imaginacije jer bez njega ništa ne bi bilo moguće, pa ni ovaj film na osnovu predloška vrhunske novele Thomasa Manna, Der Tod in Venedig. Glazba, naposljetku, nije potkopavanje veličine Mahlerove glazbe njezinim „profaniranjem“ i izvlačenjem iz simfonijskoga konteksta, već uzdizanje do novoga vrhunca u kojem se sve stapa kao integralni događaj sinestezije. I genijalni glumac Dirk Bogarde kao Gustav von Aschenbach, i apolonski lijep dječak Tadzi, i venecijanska plaža Lido i sablasni ples mrtvaca pod maskama, i zagasita svjetlost Grada koji na skamenjeni način povezuje Goethea, Manna, Mahlera i Viscontija, dok kao gledatelji ovog filma želimo da onaj božanski Adaigetto nikad ne okonča, baš nikad… Na kraju eseja O ljubavi Jose Ortega y Gasset piše: „Živimo u vrijeme univerzalnoga sumraka. Čitav jedan dio svijeta umirući tone obasjan svečanom agonijom. Već dotiče užarena plamena kugla hladan, zeleni rub svojeg nemirnoga groba. Ali ipak ostaje tračak svjetlosti… Lo sol sen va e vien la se ra; non v’ar resta te ma stu dia te il pas so, men tre che l’occiden te non s’an ne ra – Sunce zalazi, dolazi večer; Ne zaustavite se tu, već hod promatrajte sve dok i zapadno obzorje ne potamni.“ (José Ortega y Gasset, O ljubavi: meditacije, Svjetlost, Sarajevo, 1989., str. 35. S njemačkoga preveo S. Marojević.) (Ogled iz knjige ČEMU GLAZBA?, koju će objaviti Litteris 2025. godine)

October 16, 2024
Ima li još svjetske povijesti?

Ima li još svjetske povijesti?

O povijesti kao zbivanju i o historiji kao znanstvenome razmatranju njezinih zgoda i prigoda otpočinje se teorijski artikulirati ideja osmišljavanja kaosa samoga života već u antici, a kroz razdoblje srednjega vijeka Bog nadilazi svojom providnošću sve ono što je profano ljudsko poput države, dok tek s novim vijekom kao vijekom napretka i razvitka ljudske svijesti uokviruje se mogućnost, zbilja i nužnost jedne svjetske povijesti. Uostalom, što je ovo negoli govor o aktualnosti vremena kao ovjekovječenja dvaju načela modernoga svijeta: (1) vladavine znanja kao moći u prirodno-tehničkim i društveno-humanističkim znanostima i (2) samorefleksije ljudskoga stanja (human condition kako bi to kazala Hannah Arendt) kroz pojmovlje rada, jezika i života. 20. stoljeće je bio posljednji uzlazno-silazni stadij novovjekovne epohe i kraja ideje svjetske povijesti jer je s dva svjetska rata, tehnološkom apokalipsom bacanja atomske bombe u Japanu 1945. godine, Holokaustom te totalnim mobiliziranjem tehnologije desupstancijaliziran potencijal njezina nesmetana odvijanja u beskonačnost na istim pretpostavkama. Svjetska je povijest dospjela do samoozbiljenja u sintezi supstancije i subjekta u Hegelovoj filozofiji povijesti i to je aksiomatika kraja zapadnjačke metafizike. Svijet kao prostor-vrijeme razvitka ideje slobode u beskonačnome napredovanju svijesti kao samosvijesti nije tek rezultat prosvjetiteljskoga programa Rousseaua, Condorceta i navlastito Kanta. Posrijedi je odvajanje paradigme filozofije povijesti od matrice modernoga znanstvenoga redukcionizma kojim u 19. stoljeću, ne slučajno i razdoblju apsolutne vladavine kapitalizma što posvjedočuje i Marxov Kapital, nastaju posebne historijske znanosti o mnoštvu osamostaljenih predmeta, pa je već postalo samorazumljivo razlikovati ne samo u biti jezika ono povijesno od onoga historijskoga. Povijesno je zbivanje u sebi svagda pitanje o smislu i svrsi ovog događanja koje se pokazuje u dvije svoje pokretačke ekstaze ili dimenzije, a to su prošlost i sadašnjost. Historijsko je razmatranje povijesti uvijek i teorijsko-politički čin promišljanja razloga zašto se dogodilo nešto kao nešto, a možda se moglo dogoditi i drukčije od fakticiteta i s kojim posljedicama za sadašnjost. Vremenska ekstaza ili dimenzija budućnosti pripada ideji svjetske povijesti i to u svojoj bitnoj otvorenosti kao mogućnosti promjene ne samo sadašnjosti, već i prošlosti u smislu novoga tumačenja povijesnih zbivanja. Otuda budućnost iz primarne otvorenosti poprima i strukturu diskurzivne zatvorenosti jer je omeđena sustavom znanja o prošlosti na temelju apsolutiziranja sadašnjosti koja može biti u znaku posvemašnjeg iskrivljenja i zastranjenja znanstvene funkcije historije da weberovski vjeruje u objektivnost činjenica, a da ideologijske strasti u prosudbi otklanja kao pogrešnu strategiju oživljavanja povijesti u njezinoj nedovršenosti. Primjer današnjeg svenadirućega revizionizma i negacionizma u historiji koja se bavi Hrvatskom u 2. svjetskome ratu i u doba vladavine realnoga socijalizma s postavkama o tzv. pseudo-antifašizmu, nijekanju karaktera logora Jasenovac i relativiziranju krivnje na strani ustaškoga režima kojeg se proglašava „povijesnim ostvarenjem hrvatske države“ kao ideologijsko-političke perverzije dostatan je za potkrepu ove tvrdnje. Što uopće nakon svekolike revizije i negacije povijesnih činjenica osim uspostavljanja nove društvene svijesti u znaku prihvaćanja konzervativnih vrijednosti i ekstremnoga desničarskog populizma kao jedinog ispravnog puta u budućnost? Nema nikakve dvojbe: ideja svjetske povijesti je „danas“ u svim pojavnim oblicima ne samo postala nevjerodostojnom, već i ispražnjenom od svojeg izvornoga smisla. Razlog je jednostavan. Jer kad umjesto eshatologije i teleologije bitka, svrhe i smisla povijesti bio on shvaćen filozofijski ili teologijski, mitski ili mitopoetski, kad umjesto beskonačnoga usavršavanja uma u dosezanju slobode, jednakosti i pravednosti uz posredovanje nepolitičke vrline solidarnosti među ljudima u kozmopolitskome poretku svijeta vladaju pojmovi kaosa i entropije, kontingencije i emergencije, na djelu je posve drukčije shvaćanje povijesti od historije kao „buke i bijesa“ i historije kao uskladištenja post-istina u kibernetičkome sustavu informacija. Čini se da je upravo to stanje intervala i intermezza različitih svjetova vrlo precizno opisao filozof Karl Löwith u svojoj iznimnoj studiji Svjetska povijest i događanje spasa (A. Cesarec, Zagreb i „Svjetlost“, Sarajevo, 1990. S njemačkoga preveo Mario Vukić). Na kraju Uvoda autor nadahnjujuće za moje daljnje razmatranje ovog problema kaže: „Grčki historičari istražuju i pričaju povijesti koje su koncentrirane na velike političke događaje; crkveni oci razvijaju teologiju povijesti iz židovskog proroštva i kršćanske eshatologije, koja se orijentira na nadhistorijske događaje stvaranja, inkarnacije, suda i iskupljenja; moderni je čovjek smislio jednu filozofiju povijesti pošto je sekularizirao teološke principe u smislu napretka ka iskupljenju i primijenio ih na stalno rastući broj empirijskih znanja, koja dovode u pitanje jedinstvo svjetske povijesti kao i njen napredak. Čini se kao da su obje velike koncepcije antike i kršćanstva, cikličkog kretanja i eshatološkog postignuća iscrpile temeljne mogućnosti razumijevanja povijesti. I noviji pokušaji tumačenja povijesti nisu ništa drugo do varijacije ova dva principa ili njihovo miješanje.“ (str. 46) Ako, dakle, ono moguće treće rješenje kad je riječ o svjetskoj povijesti uopće nije moguće u svojem pozitivitetu, već se sve danas u historiziranju povijesti odvija kao „varijacije ova dva principa ili njihovo miješanje“, kamo dalje sa znanošću o povijesti nakon kraja svih propalih filozofija povijesti? Samo da spomenem da sam o tome promišljao i pisao u nizu knjiga i analitički ulazio u filozofijske probleme tzv. posthistorije od Alexandrea Kojèvea do Hermanna Lübbea, od Alaina Badioua do Michela de Certeaua, od Michela Foucaulta do Giannija Vattima i drugih mjerodavnih mislilaca suvremenosti. Problem nije tek u nemogućnosti nastanka onog što nije ni filozofija povijesti ni teologija događanja nadhistorijskih zbivanja, isto tako nije ni teodiceja ni pozitivističko nabrajanje činjenica koje se uvijek prerađuju na kraju iz nekog posljednjeg ideologijsko-političkoga motrišta bilo da je riječ o spoznajnome relativizmu ili ontologijskome realizmu. U svakom slučaju pitanje o smislu svjetske povijesti već je uvijek, rekao bi Heidegger, jedno metafizičko pitanje jer pretpostavlja neko shvaćanje „smisla“ i određeno shvaćanje „povijesti“. Čak i nihilistički tzv. historizmi i historicizmi, među koje Deleuze i Guattari u spisu Što je filozofija? ubrajaju osim Hegela neočekivano i Heideggera zbog njegove misli o „drugome početku“ i obratu ili preokretu metafizike Zapada što je u faktičkome „svjetonazoru“ i ideologijsko-političkome rješenju ovog problema okončalo s Heideggerovom blizinom nacizmu i antisemitizmu (kakav je paradigmatski slučaj njegova frajburškoga Rektorata 1934. godine), nisu daleko od miješanja dva načela koje Löwith prepoznaje u antičkome i srednjovjekovno-kršćanskome konceptu ideje povijesti. Sve je to utkano u pojam i ideju svjetske povijesti od početka do kraja. Dakle, povijest nije apsolut u smislu vječnosti i ireverzibilnosti vremena. Povijest, u hrvatskome jeziku, sjedinjuje ono metafizičko u poslanstvu vijesti o smislu bitka kao „radosne vijesti“, ali istodobno i ono što Vanja Sutlić u jednom od svojih posljednjih zapisa naziva „svetim i lijepim udesom“, u smislu nabačaja povijesnih mogućnosti, čime pokazuje da je povijesno događanje zgoda u kojoj svagda postoji i odgoda i prigoda za otvorenost novoga. Naravno, svjetska povijest je i sama povijesno-epohalni udes/poslanstvo/sudbina i iščezava na horizontu mišljenja i osmišljavanja bitka onda kad je duhovni bitak svjetske epohe prestao biti djelotvoran kao što je to bilo s grčkom, srednjovjekovnom i modernom poviješću. Ono što nakon tog „kraja povijesti“ preostaje jest čuvanje tragova pred dolaskom „mračnoga doba“ koje više nema pred sobom ideju slobode kao u Hegela i njegove „filozofije svjetske povijesti“, već samo ono što je u znaku posthistorjjske borbe na život-i-smrt carstava moći u „velikome prostoru“ (Groβraumu), kako Carl Schmitt određuje bit geopolitike nakon kraja koncepta nacije-države. Time se Löwithova dijagnoza „kraja ideje svjetske povijesti“ uistinu realizira, jer to više ni po čemu ne pripada ni eshatologiji ni teleologiji onog što povijest ipak nepromijenjeno označava: ideju spasa u izvornome i mesijanskome značenju. Nije slučajno Heidegger u svojem posljednjem, testamentarnome razgovoru o njegovu povijesnome mišljenju smisla bitka u doba vladavine postava (Gestell) gotovo „zavapio“: Samo nas još jedan bog može spasiti. Svjetske povijesti više nema jer je realizirana metafizika istinski kraj povijesti u nihilizmu onog što Vanja Sutlić u analizi Marxova historijskoga materijalizma naziva praksom rada kao znanstvenom poviješću. Moja je postavka na ovom tragu izvedena izričito u knjizi Nihilizam i suvremenost – Na Nietzscheovu tragu (Litteris, Zagreb, 2021.) i svodi se na sljedeće. Tehnosfera kao realizirana kibernetika u svojim bitnim dosezima pretpostavlja kraj povijesti kao mogućnost otvorenosti jedne posve drukčije „povijesti“ koja umjesto metafizički shvaćenoga „svijeta“ uvodi u misaoni optjecaj pojmove i kategorije informacije-povratne sprege-kontrole-komunikacije i umjesto poslanstva i „svetog i lijepoga udesa“ prelazi u prostor-vrijeme čistih kontingencija i emergentnoga kaosa. To između ostaloga znači da umjesto teodiceje svjetske povijesti ulazimo u doba tehnodiceje globalno-planetarnoga lutanja svjetovima s temeljnim obratom u shvaćanju „smisla povijesti“. U povijesti kao ireverzibilnome putu spram tehnološke singularnosti nema više ničega ni izvornoga ni eshatologijskoga, već samo intervala i intermezza između dva događaja kao stanja koje određuje trijada računanja-planiranja-konstrukcije u logici autopoiesisa umjetne inteligencije. Umjesto mesijanske nužnosti ideje svjetske povijesti sada je na djelu probabilizam slučaja koji se određuje kao virtualna aktualizacija događaja. Zbogom „smislu bitka“ i njegovu zaboravu! Krećemo se na svojim putovanjima ne više spram konačnoga cilja povijesti, već lutamo da to kažem mitopoetski iskazom Budhe Sidharte „kao jedini nosoroga rog“ u transverzalnim fraktalima onog za što još nemamo izraz jer to nije ni povijest ni historija. Taj prostor-vrijeme lutanja „Velikoga Trećega“ onkraj „smislene avanture svjetske povijesti“ otvoreno je i zatvoreno gibanje koje u tendenciji ima svoj kraj u posthumanome stanju OMEGA-točke vječne singularnosti. Svjetska je povijest iza nas i zato je ovo vrijeme apsolutnoga rizika, neizvjesnosti i tehnološkoga nihilizma. Drukčije biti ne može. Lako je bilo citirati onako olako Hölderlina iz elegije Patmos za svaki budući „kraj povijesti“: Gdje raste opasnost, raste i ono spasonosno. Ali, dosta je bilo metafizičkih utjeha. Jer spasonosno nije više u poslanstvu povijesti, već u odluci da nas više ništa ne spašava od vlastite propasti osim onog mišljenja koje počiva u bezrazložnosti slobode i njezine nesvodivosti na bilo kakav mrtvi historizam povijesti.

October 15, 2024
Prosvjetiteljstvo i njegove posljednje riječi

Prosvjetiteljstvo i njegove posljednje riječi

Vrijeme je da prosvjetiteljstvu nakon dugih godina radikalne kritike njegovih normativno-postulatornih promašaja u moderno doba apsolutne vladavine znanosti i tehnologije u 20. stoljeću, a sve to otpočinje s Nietzscheom, račva se u jednom smjeru s Adornom i Horkheimerom i njihovom Dijalektikom prosvjetiteljstva, a u drugom doseže vrhunac s Heideggerovom kritikom zapadnjačke metafizike što u francsukoj postmoderni nasljeđuju Derrida, Deleuze i Foucault, vratimo dostojanstvo i ustvrdimo: pa nije to uopće bilo tako „loše“. Štoviše, što suprotstaviti ovom mahnitome antriprosvjetiteljstvu metapolitičkih desničarskih zahtjeva za povratkom tzv. tradicionalnim vrijednostima od plemensko-rodovske zajednice do političkih teologija i novoga totalitarizma? Zar postoji nešto drugo unatoč različitim pseudosintezama metafizike i mistike krvi i tla, konzervativizma i postfašizma koje proklinju modernost i njegovu bitnu pretpostavku kao što je to sekularizacija u političkome smislu od Francuske revolucije do danas? Prosvjetiteljstvo je početak velike epohe filozofije uma i klasičnoga njemačkog idealizma i za svoje geslo ima ono isto što je bila i Sokratova maksima: spoznaj samoga sebe. No, spoznaja vlastita subjekta nije tek neutralan čin samoosvještavanja bez izravnog upliva na promjenu čitavog sklopa vladavine u onome što pripada društvu, državi i sferi običajnosti ili Habermasovim rječnikom kazano diskursne etike demokratski konstituirane zajednice. Najveći je mislilac prosvjetiteljstva Immanuel Kant, a najveći mislilac-pisac Johan Wofgang Goethe. Ostavimo sve druge razloge za ovu tvrdnju i usmjerimo se na ono jedino bitno iz njihova mišljenja, pisanja i javnoga djelovanja. To je da s njima tek nastaje ideja i mogućnost ozbiljenja dvije temeljne ideje modernosti uopće: svijet i povijest polazeći od umnoga utemeljenja slobode. Za Kanta je nužnost prosvjetiteljstva zasnovana u ideji kozmopolitskoga poretka kao svijeta (Welt) koji nadilazi uskost i ograničenost nacije-države kao najvećeg dostignuća političke tvorbe modernosti, Za Goethea je književnost kao sredstvo-svrha razvitka ljudske samosvijesti kao slobode jedino opravdana kao ideja u tvorbi svjetske književnosti (Weltliteratur). Kantov kategorički imperativ najrigoroznija je etička formula ljudske povijesti i otuda norma preteže nad zbiljskim mogućnostima usavršavanja ljudskih vrlina u svijetu konfliktnih strasti i svekolike moći interesa koji vode čovjeka u njegovoj povijesnoj sudbini. Goetheova je ideja svjetske književnosti naposljetku lijepi ideal kao i Kantov „vječni mir“ bez kojeg svjetska povijest pada u najmračniji bezdan užasa zato što je i pojam svijeta i književnosti ono apstraktno, doduše univerzalno, koje se ne može ostvariti bez radikalne uspostave „svjetskoga jezika“, a to je kako vidimo danas postao ne njemački niti francuski jezik (nacija-država koje su bile u duhovnome smislu avangarda prosvjetiteljstva), već engleski jezik u njegovu tehničkome vidu pragmatičnosti značenja. Svijet je, pak, od umnoga konstrukta filozofije i umjetnosti, nadasve književnosti, danas sveden na globalno-planetarni poredak kojim vladaju subjekti/akteri postimperijalne suverenosti koju je predvidio i artikulirao najveći mislilac političkoga i politike u 20. stoljeću, njemački pravnik Carl Schmitt, njegovim pojmom Groβrauma u kojem geopolitika prethodi svim fikcijama i iluzijama demokratske deliberacije i ravnopravnosti velikih i malih država u prostoru odlučivanja. Tako je zapravo antiprosvjetiteljstvo u 21. stoljeću u svojem realističkome i brutalno geopolitičkome vidu jedina prava stvarnost života, a ne nikakvi postulati „vječnoga mira“ i Weltliteratur. No, rekli smo da je dosta ponavljanja onog što je faktičko stanje i govori o onome što je u naslovu odlične knjige hrvatskoga filozofa i politologa Davora Rodina, Poraz prosvjetiteljstva (Naklada Breza, Zagreb, 2012). Umjesto toga, pokušajmo dati novu heurističku vrijednost onome što su i Kant i Goethe najavili svojim misaonim pregnućima. A to je da je svjetska povijest u bitnom smislu ne puko zbivanje bez glave i repa, ali isto tako niti slijepa sudbina predodređenosti u smislu teodiceje kao milosti božje providnosti koja i najgore i najnečuvenije zlo, poput Auschwitza, Kolime, Ruande, smatra nekim čovjeku nespoznatljivim sublimnim sredstvom za ideju konačnoga iskupljenja njegovih iskonskih grijeha. Nema nikakve dvojbe da obojica velikih Nijemaca nisu ni „realisti“ niti „nominalisti“ , niti skeptički dogmatici niti, pak, oni koji „vjeruju“ u čisti slučaj i druge ne-umnosti kontingencije i teorije determinističkoga kaosa. Poput svojih racionalnih grčkih prethodnika, njihov je „transcendentalni sokratizam“ (Kant) i „kozmopolitsko mesijanstvo“ (Goethe) sekularizirani događaj vjere u smisao svjetske povijesti koja proizlazi iz usmjerenosti ljudskoga djelovanja kao biti slobode kojom upravlja um, a ne mahnitost, dobro, a ne zlo. Goetheov Faust nije književna analogija Kantovoj Kritici praktičnoga uma i Kritici moći suđenja, već moderna drama samooslobađanja duha znanosti i vjernosti istini kroz borbu s načelom zla u povijesti (Mefisto). Stoga svjetska povijest nužno ima dva značenja: ono faktično i kontingentno u smislu praktične stvarnosti kojim vlada načelo utilitarnosti i pragmatike znanja kao tehničkoga umijeća i ono postulatorno, normativno, ono što krasi političku filozofiju od Platona do Hegela i može se znamenovati težnjom ili željom za ozbiljenjem ideje dobra u kontekstu prosvjetiteljskoga doba kao trijade: (1) znanstveno-tehničkoga napretka i razvitka ljudske samosvijesti; (2) oslobađanja od religiozno-političkih stega i utega despocije i tiranije i stvaranje republikanskoga poretka demokratske vladavine uma u povijesti; (3) usmjerenosti spram nadolazeće budućnosti kao beskonačnoga usavršavanja najumnijih i najpravednijih instrumenata kojim se ljudska sloboda približava ideji Boga kao postulata svjetske povijesti, ne i njezina pokretača i skrivenoga načela u biti sekularne vladavine. Imao je pravo otuda Oswald Spengler da je zapravo ono veličajno u zapadnjačkoj povijesti kao ozbiljenju metafizike ono faustovsko što podaruje čovjeku dostojanstvo i stimulans za beskonačno stvaralaštvo kao bit čovjeka. Ne možemo prestati misliti ovu „utopijsku“ konstantu svjetske povijesti i kad smo posve uvjereni da je to neka vrsta post-metafizičke utjehe nalik kršćanskoj vjeri za koju Ludwig Wittgenstein u jednom fragmentu kaže da je utjeha za ljude u neizmjernoj patnji. Misliti „prosvjetiteljski“ ne znači biti mjesečar i fantast u svijetu apsolutne vladavine računanja-planiranja-konstrukcije kao biti tehnosfere. Naprotiv, misliti „prosvjetiteljski“ znači u sebi razviti iluminacije, onu čistu svjetlost racionalne intuicije koja razlikuje bitno od nebitnoga, viziju od programa. Nije li znakovito da su i Kant i Goethe u svojim posljednjim riječima prije smrti izrekli bit prosvjetiteljske iluminacije kao najvećeg dosega mišljenja i kazivanja u doba odagnuća svih dogmatizama i opsjena ljudske kozmičke gluposti i želje za pokornošću pred moći autoriteta. Kant je kazao „Dobro je“ (Es gut.), a Goethe „Više svjetla!“ (Mehr Licht!). Dobro je platonska vrhovna ideja koja vlada svijetom u postojanosti i vječnosti, dok je svjetlo bit ideje Dobra kao sveze slobode i uma. Eto, ima još toliko toga što zaslužuje dobro mišljenje i svjetlost kazivanja, filozofiju i književnost kao svetkovinu logosa u ovom i nadolazećem vremenu budućnosti. Čitati Kanta i Goethea znači uživati u apsolutnoj težnji k mudrosti i ljepoti ovog svijeta i mogućih drugih svjetova kao ozbiljenja načela: Više slobode! (Mehr Freiheit!)

October 14, 2024
Ekstaza gologa života

Ekstaza gologa života

Krenimo odmah izravno u glavu. Već sam u knjizi Sfere egzistencije: Tri studije o Kierkegaardu (Matica hrvatska, Zagreb, 2017.) ustvrdio da je pojam egzistencije koji je zapravo religioznoga podrijetla i otuda na paradoksalan način bit modernosti kao singularnoga življenja individuuma izgubio svoju vjerodostojnost u doba tehnosfere. Dakle, zbogom Kierkegaardu i njegovim „strepnjama i strahovima“, jer je upravo on u svojim djelima „izumio“ ovaj pojam i podario mu estetsko-etičko-religioznu transcendenciju. No, budimo dokraja pošteni i kažimo i ovo: zbogom i Heideggeru i njegovoj glavnoj postavci iz razdoblja Bitka i vremena (Sein und Zeita) o tome da je bit tubitka (Dasein) u njegovoj egzistenciji. Ne okolišajmo: tubitak je destruirani izraz tradicionalne ontologije i stoji „tu“ umjesto čovjeka koji je već od Aristotela i skolastike, a osobito od Descartesa do filozofske antropologije u 20. stoljeću mišljen svagda kao subjektnost subjekta. Bit egzistencije nije ništa drugo negoli sloboda. Ali, problem je u tome što je bit slobode u bezrazložnosti egzistencije, pa i Jaspers i Sartre (filozof egzistencije i egzistencijalist) moraju neprestano ukazivati na kontingentne mogućnosti i ograničene nužnosti ozbiljenja ove slobode u izvanjskome svijetu. U suočenju s biti moderne tehnike, koju Heidegger 1950ih godina naziva njemačkim izrazom za postav (Gestell), postaje razvidno da ta toliko opjevana oda slobodi moderne egzistencije, koja dakako prethodi esenciji ili biti čovjeka, više nije mjerodavna za ono što se događa u relaciji čovjeka i svijeta. Heidegger 1970. godine u protokolu seminara o Heraklitu sa svojim fenomenologijskim učenikom Eugenom Finkom zaključuje da je suvremenost realizacija filozofije kao metafizike u kibernetici. Na taj način odnos čovjeka i svijeta gubi bilo kakvu subjektno-objektnu bit transcendencije i sve se svodi na „kibernetiziranje“ onoga što omogućuje odnos čovjeka i svijeta, a to može biti samo ono što je Heidegger, doduše, naslutio, ali ne i više od toga. Posrijedi je vladavina tehnosfere kao autopoiesisa kroz trijadu računanja-planiranja-konstrukcije događaja, a ne više eshatologijsko poslanstvo „smisla bitka“ u otvorenosti povijesnih epoha. No, što je to „egzistencija“? Kakvo je njezino pravo značenje? Židovski teolog i filozof Jacob Taubes u svojem životnome djelu Zapadna eshatologija (Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2009. S njemačkoga preveo Dalibor Davidović) o tome govori na pregnantan način sljedeće. „Egzistencija znači, na jednoj strani, isto što i ekstaza, ova grčki, ona latinski. No, egzistencija također znači, u izrazu ‘gola egzistencija’, i minimum vegetiranja. Između maksimuma, ekstaze, i minimuma, gole egzistencije, prostire se interval ljudskoga života. Gore Hegelove ekstaze unižava se u dolje gole egzistencije u Marxa i Kierkegaarda. Ekstazu Hegelove ljubavi rastjerala je nužnost egzistencije ꟷ tjeskoba i krivnja (Kierkegaard), glad i bijeda (Marx), očaj i smrt. Maksimum i minimum apsolutne su veličine, i kao takve kraj. Hegelova filozofija i Marxovo i Kierkegaardovo proroštvo završavaju razderani u suprotnosti između gore i dolje, unutar i izvan. Povijest vremena proživljuju kao napetost prema ovome kraju.“ (str. 242) Čak i ako Taubesu otklonimo da u Marxa, pa ni u Kierkegaarda nije posrijedi „proroštvo“, već prije ono što bi Alan Badiou nazvao „antifilozofijom“, a Vanja Sutlić bi u pogledu Marxa rabio izraz ozbiljenje filozofije kao metafizike, u smislu re-filozofikacije jer se u strukturi njegova tzv. znanstvenoga diskursa (kritike političke ekonomije) skriva eminentno filozofijski patos prevladavanja kapitalizma i postojećih društvenih odnosa, jedno je neporecivo. Egzistencija je uvijek medijalno određena, jer je ona „između“ ekstrema, naime ekstaze i gologa života. Izraz „goli život“ nije Taubesov, već Agambenov iz Homo Sacera i pogađa bit biopolitičke proizvodnje unutar sustava dehumanizirane egzistencije čovjeka danas. No, egzistencijalno je polje događaja slobode svagda singularno iskustvo čovjeka, nekog određenog tog-i-tog pojedinca poput Sartreova glavnog lika Antoninea Roquentina iz njegova romana Mučnina. Otuda ovaj izraz označava moderno iskustvo individuacije čovjeka, njegove osjetilnosti, doživljajnosti i promišljanja bitka kao fakticiteta i kontingencije, jer svijet je sve što je slučaj, da to kažemo u maniri Wittgensteina iz Tractatusa. Nije nimalo slučajno da je Kierkegaard u svojem neprestanome napadu na Hegelov spekulativno-logički sustav kao modernu verziju skolastičkoga realizma kategorija branio teritorij konkretne želje samstvenoga pojedinca nalik skolastičkome nominalizmu. Hegel je, dakle, bio sinonim za tvrđavu apsolutnoga pojma koji život podjarmljuje Ideji i stoga je njegova dijalektika carstvo apstrakcije kao otuđenja iskonskoga života. Kao religiozni pisac, a ne filozof, a tako ga je ironično nazivao Heidegger u Bitku i vremenu, Kierkegaard je stvorio sliku modernosti kao iskustva tjeskobe, očaja, bolesti-na-smrt i nikakva ironija najvećeg mislioca suvremenosti kao što je to bio Heidegger neće izbrisati iz arhiva metafizike da je Kafka pisac koji se jedino može misaono osloniti na Kierkegaarda, baš kao i pjesnik Rainer Maria Rilke, a u slikarstvu to vrijedi za Edvarda Muncha. Sva trojica su savršeno ocrtali bit egzistencijalnoga događaja slobode kao univerzalne tjeskobe i napuštenosti ovoga svijeta od izvornoga osmišljavanja. Kad egzistenciju uzimamo hegelovski, kao pojam koji pripada onome što se ekstatički pojavljuje u okružju apsolutne ideje s razlikovanjem subjektivnoga, objektivnog i apsolutnog duha, onda se susrećemo s vladavinom transcendencije koja se spušta „dolje“, tako što apriorno i logički-povijesno nadređeno stvarima određuje što jest bitak, bića i bit čovjeka. Tada je egzistencijalno ustrojstvo svijeta već uvijek obogotvoreno s pomoću eshatologijskoga sustava i ništa se ne događa „slučajno“, već jedino onako kako Hegel određuje bit slobode u Spinoze: sloboda je spoznata nužnost. No, kad egzistenciju uzimamo marksovsko-kjerkegorski (a svakako bi ovdje trebalo dodati i ničeanski), tada se pojavljuje vladavina imanencije koja pokazuje da onoga „gore“ više nema, već je sve ozbiljeno u pojavi kao „imanentna transcendencija“, te se sada ljudske potrebe za svijetom u mediju „gologa života“ (hrana, piće, seksualnost, ugoda i blagostanje) uzdižu do nove ekstaze: osmišljavanja života kao stvaralačkoga događaja u kojem sloboda postaje eksperiment nove zajednice, a ne više samo sebeljublja narcističkoga pojedinca. Drukčije rečeno, egzistencija kao „goli život“ u težnji vlastita prevladavanja postaje kreativna ekstaza performativne tjelesnosti kao načina zbivanja samoga života u suvremenim društvima spektakla. Vidjeli smo da na jednom mjestu Taubes spominje da su ekstaza i gola egzistencija „apsolutne veličine“ i otuda najavljuje kraj. Kraj čega ꟷ transcendencije ili imanencije, onoga „gore“ ili onoga „dolje“, ekstaze ili gologa života? On misli na kraj zapadne eshatologije koji se počinje zbivati s Hegelom. No, ono što je istinski problem naše suvremenosti nije nikakav „kraj filozofije“ u smislu onog što je „prorokovao“ zapravo Nietzsche kad je govorio o nihilizmu i nužnosti njegova prevladavanja nakon smrti Boga, a na tom tragu je u 20. stoljeću 1964. godine Heidegger zapečatio stvar s krajem filozofije u predavanju u okviru međunarodnoga kolokvija „Kierkegaard vivant“ u kojem je tvrdio da se filozofija kao metafizika realizira u kibernetici. Problem je, kako ja mislim i pokazujem u svim knjigama koje prethode petoknjižju Tehnosfera i izričito u transverzalnome mišljenju, u tome što mi više uopće nemamo nikakav dualizam u pojmu egzistencije i što je taj pojam postao neoperabilan u srazu s autopoietičkim mišljenjem koje danas suvereno vlada. Tehnosfera podjarmljuje estetsko-etički i sinestetički pojam egzistencije na taj način što ga poput Duchampova ready-made SUŠILO ZA BOCE desupstancijalizira, a to znači da ga neutralizira i suspendira. Ni ekstaza ni „goli život“, već „ekstaza gologa života“ kao posljednji čin postmetafizičke Odiseje u beskonačnome virtualnome prostranstvu svega i ničega, to je preostalo od Kierkegaarda i njegova projekta dekonstrukcije Hegelove „tvrđave apsoluta“. Dođe tako vrijeme kad svi uzvišeni pojmovi jedne fundamentalne strukture našeg mišljenja ne znače više baš ništa, osim „utjehe filozofije“, što je najgora stvar koja se mišljenju može dogoditi jer tako pada ponovno pred koljena religije, ali ovaj put bez nužnosti da bude ancilla theologiae, već ancilla scientiae. Tehnoznanstveni „zloduh“ suvremenosti sve što je bilo čvrsto pretvara u dim, kako to stoji u jednom političkome spisu 19. stoljeću kojeg nitko više ne čita, a tamo se nalazi ta savršena metafora našeg „ekstatičnoga golog života“ i pogađa u bit stvari bolje od svih drugih osuvremenjenih kritika svega postojećega. Spis se zove MANIFEST KOMUNISTIČKE PARTIJE, a napisali su ga Marx i Engels. Nije problem u samome spisu, već u nemisaonosti današnjih tzv. radikalnih kritičara ničega i apologeta marksizma. Ni jedni ni drugi ne vide da je stvar s filozofijom i egzistencijalnim bezdanom življenja naprosto zastarjelo mišljenje i da ga treba neodgodivo napustiti i reći jednostavno da ono što određuje ovaj svijet leži u njegovu posvemašnjem transformiranju u „umjetni život“ (AL) kojeg više ništa ne može zaustaviti na putu spram tehnološke singularnosti. Što drugo preostaje od egzistencije negoli „gola sloboda“ kao jedina alternativa pretvaranju života u ekstazu ništavila.

October 13, 2024
Propovjednik rudarskoga Evanđelja

Propovjednik rudarskoga Evanđelja

Socijalne tendencije u modernome slikarstvu nikad nisam fermao pet posto. To je uzaludno gubljenje vremena s kolorističkom ili crno-bijelom patetikom slike na kojoj uvijek „neka sirotinja uđe u njezinu svjetlost iz mraka“, kao u onoj divnoj pjesmi Dobriše Cesarića Balada iz predgrađa i s njom se klate neka seljačka zaprežna kola, isluženi konji, ili se, pak naziru nahereni krovovi potleušica sveudilj gradske periferije kojom štakori vladaju prednjim i zadnjim planom. Još gore su mi gradske vedute s kopijama Eiffelova tornja ili čikaških nebodera u balkanskim krajolicima iz kojih vire vlakovozne šine i busije raskomadane zemlje. Prikazati tzv. društvene probleme na slici mogli su samo ekspresionisti i američki soc-neorealizam Ben Shahna. No, ima netko tko je jedinstven i neponovljivi pisac-slikar ovog ugođaja i događaja tegobne radne svakodnevice seljaka-težaka i rudara a da nije bilo nužno oslikavati njihova lica, taj užas i vedrinu svekolikoga postojanja u žitkome blatu sumorne povijesti. Taj Netko je, naravno, Vincent van Gogh sa svojim slikama seljačkih cipela o kojima je Heidegger u najznačajnijoj raspravi o umjetnosti u 20. stoljeću (uz Benjaminovu Umjetničko djelo u doba njegove tehničke reproduktivnosti),naslovljenu Izvor umjetničkoga djela iz 1935/1936. godine izveo bitno promišljanje s čitavim nizom novih pojmova onkraj suvremene estetike da to zaslužuje posebnu knjigu, a ne tek ogled. Ono, međutim, što je van Gogh u tom poniranju u jezgru bijede i običnosti seljačkoga i trudbeničkoga života ostavio za daljnje čitanje i tumačenje ne nalazi se striktno u njegovim slikama iz te, uvjetno rečeno, socijalno-postimpresionističke faze njegova stvaralaštva, već u tekstovima njegovih pisama bratu Theu. U pismu iz Larkena, od 1821. godine sastavnim dijelom grada Bruxellesa, s nadnevkom 15. studenoga 1878. van Gogh kazuje: „Jednom kad sam se u Engleskoj natjecao za mjesto propovjednika za rudare u ugljenokopima, moju su molbu odbili s obrazloženjem da još nemam dvadeset i pet godina. Tebi je poznato da je jedna od glavnih ili temeljnih istina, ne samo evanđelja, nego i cijele Biblije, ovo: ‘Svjetlost, koja svijetli u tami.’ Kroz tamu u svjetlost. A koji će ljudi za tim imati potrebe, koji će htjeti o tome slušati? Iskustvo je pokazalo da na one koji rade u mraku, u utrobi zemlje, kao na primjer na rudare u ugljenokopima, vrlo snažno djeluju riječi evanđelja i da im oni vjeruju.“ (str. 95) Van Gogh kao propovjednik u rudokopima Raše, Vareša, Kreke? Svjetlost njegovih slika prizemljena Sunca, zvjezdane noći, žitnoga polja emaniraju mnogo više od mističnih energija nebesko-zemnih sfera. Već iz ovog pisma razabiremo nešto iznimno važno. A to je da se slikar, pastor i fizički radnik, skupljač japanskih litografija, čovjek s odrezanim uhom i racionalnom intuicijom kozmoloških procesa u jezgri svemirskih prostranstava gotovo religiozno-estetski odnosi spram svijeta onog rada koji pripada podzemlju i metalurgiji sublimnoga. Sve je tako jednostavno i iskustveno nesvodivo. Evanđelja propovijedaju Kristov život običnoga (bogo)čovjeka od mladosti kao drvodjelje, do konačnoga mesijanskoga ozbiljenja na njegovu putu iskupljenja čovječanstva vlastitim žrtvovanjem na križu povijesti. Seljaci na polju i tegobni rad rudara časna su i iskonska ljudska zanimanja s poslanstvom oslobađanja čovjeka od iluzija svih viših ciljeva izvan onog što je svakodnevno i čisto, otvoreno u svojoj upućenosti Drugome. Najvažnije je u njegovu pismu to da život nastaje iz potrage za svjetlošću u tami, doslovno i simbolički, metafizički i životno. Rudarsko je evanđelje stoga više od „radosne vijesti“ jer osvjetljava lica radnika iz ugljenokopa kao svece bez aureole, njihovu nadljudsku muku i trud kojim iskapaju rudaču iz utrobe zemlje zgureni u crnilu pod svjetiljkom s umrljane kacige poput onih mrava u gradnji mravinjaka iz jedne pjesme Tina Ujevića u beskonačnoj traci življenja u podzemlju svijeta. Van Gogh prilazi svijetu kao otvorenoj knjizi života u kojoj je sve vrijedno materijalno-duhovnoga truda. I zbog toga mu je život onih na dnu, njihovo nesvodivo trudbeništvo u riziku stalne smrti više od samilosnoga pogleda Drugoga u njihov garež na ogrubjelim licima. Rudari rudare i od zemlje oslobađaju ugljen za ogrjev, zlato za luksuz u slavu aztečkih i modernih kraljeva. Njihovo je poslanstvo da stvore uvjete mogućnosti za industrijski napredak antropocena koji je u doba belgijskoga kapitalizma 19. stoljeća pogonio brodovlje trupa kralja Leopolda I u Kongu u traganju za kaučukom i koji je koštao smrti dva milijuna crnih Kongoanaca da bi Carstvo izgradilo željeznice, spomenike i zlatne grobnice svoje dosadne i ishlapjele aristokracije. Slike van Gogha upravo su ono uzvišeno što kopa ispod kože ovog čudovišnoga svijeta i pronalazi ono neskriveno zlato raspršeno u duhu kao stvrdnuto blato sa seljačkih cipela. On, propovjednik rudarskoga evanđelja po izvoru vječne svjetlosti vjeruje u ono što govori kad kaže da rudari u ugljenokopima poruke evanđelja najbolje razumiju i u njih vjeruju. I nevjerujući ne mogu osporiti ovo vjerodostojno kazivanje jednog strašću i voljom za istinom obuzetoga čovjeka koji je umjetnost živio kao svoj poziv i kao mesijanski žar vječite vedrine i u času predsmrtne apokalipse i poslije nje, jer nije mogao drukčije biti negoli tako kako kazuje u istome pismu da „Borini“ (stanovnici Borinagea, područja zapadno od Monsa) bave se samo kopanjem ugljena. Veličanstven je prizor kad gledamo te rudnike ugljena, duboke do 300 metara, u koje svaki dan silazi cijelo radničko stanovništvo, vrijedno našeg poštovanja i ljubavi. Rudar je u Borinageu poseban tip čovjeka. Dan za njega ne postoji i on nikada, osim nedjeljom, ne uživa u sunčanoj svjetlosti.“ (str. 95) Van Gogh piše svoja pisma istom prostodušnom jednostavnošću kojom prihvaća svijet u njegovoj složenosti ljepote i patnje i sve mu se otvara vrijednim slikarskoga i poetskoga iskustva. Oko sviklo na mrak i svjetlost, oko okrenuto Suncu i zagasitim sjenama krajolika Belgije koje je ovjekovječio na svojim platnima s onim kućama obavijenim bršljanom kao i ženama u crnim haljinama i bijelim kapama, to je oko vidovite impresije i stvarnosti koja se poput njegovih crnih gavrana u žitnome polju ljulja prije dolaska oluje. Krist nije propovijedao o blaženstvu onoga svijeta u rudarskim oknima Judeje u kojima su ropski preživljavali Židovi i drugi porobljeni narodi pod rimskom čizmom cara Tiberija. Van Goghu je u Engleskoj zbog rigidnih zakonskih pravila to onemogućeno. No, zar stvarno ne možemo zamisliti Theova brata kako razrezana uha, zamotan u pusteni šešir do grla silazi s rudarima u ugljenokop i s onom malom svjetiljkom čita Ivanovo Evanđelje svojim sudruzima u garežu i zajedničkoj ljubavi spram ovog života i Krista Bogočovjeka vjerodostojnije od svih propovjednika svojeg institucionalnoga beščašća!? Drukčije biti ne može. Nije Vincent van Gogh bilo koji i bilo kakav moderni slikar. On je slikar nad slikarima, čisto utjelovljenje ideje slikarstva kao autentičnoga života onog beskraja kojeg je ponajbolje opisao njegov nesvodivi dvojnik Antonin Artaud u svojoj knjizi o Van Goghu naslovljenoj Ubijeni samoubojica s riječima koje nadilaze sva okna i bezdane ovog svijeta. „Svjedok je onaj krajolik od rastopljenog zlata, od bronce pečene u starom Egiptu, gdje se golemo sunce naslonilo na krovove koji kao da se raspadaju, koliko su istrošeni svjetlošću. I ne znam nijednu apokaliptičnu, hijeroglifsku, fantomsku ili potresnu sliku koja bi u meni izazivala taj prigušeni osjećaj okultnog, lešine beskorisnog hermetizma, s otvorenom lubanjom, koja bi na panju otkrila svoju tajnu.“ (Antonin Artaud, »Van Gogh ubijeni samoubojica «, u: Tarahumare i druga djela, Litteris, Zageb, 2003., str. 280-281.) Svjedočanstvo ljepote nikad ne dolazi iz onog što je tek estetski privlačno, već iz vrtloga i sedmoga kruga pakla, iz natmurenoga neba i ugaslih zvijezda što su pale na zemlju i stvorile vrtaču od 300 metara kao u onim belgijskim rudnicima koje je van Gogh tako plastično opisao u svojem pismu bratu Theu. Ima još nešto, za kraj. Ljepota svjedočanstva onog što je toliko bilo važno slikaru da je kao propoviednik obuzet nebeskom ljubavlju bio spreman rasvijetliti ovaj mračni svijet svojom bezgraničnom ljubavlju spram Drugoga, podarujući mu utjehu u riječima, blaženstvo u slici i možda još nešto o čemu još ništa ne znamo, ali ćemo uskoro saznati, posve sam uvjeren u to.

October 12, 2024
Godotova oporuka

Godotova oporuka

Moj ludički palimpsest uz anti-dramu Samuela Becketta, U očekivanju Godota mogao bi biti ovako sročen. Naravno, ne bih nadopisivao minimalističke iskaze tzv. glumaca Estragona i Vladimira, već onog kojeg se čeka i koji nije došao u predstavu. Taj je imenovan Godot i nitko me ne može uvjeriti da je posrijedi troznačnost: (1) dekonstrukcija ideje i pojma Boga (engl. GOD) u smislu delezovske „imanentne transcendencije“; (2) otvorenost nadolazeće budućnosti iz perspektive apsurda kao apsolutne bezrazložnosti, pa očekivanje, ne i traganje, za GOD-otom, zahtijeva promišljanje čemu uopće potreba za odsutnim bićem kao jezikom onoga koji nije u prisutnosti ovog ovdje sadašnjega života; (3) kazivanje o „kraju igre“ kao anti-događaju u kojem se spajaju nihilizam i pokušaj stvaranja nove eshatologije povijesti polazeći od onoga što označava Godotova oporuka njegovim subjektima/akterima ove anti-drame. Dakle, Godot se na kraju igre obraća svima i nikome ovako: Nisam došao, jer sam otišao odavde i ne mogu se više vratiti. Zašto? Zato što je svaki povratak dosadno ponavljanje istoga. Ja sam Drugi i nikad se ne ponavljam, pa čak i kad se sam sebi obraćam na Vi pred zrcalom. Neću, dakle, doći nikad, ali baš zato Vi imate razlog da me čekate jer svijet nije stvoren zbog dolaska onog kojeg se čeka, već zbog toga što svako putovanje ima svoje postaje na putu i svoje čekaonice, čak i kad je sve pusto i prazno i nema nigdje nikoga. Bez mene sve i nadalje nema smisla kao da me ima, ali nije u tome bit ove igre. Sve je pitanje iz kojeg kuta gledate na stvari. Ako ste Estragon, onda ste skitnica od Pozzovog roba Luckyja koji kaže baš ovo: Možda bih mogao prvo plesati, a potom razmišljati.“ Film Jamesa Marsha, Dance First svoj naslov, dakle, preuzima iz gornjeg navoda. Film otpočinje u Stockholmu gdje se svečano odjevenom Beckettu (Gabriel Byrne) dodjeljuje Nobelova nagrada za književnost 1969. “Quel catastrophe!” promrmlja svojoj supruzi Suzanne (Sandrine Bonnaire), iako je taj komentar zapravo bio njezin, a Beckett ionako nije nazočio ceremoniji. U ovom gledljivome i doista biografski više negoli solidno snimljenome filmu redatelja koji se već specijalizirao za taj holivudski žanr današnjice, jer je ekranizirao u Teoriji svega kozmologijske ideje slavnoga teorijskoga fizičara Stephena Hawkinga, pratimo fragmente iz života irskoga pisca koji se specijalizirao za apsurd i nedjelovanje, za ništavilo i ništavljenje. Uostalom, o čemu to govore njegovi književni tekstovi tzv. priča poput Tekstova nizašto ako ne o „logici ničega-u-tekstu“ od svakodnevnoga gubljenja vremena u životu i pisanju. Stoga nije nimalo začudno zašto se u ovome filmu najmanje „govori“ o Beckettovoj književnosti (dramama, romanima, pripovijestima, poeziji). Čovjek koji je jednom rekao da njegov nedostižni uzor, zemljak iz Irske James Joyce, i vidjet ćete u filmu ekscentrični veliki Vođa i učitelj, ali krajnje ciničan i bespoštedan, čak i amoralan spram svojeg književnoga tajnika Samuela Becketta u Parizu, radi u svemoći i sveznanju, a „ja u nemoći i neznanju“, nužno mora da bi film imao neku dinamiku i nekog anti-smisla dospjeti do onih životnih prekretnica koje su i povijesno-epohalno i posve osobno ključne za razumijevanje njegove književnosti. Ovo nije američko profaniranje duha i svođenje filmske priče na ono što bi Deleuze nazvao u svojim studijama o filmu slikom-pokretom, već irsko-englesko-francusko reflektiranje i dramatiziranje slike-vremena. Usto, Beckett je u Marshovu filmu rascijepljen na dva Becketta, mladog i zrelog-ostarjeloga, jer vrijeme se razvija kao događanje života, potom u tekstu i fantazmama koje su čak vrlo dobro uklopljene u ciklično-linearnu vremenitost ove anti-fuge beckettiane. Poput Marshovoga Oscarom nagrađenog dokumentarca Čovjek na žici (Man on Wire, 2008.), koji je snimio u sličnoj atmosferičnoj crno-bijeloj tehnici, Dance First se razvija kroz retrospektive, tragajući za ishodištem Beckettove opsesivne otuđenosti, apsurda, pa čak i očaja. Simboličan trenutak mladog Samuela je putovanje zmajem u selo pored Dublina s njegovim ocem (igra ga Barry O’Connor). Međutim, njegovo protestantsko djetinjstvo pripadnika srednje klase postaje ugroženo vladavinom dominantne majke May (igra ju Lisa Dwyer Hogg), od koje i bježi u Francusku. U svakom slučaju, ovaj biografski kontrapunkt u svjetlu psihoanalize iznimno je važan jer nije riječ o lakanovski okrutnome Ocu kao u slučaju Kafke, već o Majci. Ono imaginarno je užasavajuće, a ne ono simboličko, pa zbog toga ono Realno biva prožeto spisateljskim ogoljavanjem svekolike fantazije i metaforičnoga značenja svijeta. Sve je za Becketta samo pervertirana stvarnost u kojoj nema ništa iza i nema nekog Godota koji okultno upravlja svijetom tako da pisac traga za znakovima njegove skrivene prisutnosti u apsurdnome svijetu. U Parizu, pisca pripravnika (kojeg glumi Fionn O’Shea) susrećemo u iznimno dramatski dojmljivim scenama s egocentričnim Jamesom Joyceom (kojeg igra Aidan Gillen) i njegovom lukavom i prepredenom ženom Norom Barnacle (koju glumi Bronagh Gallagher) dok mu se nenamjerno udvara njihova poluluda kći Lucia (a igra ju Gráinne Good). Odnos između dva irska genija, onog koji pripada književnome eksperimentu s vrtoglavicom jezika u redukciji vremena na imploziju banalnosti događaja u Dublinu u 24 sata i onog koji provodi totalnu redukciju jezika na ono što nije predmet niti znak nečega, već sam tekst nizašto i bez-razložno uspostavljen u svojoj goloći, jest odnos nesumjerljivosti vladanja nadomjesnoga Oca nad skeptičkim sinom kroz njihovu blizinu i međusobnu odbojnost. Po mojem sudu, sukob s obitelji Joyce, koji završava razočaranjem mladoga Becketta, najbolje je prikazani sklop fragmenata u ovome filmu. Nedugo prije prizora iz Provanse u koju bježi pred progonom Gestapa (“poput izviđača s igračkom, u mokroj travi, čekajući naciste”) izboden je od jednog makroa, i za oporavka u bolnici, upoznaje svoju buduću suprugu, Suzanne Deschevaux-Dumesnil, koju kao mladu glumi Léonie Lojkine. Glumac Robert Aramayo također ima usputnu ulogu Beckettova židovskoga prijatelja Alfyja Pérona, koji je deportiran u koncentracijski logor, ostavljajući pisca s teretom krivnje. Po povratku u Pariz nakon rata, Suzanne postaje honorarna književna agentica, povećavajući Beckettove tantijeme. “Moraš nastaviti pisati na francuskome, Sam, bit ćemo plaćeni dvaput”, kaže dok ga šalje u London na intervju s BBC-jevom producenticom, Barbarom Bray (a igra ju Maxine Peake), koja mu ubrzo postaje ljubavnica. Napetost između muža i žene zbog njegove afere s Bray često se smatra ključnom za Beckettovu dramu Kraj igre, a mi dobivamo kratak uvid u njenu britansku premijeru, na kojoj se dvije žene u njegovom životu susreću licem u lice. Eto, kako god bilo, film je „zasićen“ nizom dramatskih prizora koje gledatelja drže u svojevrsnoj napetosti paradoksalnoga učinka: sve se događa polako, mijenjaju se situacije, imamo dva Becketta i dvije Suzanne, te na kraju klasični melodramatski rasplet njegova života s dvije žene koje voli na svoj „beketovski“ način, puštajući da ga kao i arhetipska slika njegove Majke ujedno dovode u red i puštaju mu na slobodu da se izbavi bijegom u sublimno stanje književnosti kao izvedbe egzistencijalnoga apsurda do krajnjih mogućnosti kazivanja uopće. Vratimo se mojim postavkama o troznačnosti Beckettova pojma Godota. Film je dostojna „ilustracija“ ove analize i nije slučajno da ga sve irske novine i časopisi hvale kao izvrsno filmsko ostvarenje, dok, Englezi, pak, čangrizavo pronalaze mane, ali Byrnea svi unisono hvale da je odglumio precizno i znalački čovjeka-pisca kojemu njegova kreativna pasivnost i strah od Drugoga stvaraju osjećaj besmisla i nemogućnosti sublimnosti onkraj svih granica njegova etičkoga zakazivanja zbog čega ga muči zla savjest kao u slučaju prijatelja Alfyja i njegove deportacije u nacistički konclogor. Poznato je, naime, da je Beckett imao vidnu ulogu u Adornovu shvaćanju suvremene estetike, a to je u posljednje vrijeme nastavio Alain Badiou sa svojom knjigom On Beckett (Clinamen Press, 2004). Filozofija negativne dijalektike, kakva je bila Adornova, uzimala je figuru Becketta za paradigmu nemoći i nemogućnosti ispunjenja društvene kritike koju umjetnost mora preuzeti na sebe u doba vladavine posvemašnje otuđenosti i postvarenja kasnoga kapitalizma. No, ima nešto što je upravo Adorno prozreo na lucidan način. Nemisaono se često Beckett izjednačavao u svojim književnim dostignućima s idejama francuskoga egzistencijalizma Sartrea i Camusa, ponajprije zbog pojma apsurda kao ključne riječi suvremenoga antihumanizma. Zato je na radikalan način Adorno doveo ovu korelaciju u pitanje. „Čak je i žrtvama koncentracijskih logora egzistencijalizam pripisivao slobodu da iznutra prihvate ili odbace naneseno mučeništvo. Kraj igre uništava takve iluzije”. (Theodor W. Adorno, Trying to Understand the Endgame, u: New German Critique, br. 26, Critical Theory and Modernity (proljeće — ljeto, 1982), str. 119–150., str. 126.) Ono što Beckett uvodi u svijet koji više nema nikakvu samorazumljivu smislenost pokazuje nam da njegova figura Godota nadilazi tradicionalno shvaćanje nihilizma kao ništenja vrijednosti metafizike u svim aspektima života. Pisanje postaje eksperimentalna sloboda otvaranja svijeta u njegovoj apsolutnoj nemoći transcendencije i zato su svi tzv. likovi i uloge u njegovim dramama, pripovijestima i romanu Malone umire svedeni na univerzalne i singularne ideje-kao-objekte. Njihova je „funkcija“ pokazivanja jezika kao apsolutno ogoljene stvarnosti posljednji trag igre onkraj svih etičko-političkih kao i estetskih granica življenja. Pitamo li se što još uopće možemo očekivati od Becketta u 21. stoljeću s njegovim Godotom koji nije došao u predstavu o njemu jer je otišao i više se neće vratiti nikad, preostaje nam misliti ono što nadilazi slikovne biografske fragmente o njemu koje je Marsh u svojem filmu Dance First izveo tako da ga vrijedi vidjeti barem dva puta. Ne može se voljeti Beckettova književnost, pa tako ni bilo koji film o njemu. Jer atmosfera ne-uspjeha i odbojnosti od svega što pripada svijetu kulture i spektakla, ali kroz vlastitu nemoć i nedjelovanje, to je pripadno nekom svijetu odustajanja i redukcije života na njegove elementarne forme. Kad Gabriel Byrne izgovara kao zreli-stari Samuel Beckett da voli svoju ženu Suzanne, to je kao da mu iz vrhova ustiju izlaze crvi i umjesto krvi šiklja ne-loš irski whiskey. Kao što sâm nije došao na svečanost dodjele Nobelove nagrade u Stockholmu jer bi to „bila katastrofa“, tako ni njegov GOD-ot iz jedne od najgledanijih anti-drama svih vremena neće doći ni ako ga se zazove na kraju ove igre, jer je već uvijek „tu“ kao Riječ koja možda ne znači Ništa, ali zvuči zato tako bezrazložno moćno da se od nje čovjek ravnodušno zavali u stolicu i čeka da konačno Estragon, skitnica, kaže ono što ima za reći: Možda bih mogao prvo plesati, a onda razmišljati.

October 11, 2024
Katarza danas

Katarza danas

Zavirimo li u neku od internetskih enciklopedijskih na brzu ruku sročenih pojašnjenja, vidjet ćemo sljedeće značenje riječi katarza. Katarza (grč. καθάρσις, kathársis ‘pročišćenje’) je ritualno očišćenje od neke nečistoće. Platon govori o smrti kao o katarzi (odvajanju) duše od tijela. Za Aristotela katarza je pročišćenje duše od štetnih uzbuđenja putem samilosti i straha. Pročišćenje je za Plotina prakticiranje vrlina, to je i razboritost i hrabrost, a i sama mudrost. S aspekta duše, kaže Plotin, to je odbacivanje svih nečistoća da bi preostalo samo ono dobro. Kada se pročisti, duša postaje ljepša, postaje slična onom božanskom. Ona se tako oslobađa, odvaja od svega što nije njezina istinska priroda, od svega prolaznog i, kako kaže Plotin, svega besmislenog. Ono što duši u tome pomaže su razum i mišljenje koji se okreću od onoga dolje i usmjeravaju prema onome gore, prema Bogu. Dovoljno za početak, zar ne? Ipak, možda još samo dodatak da je ova riječ-pojam iz estetike, psihologije, umjetnosti u suvremeno doba tehnosfere ponajviše u uporabi kad se govori o etičko-političkim kategorijama suočenja s grijesima prošlosti kao što su to bili u 20. stoljeću totalitarni režimi fašizma, nacizma i komunizma, potom kolonijalna pustošenja Afrike i imperijalistički ratovi Europe i SAD-a sveudilj tzv. Trećega svijeta. Suočenje nije pripisano i ne zahtijeva se od „objekta“ ili žrtve genocida, već od „subjekta“ organiziranoga nasilja kao što su to države i carstva hegemonijski ustrojene zapadnjačke civilizacije kao vladara svijeta. Na taj se način starogrčka riječ s filozofijsko-umjetničkim podrijetlom reducira danas na etičko-politički zahtjev subjektima Moći kao zlosilja i užasa počinjenoga u neposrednoj ili daljoj prošlosti da priznaju ovaj čin kao strašno djelo svojih bližnjih, naroda i sudionika u zatiranju Drugoga svim sredstvima i tako prevladaju svoju kolektivnu odgovornost za zločine iz mržnje da bi se u nadolazećoj budućnosti moglo živjeti u miru i na distanci između naroda i država nakon blagotvorne ontologijske terapije zvane kršćanski pokajanje i oprost. Katarza je, dakle, nužnost egzistencijalne drame čovjeka u situaciji složene povijesti njegove kolektivne sudbine za koju nije, doduše, izravno odgovoran, ali jest pod uvjetom da neprestano ne preispituje i djelatno ne mijenja prošlost kao faktičnost zbivanja iz kojih proizlazi povijest kao trauma. Tko misli da je neki zločin iz daleke prošlosti zauvijek zaboravljen i potisnut u neku imaginarnu Ur-podsvijest čovječanstva, taj ništa ne zna o svijetu u kojem živi i kad-tad ga sustiže plod njegove zablude. Poslušajmo ove strašne riječi jednog od najvećega pjesnika 20. stoljeća Thomasa S. Eliota, pisca Puste zemlje, koji tvrdi da u zbilji građanski rat nikad ne završava i samo se preobražava u druge forme sukoba između zaraćenih strana. Znači li to da je svaka katarza uzaludna? Postoje, međutim, vidni dokazi kako se pojam katarze vraća svojim korijenima još iz razdoblja grčke tragedije koju su posebno oživjeli u svojim poetskim i filozofijskim djelima dva Friedricha, Hölderlin i Nietzsche. Obojica su jasno prozreli kako se bit tragedije u Grka ne može posve razriješiti ovim etičko-političkim nastojanjima „pročišćenja“ duše u misteriju javnoga djelovanja u zajednici. Da bi, naime, taj aristotelovski credo mogao djelovati (samilost plus strah), tragedija se već mora pojaviti u formi književnoga djela na sceni i iz traumatske stvarnosti postati ono imaginarno kao realno, kazano lakanovskim pojmovljem. To znači da je funkcija katarze u etičko-političkome smislu „pročišćenja“ naroda i pojedinaca od vlastite čudovišne upletenosti u niz krvavih zgoda u prošlosti posredovana onime što stoji u samom bezdanu i bezrazložnosti tragedije. Riječ je o volji za moć u formi nesvjesno-svjesnoga vladanja nad Drugime kao načina vlastite nadmoći i samopriznanja da je to što su počinili „moji“ preci i sunarodnjaci Drugima uvijek rezultat ressentimenta, neke primordijalne nužnosti osvete za ono što su Oni počinili „nama“. I tako u vječni krug bez izlaza iz ove tragedije obesmišljenoga bitka koji nije daleko od strašnoga običaja krvne osvete u tzv. primitivnim predmodernim društvima koje unatoč probicima i boljitku života u globalnome kapitalizmu zadržavaju svoj zakon patrijarhalnoga patricida i homicida, a danas ponajviše femicida. Žene su oduvijek najveće žrtve i tragične heroine poput arhetipske Antigone. Zato ova razmatranja o katarzi danas valja preusmjeriti u estetsko područje prevladavanja zla sredstvima umjetničkoga ponovnoga događaja suočenja s traumom koju u teoriji suvremene umjetnosti nazivamo engleskim nezgrapnim izrazom re-enactment. Doslovno značenje izraza je rekonstrukcija povijesnoga događaja. No, simboličko je značenje ovdje presudno, a ne ono doslovno. Da bih pokazao zašto katarza iznova postaje primarno estetsko-umjetnička kategorija kao uvjet mogućnosti etičko-političkoga pročišćenja, koje se u kršćanskome shvaćanju svijeta svodi na samopokajanje i oprost grijeha, uzet ću dva paradigmatska primjera u kojima su u glavnoj ulozi dramaturgije života kao umjetnosti upravo žene. Prvi je slučaj film Michaela Cacoyanissa, Grk Zorba, u kojoj slavna grčka glumica Irene Papas tako maestralno igra mladu udovicu, izrazito senzualnu mučenicu s Krete, koja se zaljubljuje u britansko-grčkoga pisca Basila i tako odbija udvaranja seoskih muškaraca riskirajući osvetu ne samo njihove povrijeđene „autohtone“ muškosti, već i čitavog poretka patrijarhalnosti grčke „zatucane“ opsjednutosti tradicijom u kojoj je žena samo i zauvijek „drugotnica“, vjenčana žena ili preljubnica, te udovica u notornoj mediteransko suđenoj crnini do vlastite smrti. Ishod je apsolutno tragičan u ovome humornome filmu u kojem briljira, naravno, alfa-muškarac Anthony Quinn u svojoj najboljoj filmskoj ulozi ikad. Udovica nakon ljubavnoga čina kao etičko-društvenoga prestupa (transgresije) bez presedana u okružju u crno odjevenih kretskih žena i udovica, biva ritualno kamenovana. Zamislite, 20. stoljeće, film koji pozornost gledatelja usmjerava u kreativnu ludost Grka Zorbe kao umjetnika-i-luzera, a u filmu gledamo totalnu tragediju koja kao da nas vraća istinski u mračno doba Mikene i trojanskih ratova u kojoj sudbina žena postaje mjerom nečuvenoga užasa postojanja Drugoga. Film sam gledao od njegova nastanka 1964. godine još kao dijete do danas valjda desetak puta i uvijek, ali uvijek, osjetim neizmjernu srdžbu i bijes na mnoštvo seoskih egzekutora u likovima bezubih baba i bezubih djedova, u likovima zadriglih muškaraca koji u praskozorje skamene sudbinu čiste ljepote, uzvišenosti i čistoće Žene koju igra najveća glumica grčkih tragedija ikad, veličanstvena Irene Papas. I što ćemo onda s katarzom? Čijom? Pa, zar mislimo da će ljudski izmet plemensko-rodovske zajednice tražiti oprost nakon samopokajanja i vlastito pročišćenje jer što bi rekao Isus na križu, u kojeg naravno ovaj ljudski izmet vjeruje iz straha i bezrazložnosti, oni ne znaju što čine? Ništa od toga. Strah se mora ponovno utjerati u kosti samo pravno-politički, dakle zakonski s pomoću primjerene kazne, a ne nikakvoga moralnoga preobraćenja. Drugi je slučaj najznačajniji performans Marine Abramović naslovljen Balkan Baroque iz 1997. godine. Posrijedi je njezin video-rad kao spoj instalacije i performansa izveden na bijenalu u Veneciji. Riječ dajem umjetnici koja ovako objašnjava postupak pranja kostiju i sve oko nastanka ove izvedbe toliko upečatljive još i danas za razumijevanje ne samo katarze, već i re-enactmenta. „Kad je počeo rat u Bosni, to je bilo jako teško vrijeme za mene. Nisam bila tamo. Dugo sam živjela izvan zemlje. I sjećam se da je toliko umjetnika odmah reagiralo, te radilo i protestiralo protiv strahota tog rata. I sjećam se da nisam mogla ništa. Bilo mi je preblizu. Otišla sam u Beograd, intervjuirala sam majku, oca i čovjeka koji hvata štakore 35 godina svog života. Nekoliko se stvari događa u ovoj instalaciji. Postavljena je tako da su tu ruke moga oca, moj otac s pištoljem, moja majka prvo pokazuje prazne ruke, a zatim je s prekriženim rukama na očima. A onda sam tu prvo ja kao liječnica, koja priča priču o štakorovcu, a onda kao seksi plesačica, koja pleše na mađarski čardaš. A u međuvremenu tu je ogromna hrpa kostiju, koje tijekom cijeloga nastupa perem sjedeći među njima. Bilo je ljeto u Veneciji, jako, jako vruće i već nakon nekoliko dana počinju izlaziti crvi iz kostiju. A smrad je bio nepodnošljiv. Cijela ta ideja da pranjem kostiju i pokušajem ribanja krvi nešto učinim jest nemoguća. Ne možete oprati krv s ruku kao što ne možete oprati sramotu od rata. Ali također je bilo važno nadići to, da se može koristiti, ta slika, za bilo koji rat, bilo gdje u svijetu. Dakle, da slika postane od osobnoga iskustva ono univerzalno.“ Dok je Irene Papas u filmu Grk Zorba autentičan slučaj singularne žrtve žene koja teži ljubavi i slobodi kao univerzalnoj kategoriji smislenoga svijeta uopće, a ne tek u nekoj verziji demokracije, pa svjesno počini tzv. prestup upuštajući se u zabranjenu vezu s Englezom kao strancem/Drugim, a ne s kretskim muškarcima na lageru, instalacija-performans Marine Abramović Balkanski barok izravno nastoji, naravno neuspješno, umjetničkim činom proizvesti katarzu. Ali koga? Ona kao subjekt izvedbe već je unaprijed „spašena“ od svih grijeha njezina naroda u počinjenim zločinima od Vukovara do Srebrenice i dalje, jer se pročišćava i preuzima etičko-političku dužnost da ispere krv s kostiju kao tragični čin preuzimanja odgovornosti za mogući oprost i posljednji mesijanski čin pomirenja. Katarza se, dakle, iznova vraća u svoje okrilje odakle je i ponikla i otela se estetičko-umjetničkoj kontroli. Ona je tragična drama kojim se „balkanski barok“ estetizira i postaje više od puke izvedbe na jednom sajmu suvremene svjetske vizualne umjetnosti. Ishod je tragičan i spektakularan. Kosti se ne mogu isprati, simbolički čin pročišćenja ostaje uzaludno nastojanje da se svijet iznova vrati u okrilje pred-tragičnoga doba. Sve je to iluzija i sve je to nužnost ponovnoga promišljanja i estetiziranja tragedije življenja u povijesnim bezdanima i tami uopće. Umjetnost živi od katarze, a politika od zloporabe žrtava s patetičnim „politikama sjećanja“. Bio je u pravu Thomas S. Eliot. Zašto onda još i nadalje govorimo o nužnosti Drugih da prožive svoju katarzu, a sebe ustrajno lišavamo te ritualno-religiozne scene razotkrivanja istine samoga života koji prelazi granice zatvorenosti u krv i tlo samo onda kad iskreno suosjeća s Drugim bez uzvrata? Oprost krivnje je najčišća moguća etičko-metafizička, tek potom i politička situacija oslobađanja povijesti od mahnitih krugova zla koji se ponavljaju do iznemoglosti ljudske egzistencije. Katarza nije svediva na taj čin, već je nužnost oslobađanja kao procesa postajanja autentičnim svjedokom vlastite težnje za smislom života onkraj svih užasa tragedije uopće. Tko se oslobađa vlastitih demona povijesti postaje već uvijek Drugi od vlastite ukorijenjenosti u kamenovanje crne žene slobode i smrad kostiju svojih bližnjih i žrtvovanih okrutnome Molohu rata. To je čin iskupljenja i koji mu je krajnji doseg, nije više važno za svijet, ali jest za onog tko želi raskinuti krug krvne osvete i zla željom za vlastitim oslobađanjem od onoga što je neizrecivo i nepojmovno, što je onkraj svih zakonitosti uma u povijesti, što je apsolutno zlo i što ga je gotovo nemoguće prevladati mišljenjem i djelovanjem čiste duše. Ali, važno je pokušati! Bez katarze i u ovoj ravnodušnoj suvremenosti ne postoji mogućnost života u istini slobodne egzistencijalne drame.

October 10, 2024
Slike Sudnjega dana

Slike Sudnjega dana

Odmah da razriješimo prijepor je li Apokalipsa ili Sudnji dan samo izmišljotina židovsko-kršćanske religijske eshatologije ili je stvarno tako da će doći propast svijeta u nekom od mogućih katastrofičnih formi koje su raspoložive na meniju? Pročitajte kratak Derridin spis o tom problemu, pa ćete se uvjeriti kako izvorno grčko značenje apokalipse i suvremeno francusko, a tako je i u hrvatskome jeziku, dijeli razlika svjetova. Izvorno je ono što označava raskrivenost i razotkritost novoga svijeta, a današnje vulgarno pokriva sav repertoar katastrofizma. Dakle, već je u smislu jezičnoga vulgariziranja posrijedi ne zbrka, već promjena značenja jedne odlučne riječi zapadnjačke metafizike u drugu koja izvorno nema nikakve veze s apokalipsom. A sada o fikciji i stvarnosti. Što je izmišljotina u fantaziji koju obilježavaju tekstovi mita, religije i umjetnosti drugo negoli jedina prava stvarnost. Za one koji vjeruju u Knjigu (Stari i Novi zavjet Biblije), sve što je tamo zapisano dolazi od Boga i ne može se nikakvim sredstvima priručnoga ateizma predstaviti kao neko metaforičko i simboličko značenje. Stvarnost Sudnjega dana proizlazi iz biti monoteizma abrahamskih religija. Objava nužno pretpostavlja postanak svijeta, njegov evolucijski razvitak s Čovjekom kao vrhuncem Knjige postanka, te dolazak novoga doba nakon Kristova raspeća i uskrsnuća. No, kao što je poznato, u Ivanovoj Knjizi otkrivenja svijet mora zadesiti čitav niz katastrofičnih događaja od najezde skakavaca do kuge i sličnih zala i nevolja da bi nakon toga u času Sudnjeg dana nastupilo ono posljednje i prvo u iluminaciji blaženstva i savršenstva odnosa Boga, čovjeka i svijeta. Suvremena astrofizika i kozmologija, pak, ne prorokuju nikakav kraj svijeta u znakovima Jerihonskih trublji, već znanstvenim jezikom pokazuju da prema drugome zakonu termodinamike, slavnoj entropiji, za približno pet do šest milijardi godina dolazi toplotna smrt Sunca i čitave galaksije. Posthumanizam stoga umjesto govora o biološkome tijelu čovjeka i soteriologiji Uskrsnuća konstruira „veliku priču“ spasa polazeći od preobrazbe čovjeka u tehnološku singularnost. I tako smo razriješili prijepor oko fikcije i stvarnosti Sudnjega dana, zar ne? Nismo još. E. zato ćemo onako uzgred čitati kratak ogled Giorgija Agambena naslovljen jednostavno „Sudnji dan“ iz njegove knjige Profanacije, jer nas zanima zašto je talijanski mislilac toliko zapeo da dokaže kako s fotografijama oslikavamo ne taj strašni Sudnji dan iz povijesti metafizike kao povijesti religija koje su i danas mjerodavni svjedoci ovog problema, već „svijet kakav bi bio na posljednji dan, na Dan srdžbe.“ (str. 25) Polako, ovdje je istinski problem u razumijevanju budućega vremena. Znamo da se ono nadolazeće iz tradicionalne metafizičke „velike priče“ o prisutnosti kao nizu „sada“ uvijek razlaže iz vremenske ekstaze ili dimenzije sadašnjosti. Tako je to zapečatio još Aristotel, pa od njega i skolastike mislimo pojam vječnosti svagda kao „vječito sada“ (nunc stans). Heidegger u svojem Bitku i vremenu (Sein und Zeitu) ovu paradigmu shvaćanja vremena uzima za vladajuću u čitavoj povijesti metafizike. No, istodobno je i destruira kao vulgarno shvaćanje, jer se iz jedne ekstaze ili dimenzije vremena sudi ili mjeri kako prošlost, tako i budućnost. Otuda je novi vijek kao vijek znanosti i tehnike posve u znaku vladavine ove moćne i praktično-pragmatične aktualnosti koja određuje „bit“ sadašnjosti. Agamben, dakle, razlikuje između posljednjega i Sudnjega dana. Ali, koji je kriterij njegova razlikovanja to nije objašnjeno. Štoviše, u nastavku ogleda kao da se ono posljednje izjednačava s pojmom Sudnjega dana i dalje ne raščlanjuje. Nije to nimalo slučajno. Rekao sam već nekoliko puta u svojim knjigama, navlastito u Izgledima nadolazeće filozofije: Metafizika-Kibernetika-Transhumanizam da je povijest zapadnjačke metafizike trijada eshatologije, teodiceje i soteriologije. U sva tri slučaja posrijedi je ono konačno ili posljednje kao čin providnosti kojim se spasonosno ozbiljuje kroz misterij Božje prisutnosti u svijetu nakon njegova prelaska iz niže u višu fazu razvitka duha. Nije Leibniz sa svojom Teodicejom posljednja riječ filozofije, već Hegel sa svojom Enciklopedijom filozofijskih znanosti. Duh nas spašava u liku apsoluta kao supstancije-subjekta od svih privida, zabluda i katastrofičnih događaja povijesti kao krika i bijesa ljudske nesavršenosti. Taj duh ne lebdi nad vodama kao onaj u Bibliji, već se pojavljuje na kraju povijesti kao ozbiljenje apsolutne ideje koja u sebi obuhvaća ono subjektivno i objektivno (svijest i samosvijest u liku znanosti apsoluta uopće). Prvo najavljuje posljednje i podaruje mu u tendenciji lik njegove pojavnosti. Zato je tzv. posljednji dan o kojem govori Agamben s obzirom na fotografske slike zapravo Sudnji dan, ili dan Apokalipse, koji ne traje 24 sata na Zemlji. Umjesto kronometrijski određenoga vremena trajanja niza sada, mi se susrećemo nužno s ispunjenim duhovnim vremenom autentične egzistencije koja se ne može svesti na računajuće operacije tehnički konstruiranoga aparata/sata koji mjeri vrijeme ne kao apsolutnu veličinu, već kao relativan odnos protjecanja sekundi i minuta, te satova na Zemlji. U ovom čitanju Agambena mene neće uopće zanimati koju on to fotografiju uzima za primjer istinske slike Sudnjega dana. Ako Vas baš to intrigira, evo: to je poznati i znameniti dagerotip Boulevard du Temple, jer se uobičajeno smatra da je to prva fotografija na kojoj se nalazi ljudski lik. Iako Agamben naširoko opisuje simboličnu vrijednost banalnosti onog što vidimo na slici ove fotografije, a riječ je o muškarcu koji je dao da mu ulašte cipele, mislim da je važnije od prepričavanja scene s prve fotografije na kojoj je zabilježen Čovjek zahvaljujući tehničkoj slici aparata ono što se smatra najobiničnijm pokretom ljudskoga tijela. Sudnji dan, dakle, označava zbroj svih dana Čovjeka na ovoj Zemlji do trenutka njegova posljednjeg dana i dovršetka metafizički određene povijesti. Ne zanima me, rekoh, to što Agamben kao i u drugim sličnim prigodama uzima u korelaciji ono što primjerice Walter Benjamin misli o kretnjama i fotografiji, uz razliku grčkoga i kršćanskoga shvaćanja Hada i pakla. (str. 27) Ono što je mnogo važnije od svega rečenoga jest da se slika Sudnjega dana pokazuje iz biti fotografije. A kao što je poznato od Benjamina preko Barthesa do Flussera, najbanalnija definicija ovog novoga medija tehničke slike svodi se na hvatanje ili ovjekovječenje trenutka (vremena). Sve se zauvijek „oprisutnjuje“ ili biva oprošljeno tako što je već viđeno u nadolazećoj budućnosti iz „nunc stansa“. Ono što će se dogoditi u toj budućnosti koju oprisutnjuje slika Sudnjega dana jest događanje zbroja trenutaka kao sveze KAIROSA i APOKALIPSE. Ovo je moja postavka koju sam iznio u nekoliko tekstova o problemu vremena i tehnosfere, a ne Agambenova. On nigdje u tekstu svojeg „Sudnjega dana“ ne spominje grčkoga boga sretnoga trenutka, čiji je jedan kip inače pronađen uokolo Trogira i krasio je naslovnice sjajne biblioteke nekadašnje izdavačke kuće „Stvarnosti“ iz Zagreba i njezinih bisera poput knjiga Huga Friedricha o modernoj poeziji, Kostasa Axelosa i planetarnoga mišljenja itd. Kairos je u simboličkome značenju smisao Benjaminova shvaćanje vremena, a Apokalipsa ovo ovjekovječenje sreće i savršenstva svijeta nužno dovodi do krajnjih konzevencija, naime do neizbježne propasti u vremenu. Ono što je vremenito propadljivo jest i jedino se može očuvati od propasti s pomoću slike i jezika kao tehnosfere ili umjetnoga pamćenja što ga Freud naziva Super-Ego. Sada slijedi ipak ono autentično što mislioca poput Agambena u ovom tekstu „Sudnjega dana“ posve „iskupljuje“ od pada u raspričanost i analogiziranje fragmenata fikcije i stvarnosti. On, naime, kaže i ovo: „U istome smislu i ja smatram da zahtjev koji nam se upućuje s fotografija ne nosi u sebi ništa estetsko. To je prije zahtjev za iskupljenjem. Fotografska je slika uvijek više od slike: ona je mjesto odmaka, sublimnoga raskoraka između osjetilnosti i spoznaje, kopije i zbilje, uspomene i nade. (…) A propos tjelesnog uskrsnuća, kršćanski su se teolozi pitali, ne pronalazeći zadovoljavajući odgovor, bi li tijelo uskrsnulo u istome stanju u kojemu se zateklo u smrtnome času (možda čak i staro, ćelavo i bez noge) ili bi se vratilo u mladenačku potpunost. Origen je tu beskrajnu raspravu okončao tvrdnjom da ne uskrsava tijelo, nego njegova slika, eidos. Fotografija je u tome smislu proročanstvo slavnoga tijela.“ (str. 29) Slika ne nadomještava tijelo kao njegova fikcija stvarnosti, kopija one platonski mišljene ideje koja prethodi svakoj umjetničkoj izvedbi u svijetu sjena. Fotografska je slika ne samo tehnički proizvedena kopija ovoga svijeta jer je njezina operativnost intencionalna: fotografija je uvijek slika nečega, pa čak i mogućnosti fotografiranja samog trenutka slikanja nečega kao nečega. Problem je u slici kao iluziji stvarnosti Sudnjega dana kojeg Agamben izjednačava na kraju ovog ogleda sa „svakim danom“. Nije, dakle, riječ o novosti događaja kraja svijeta u nadolazećoj budućnosti koja će biti nešto nikad viđeno. To je naprosto nemoguće ne tek iz kozmoloških razloga stroge zakonitosti djelovanja prostora-vremena u kojem se zbiva logika nastanka i širenja svemira kao i njegove implozije. Riječ je o kontinuumu događaja kao ponavljanja i razlike, kako bi to rekli delezijanski. Stoga taj strašni Sudnji dan, događaj Apokalipse, ono posljednje i prvo nije ništa drugo negoli ono što kao u fotografskoj slici odgovara biti proizvođenja stvarnosti kao fikcije koja ovjekovječeno traje „nunc stans“ čak i ako materija od koje je načinjena slika propadne u bezdanu vremena. Ona traje u duhu slike kojom se život preobražava u stanje novoga anđela bezvremenske struje svijesti. Slike su arhetipi jedne drukčije vječnosti od ove koju nam je u nasljeđe ostavila veličajna metafizika Zapada. Ta drugost i drugačijost slike proizlazi iz njezine apsolutne svjetlosti koja čak i vječnu tamnu tvar pretvara kao na slikama Anselma Kiefera u znak iskupljenja i nade.

October 9, 2024
Rez radikalne konverzije duha

Rez radikalne konverzije duha

Knjiga vodećeg filozofa postmoderne o Augustinovim Ispovijestima zanimala me je iz dva razloga. Jedan je vezan uz pitanje nastanka moderne subjektivnosti koja predstavlja uvjet mogućnosti djelovanja moralno-političke sistematike života u kapitalizmu uopće, a to je ono što Hegel naziva još u svojim mladenačkim godinama sustavom običajnosti (System der Sittlichkeit). Drugi je vezan uz pitanje mogućnosti radikalnoga reza ili konverzije duha u ljudskome singularnome životu: kako, naime, vjerodostojno misliti stanje obrata ili preokreta metafizike polazeći od najznačajnijega egzistencijalnoga događaja ljudske sudbine u svijetu, od upravljanja „svojim“ životom kao svezom iskonske slobode i izvanjske nužnosti postojanja u fakticitetu bitka. Subjektivnost i individualna sloboda, to su temeljne riječi vremenovanja iskustva „unutarnje svijesti“ koju sv. Aurelije Augustin u svojim Ispovijestima tematizira istodobno filozofijsko-teologijski i književno-egzistencijalno jer piše o „svojim“ osjećajima i doživljajima promjene življenja nakon što je dospio do spoznaje o nužnosti prihvaćanja Božjeg puta, metafizičke prve i posljednje postaje u eshatologiji i soteriologiji. Ali, mi se ne susrećemo više izravno s Augustinom i njegovim spisateljskim okajavanjem vlastitih grijeha s pomoću uživljavanja u druge mogućnosti „novoga života“ bez kojeg kršćanstvo nema razloga svoje povijesne egzistencije. Umjesto toga, naš je pristup ovom problemu otvoren iz najbliže suvremenosti koju promišlja i ispisuje filozof Jean-François Lyotard. Da bi pokazao kako se uspostavlja novi poredak vrijednosti nakon obrata ili preokreta tzv. grešnoga života Augustina u onome što za razliku od Grka više nije određeno pojmom hedonizma kao vrhunskoga užitka u tjelesnome sladostrašću, već putenim grijehom ljudske nesavršenosti pred Bogom-iskupiteljem, Lyotard kaže sljedeće. „Ne dakle pamćenje, već taj unutarnji čovjek, koji nije ni čovjek ni unutarnji, žena i čovjek, vanjsko unutra, jedini je svjedok prisutnosti Drugog, drugog prisutnosti. Jedini svjedok, pjesma. Unutarnji čovjek ne svjedoči o činjenici, silovitu događaju koji je vidio, čuo, okusio ili dotaknuo. On ne pruža svjedočanstvo, već jest svjedočanstvo. On je viđenje, njuh, sluh, okus, dodir ꟷ silovani i preobraženi. Rana, modrica, ožiljak svjedoče o zadobivenu udarcu kao njegov mehanički učinak.“ (str. 23.) Što je smisao ovog „unutarnjega čovjeka“ u nastojanju njegova prevladavanja ne samo izvanjske prirode kao nužnosti, već i vlastite obuzetosti onime što ne pripada racionalnoj strukturi sebstva/jastva kao što je to ono neizrecivo onkraj svijesti i što će možda najbolje apodiktički formulirati Jacques Lacan u Četiri temeljna pojma psihoanalize s postavkom „Bog je nesvjestan“? Baš ovo što Lyotard lijepim stilom kazivanja iskazuje: „unutarnji čovjek“ ne svjedoči o nečemu, već je njegova bit samo svjedočanstvo. Da bi svjedočenje imalo moć istinskoga prevladavanja boli i patnje, neistine i samozavaravanja „subjekta“, nužno je dosezanje onog stanja nove svijesti o sebi samome kao Drugome. Aristotel je u Poetici skovao najmoćniji pojam čitave estetike i teorije umjetničkoga stvaranja kad je pojmom katarze odredio bit tragedije. Katarza je prebolijevanje/prevladavanje granica etičko-estetske zapalosti čovjeka u bezdan nesvjesnoga. Kad se pojavljuje iskustvo „unutarnjega čovjeka“ koji ispovijeda svoje tzv. grijehe, jer kršćanstvo polazi od postavke o iskonskome grijehu čovjeka i nužnosti njegova uzdizanja iznad prokletstva i vladavine zla u njegovoj duši koje se očituje u tjelesnim prijestupima tabua incesta, onda je samo svjedočenje pitanje glasa-govora i traga-pisma kojim se istina razotkriva kao ono neskriveno i kao ono oslobađujuće za novi život čovjeka. Nećemo ovdje Lyotardu dodatno upisivati i Heideggerov pojam istine kao aletheiae, u smislu nadilaženja skolastičke teorije o podudarnosti mišljenja i bitka u logičkome smislu koherencije. Jer ono neskriveno kao oslobađujuće smjera dokidanju svake tajnovite i tegobne transcendencije koja čovjeka razlučuje od odsutnoga Boga u njegovoj prisutnosti u svijetu kroz raspetoga i uskrsloga Krista. Zato svjedočanstvo nije kazivanje o bitku izvan „unutarnjega čovjeka“. Ono je ispovijedanje istine o sebi kao Drugome kojeg upravo svjedočanstvo nastoji prevladati. Nije ni Drugi ni Ja ništa zauvijek postojeće, fiksna odredba postojanosti i trajnosti ljudske egzistencije koja se kao u grčkoj tragediji ne može više promijeniti. Posve suprotno, istina je kršćanstva kao ishodišta moderne svijesti o razvitku i napretku svijesti o slobodi u mogućnostima radikalnoga obrata ili preokreta samoga života singularnoga pojedinca i običajnosne povijesti zajednice. Kad čitamo sv. Augustina i njegove Ispovijesti te Lyotardov posljednji spis nastao iz njegovih posthumnih bilježaka i zapisa naslovljen Augustinova ispovijest ne možemo izbjeći ovaj ključan pojam koji dolazi u civilizacijsku jezgru Zapada baš s kršćanstvom. Riječ je o najvećoj mogućnosti obrata ili preokreta metafizike „iznutra“ poznatoj još iz razdoblja djelovanja sv. Pavla. Ta riječ je grčkoga podrijetla i označava put preobražaja duše i duha u tijelu koje se više ne može shvaćati pukim korporalnim fakticitetom u smislu onog što kartezijanstvo naziva protežnom supstancijom (rex extensa). Preobražaj ili metanoia označava mogućnost radikalnoga obrata ili preokreta odlikovanoga bića među bićima. Životinja ne može promijeniti svoje ponašanje ili svoju bit životinjstva jer je obuzeta prirodnim nagonom kao vladavinom tjelesnosti nad svim drugim aspektima njezina biološki zadanoga života. Čovjek može postati Drugi negoli što „ovdje“ i „sada“ jest. Otuda je „bit“ ljudske egzistencije u mogućnosti postajanja drukčijim i drugim bićem u svim aspektima njegove pojavnosti u svijetu. Kao i sv. Pavao u prethodnome životu židovskoga farizeja Savla koji progoni kršćane, tako i mladi i impulzivni Aurelije Augustin prije preobraćenja žari i pali u svim aspektima onoga što će Lyotard ovako impresivno opisati. „Konverzija, reverzija, inverzija, perverzija, kako vam drago, jest svlačenje kože pꞿti, tijela iznenada preobraženog u dušu-pꞿt. Upitavši zemaljske pojave, odgovorile su mi: mi nismo Bog, on nas je stvorio. Ali to je spoznao unutarnji čovjek, ja duh, per sensus corporis mei, preko osjetila svoga tijela i posredstvom izvanjskoga čovjeka. Budući da je to tijelo probušeno i prožeto drugim osjetilom, duša se može utjeloviti, pꞿt pronaći svoju dušu, tvoja prisutnost prebivati u unutarnjem čovjeku. Tražih te sa svojim životinjskim tijelom, koje je kulučilo, laborans, aestesus, pjenilo se u nestašici istine. (…) Kljukao sam živinče krmivom, ispraznostima, herezama, izmišljotinama poganskog teatra, maškaradama manihejske sekte. Kotrljao sam se s njome u dubine lakovjernosti. Ali ti si bio dublje u meni od moje najdublje nutrine, interior intimo meo, i više u meni od najvišeg vrhunca mojeg, superior summo meo. (str. 25. i 26.)„Konverzija, reverzija, inverzija, perverzija, kako vam drago, jest svlačenje kože pꞿti, tijela iznenada preobraženog u dušu-pꞿt. Upitavši zemaljske pojave, odgovorile su mi: mi nismo Bog, on nas je stvorio. Ali to je spoznao unutarnji čovjek, ja duh, per sensus corporis mei, preko osjetila svoga tijela i posredstvom izvanjskoga čovjeka. Budući da je to tijelo probušeno i prožeto drugim osjetilom, duša se može utjeloviti, pꞿt pronaći svoju dušu, tvoja prisutnost prebivati u unutarnjem čovjeku. Tražih te sa svojim životinjskim tijelom, koje je kulučilo, laborans, aestesus, pjenilo se u nestašici istine. (…) Kljukao sam živinče krmivom, ispraznostima, herezama, izmišljotinama poganskog teatra, maškaradama manihejske sekte. Kotrljao sam se s njome u dubine lakovjernosti. Ali ti si bio dublje u meni od moje najdublje nutrine, interior intimo meo, i više u meni od najvišeg vrhunca mojeg, superior summo meo. (str. 25. i 26.) Evo, dakle, kako stoje stvari s iskustvom „unutarnjega čovjeka“ kojeg odjednom obuzima želja za promjenom dosadašnjeg tijeka postojanja ili ontologijski rečeno poretka bitka, bića i biti stvari. Bog se umjesto smisla bitka pokazuje transcendentalnom temeljnom strukturom svijesti o slobodi. Iako, budimo posve izričiti, sloboda nema svoj ni izvanjski ni unutarnji temelj, te je uz zlo najveći misterij ljudskoga događaja u svemiru. Tijelo se kupa u oceanu strasti i žudnja za užitkom osjetila s onu stranu dobra i zla kako bi rekao Nietzsche traje do kraja života, ali usahnjuje s krajem mogućnosti tijela kao stroja stvaranja i razaranja, davanja i primanja, mehanike svrdla i crne-bijele rupe. Zato je obrat ili preokret metafizike, paradoksalno, onaj koji otpočinje s iskustvom duhovno-duševne „nove tjelesnosti“. Augustin u Ispovijestima dolazi do iskustva vlastite obuzetosti onim demonskim i ništavno ispraznim ponavljanjem životinjstva u krugu ponavljanja nagonske strukture življenja kroz „krmivo, hereze i maškarade manihejske sekte“. Uzdignuće zahtijeva duhovno preobraćenje. No, ovdje Lyotard ne govori o problemu religiozne institucionalizacije Zakona koji Slobodu suspreže i tlači, jer nema slobode bez iskustva tjelesne energije i dinamizma strasti. Ono najvažnije u čitavoj ovoj Lyotardovoj analizi ne samo teksta Augustinovih Ispovijesti kao knjige, već „Augustinove ispovijesti“ koja omogućuje obrat ili preokret metafizike Zapada i njezina moderniziranja vremena kao linearnoga tijeka unutarnjega iskustva mišljenja i osjećanja jest sveza nove vremenitosti i nove subjektivnosti. Vrijeme koje otpočinje s Augustinom koji tvrdi da ako ga se ne pita zna što je vrijeme i kako ga se doživljava, a kad ga se pita ne zna, ne može se više kao u Grka simbolički približiti slikom kruga kao vječnoga ponavljanja Istoga (bitka). Umjesto toga, beskonačni pravac nadomješta kružno kretanje vječnoga ponavljanja kroz neprestano postajanje novoga (događaja). To je presudni trenutak raskida s čitavom statičkom logikom povijesnoga zbivanja. Nije tek „novost“ u tome što s kršćanstvom nastaje problem razdvajanja privatnosti i intime od javnoga života u zajednici, već se subjektiviranje pojavljuje kao iskustvo vremenitosti „unutarnjega čovjeka“ koji živi vlastitu tjeskobu i strepnju pred rizikom zbiljske kontingencije. Ipak, ova „novost“ koja je autentičan događaj mogućnosti promjene ili preobražaja vlastite subjektivnosti zahtijeva nešto čudovišno: svjedočanstvo svojeg puta oslobađanja od zabluda življenja u formi materijalno-tjelesne faktičnosti bitka. Tko je uistinu taj novi subjekt ovog iskustva ireverzibilne vremenitosti koja vječnost približava slikom beskonačnoga putovanja svijesti do apsolutne slobode? U kušnji sam kazati da je stoga između ideje kršćanskoga Boga i posthumane tehnološke singularnosti kao onog Jednog koje sabire Sve (bitka bića u tradicionalnoj ontologiji) korelacija takva da je razlika samo u načinu kazivanja o svezi/odnosu između samostvaranja Božje milosti i autopoiesisa tehnosfere koja misli vlastito proizvođenje novih svjetova. Kako Lyotard završava svoje posljednje čitanje Augustinove ispovijesti? Tako što propituje tajnovitu katarzičnu funkciju govora pokajanja i pismo koje sve to može još više uzdići do najvećih visina razotkrivanja istine u vremenu ili naprosto poreknuti bujicom riječi koje ništa ne kazuju osim što svjedoče vlastitu ispraznost kao lažno ispovijedanje onog što je ionako poznato samo Drugome (Bogu) i subjektu ispovijedanja. I dolazi naposljetku do spoznaje da je svaki govor „olakšanje, a pisanje je pak vježba, iz koje nastaje djelo od kojeg se ne zahtijeva da bude iskreno.“ (str. 112) Sloboda je vježba odlučnosti i bezrazložnosti postajanja u svijetu koji se više ne može objasniti s pomoću ideje metafizičke postojanosti i reda. Umjesto toga, živimo u ireverzibilnome lutanju kroz bezdane prostora-vremena za koje nam iskustvo „unutarnjega čovjeka“ podaruje samo „novo“ stanje svijesti onkraj privatnosti, intime i javnosti. Ispovijedanje je majka svih propalih bitaka moderne subjektivnosti i ono što još spašava institucionalno kršćanstvo od profaniranja svojeg vlastita misterija u vremenu. Sve dok postojimo vježbamo svoj rez radikalne konverzije duha kao moć jednog drukčijeg obrata ili preokreta metafizike od svih dosadašnjih preobraćenja i revolucija koje su završile porazno za čovjeka i njegove nužne iluzije vjere u promjenu svojega života. Od onog estetskoga imperativa Rainera Marie Rilkea iz pjesme Apolonov arhajski torzo sa stihom „Svoj život promijeniti moraš“ do Lyotarda i njegove posthumne vježbe čitanja Augustinovih Ispovijesti isti je put divnih izgubljenih iluzija. Što bismo mi bez njih, uostalom? Vjerojatno bismo otupjeli od dosadne istine koju svi unaprijed znaju i od koje nitko ne strepi pred otajstvom njezina opasnoga razotkrivanja.

October 8, 2024
O odgoju za nadolazeće doba

O odgoju za nadolazeće doba

Pedagogijska funkcija mišljenja tehnosfere kao realizirane kibernetike čini se praznom pričom o homo kybernetesu koji sam sebe uči da postane još „pametniji“, „učinkovitiji“ i „pragmatičniji“ od svojeg prototipa. Svaka je povijesna epoha u metafizičkome smislu odvijanja smisla bitka imala svoje vodeće likove za koje se odgoj i obrazovanje svagda pojavljuje kao posredovanje u razvitku osobe od djeteta do odrasloga u društvu i kulturi. Naposljetku, Platonova je filozofija ona koja kroz lik Sokrata tumači, vrednuje i uspostavlja ideju dobra koja uređuje svijet iz vlastite usmjerenosti spram onog što joj podaruje veličajnost života poput slobode, jednakosti, pravednosti i prijateljstva (philia), što će u moderno doba s Francuskom revolucijom postati bratstvo (fraternité), a u doba raspada građanskoga društva s ideologijom neoliberalizma u korporativnome kapitalizmu kraja 20. stoljeća to će biti zamijenjeno s pojmom solidarnosti među klasama i ljudima uopće. Svaka je epoha, dakle, počivala na nekom idealu i normativnome okviru ideje čovjeka i tome je prilagođavala čitav složeni sustav odgoja i obrazovanja. No, postavimo pitanje krajnje jednostavno. Za što su se Grci u Platonovo doba odgajali i obrazovali, za što srednjovjekovni kršćani u doba sv. Tome Akvinskoga, za što, pak, novovjekovni građani u doba Kantova kozmopolitizma, potom moderni zapadnjački ljudi u masovnome društvu industrijskoga kapitalizma i Marxa i Webera, nakon njih postmoderni dekonstrukcijski nositelji stilova života u doba Derride, Deleuzea i Lyotarda, a što preostaje suvremenome „čovjeku“ u doba ChatGPT-a i homo kybernetesa? Jasno je da su Grci još od Homera i njegove umjetničke religije posvećeni mitskome razumijevanju vremena kao kruga sudbine u onome što od Parmenida označava smisao bitka u njegovoj postojanosti i vječnosti. Obrazovanje i odgoj čovjeka svagda je put duše u vrlinama i krepostima razboritosti kao mjere slobodnoga čovjeka u zajednici (politeia) kojemu svjetlo svijeta omogućuje ponajprije filozofija kao ljubav spram mudrosti. I njihov pojam za kulturu, paidiea nemoguć je bez pedagogiae, što pretpostavlja posredovanje odnosa duha, duše i tijela. Odgoj stoga valja misliti izvorno kao odgoj za ovosvjetovni ethos u okružju polisa. Filozofija postaje svjetlo slobode kojom se čovjek oslobađa od zlih demona barbarstva. Plemenita duša nužno potrebuje vlastiti odgoj kroz filozofiju, umjetnost i znanosti kao svrhu življenja, a ne kao sredstvo za zbrinjavanje opstanka. Tome usuprot, srednjovjekovno kršćanstvo s idejom Boga kao apsolutnoga stvaratelja svijeta čovjeka shvaća kao sliku i pasliku Božjeg stvaralaštva i zato mu je namijenjeno obrazovanje i odgoj za dosezanje pet transcendentalija ꟷ unum, bonum, verum, ens, pulchrum ꟷ kao sintetičkoga jedinstva življenja u doba božanske i ljudske države. Ovaj teokratski imperativ ujedno, naizgled paradoksalno, zahtijeva uzdizanje duše iznad okova osjetilnosti i stoga je sveza između zabrane Lustprinzipa i svetkovine duha nužno put utemeljenja europskih sveučilišta. To će biti sekularizirano i umno utemeljeno na načelimna autonomije i legitimnosti Kantova kozmopolitskoga republikanizma. Ne smijemo smetnuti s uma da je on nastavljač Rousseauove prosvjetiteljske pedagogije drugim sredstvima. Zato mu ideja čovjeka označava mjesto posredovanja između prirodnoga i društvenoga stanja u kojem definicija čovjeka kao animal rationale nije više onaj Aristotelov zoon logon echon, već subjekt konstrukcije znanstveno-tehničkoga svijeta. Odgoj čovjeka u doba racionalizma i prosvjetiteljstva znači odgoj za samozakonodavnu bit slobode duha u etičko-političkome i estetskome smislu. No, problem s odgojem i obrazovanjem nastaje onog trenutka kad moderni industrijski kapitalizam znanje posve pretvori u robu i odredi da je ključ za napredak i razvitak zapadnjačkih društava u logici vladavine prirodnih znanosti i moderne tehnologije. Već krajem 19. stoljeća pada sudbonosna odluka kraja puta tzv. humanističkih znanosti onkraj utilitarnoga shvaćanja znanja i spoznaje svijeta. Tada američki koncept filozofije kao pragmatizma otpočinje svoj trijumfalni pohod svijetom. Stoga nije začudno što je najveći zagovornik tzv. slobodnoga odgoja za demokratske vrline kapitalizma i demokracije američki pragmatist John Dewey. Ono što je u zlatno doba kapitalizma i Marxova Kapitala bila figura buržuja i građanina koji sjedinjuje vrline know–how znanja i misiju svjetsko-povijesnoga vladanja s pomoću ideje apstraktne vrijednosti bilo je istodobno i kraj plemenite svrsishodnosti duhovnoga života. Umjesto poduzetnika koji pokreće proizvodnju materijalnih dobara, rubne figure humanističkoga obrazovanja i odgoja modernoga čovjeka postaju umjetnici-kao-ekscentrici. Nietzsche ih je opisao kao subverzivne figure shvaćanja života kao bivanja prstenujućom igrom kozmosa i svijeta. I upravo će to biti posljednja točka prijelaza spram postmoderne figuracije „stilova života“ u odgoju i obrazovanju čovjeka koji se nalazi između medija i tehnologije kao prenosnik informacija i kao onaj tko prelazi granice između STEM-područja prirodnih znanosti i posve promijenjene uloge humanističkih znanosti. Derridaina dekonstrukcija, Deleuzeova ontologija postajanja i Lyotardov postmoderni estetski raskol (différend) tri su puta nabačaja onog što određuje pojam posthumanoga stanja kao realizacije kibernetike u svijetu tehnološki konstruirana života. Bio je u pravu Lyotard kad je to nazvao krajem Humboldtove reforme sveučilišta i krajem ere profesora. Dolazak tehnosfere jasno je utvrđen vladavinom sinkretičko-hibridnih pojmova ove posljednje filozofije koja je spajala Heideggera i Wittgensteina onkraj granica jezika i metafizike. Odgoj i obrazovanje krajem 20. stoljeća izgubilo je svoj lik kojim su tijekom povijesti metafizike mogli biti realizirani ciljevi ljepote i uzvišenosti odgoja duše za svrhe i ciljeve besmrtnosti duha. Sada je sve to dovršeno i doista više za doba tehnosfere i procese tzv. strojnoga učenja, za doba autopoiesisa, više nema nikakvog duhovnoga lika koji bi mogao biti poučavan i odgajan za više spekulativno-refleksivne zadaće. Dragi moji transverzalni učenici, Ja više nemam kome predavati niti ikome ostavljati u nasljeđe „moje“ mišljenje za nadolazeću budućnost. Pedagogije više nema. Ali nema ni barbarstva kako to posve pogrešno iskazuju preplašeni i zdvojni filozofi različitih metafizičkih nagnuća. Umjesto toga, onoga čega ima su samo krhotine smislenoga svijeta i tragovi totalne mobilizacije umjetne inteligencije koja računa i konstruira nova stanja ne više duha-duše-tijela, već samo izvedbenih mogućnosti pragmatike znanja homo kybernetesa. Dragi moji transverzalni učenici, ostaje nam samo Academia Virtualis i naš posljednji teritorij duhovne slobode stvaranja novoga, ono što je Baudrillard u proročanskome eseju „Ekstaza komunikacije“ iz 1984. godine nazvao satelizacijom duše u doba interaktivne samoće. Lijepo je to rekao Sokrat prije više od 2500 godina. Nikad gore mladeži.

October 7, 2024
Arheologija vječne budućnosti

Arheologija vječne budućnosti

Neka ne lažu više svi oni koji samoobmanjujući trube na sva zvona kako je ovaj hipermoderni svijet koji su najavljivali Rimbaud u Sezoni u paklu, talijanski futuristi kao biciklisti u maršu na Abesiniju i Teslina prva trepteća žarulja najbolji od svih svjetova i kako je zapravo divno što se svaki božji dan/noć otvara negdje novi muzej već nečega: primjerice, traume, torture, strave i užasa, banalnosti dobra, starudije s tavana i novotarija iz pakla, informacije-povratne sprege-kontrole-komunikacije, a to je kao što znate četvorstvo kibernetike iz koje nastaje pojam tehnosfere. Taj prividni prolom uskladištene i memorirane želje za održivošću prohujalnoga vremena sadašnjosti koju Gilles Deleuze u svojem najznačajnijem djelu Razlika i ponavljanje naziva „virtualnom aktualizacijom“ u tendenciji smjera stvaranju svijeta kao arheologije vječne budućnosti. Stvari postaju predmeti, a predmeti objektima masovne potrošnje koja se u uporabi neviđenom brzinom „troši“ ne zbog starosti proizvoda (primjerice, Iphona ili prenosivoga računala), već zato što je informacijski kapitalizam nalik totalnome ubrzanju vremena reprodukcije same ideje kapitala, pa je logična posljedica ove mahnite objektivacije života u tome da konstrukcija već računa unaprijed s točno određenim vremenom trajanja proizvoda. Pogledajte kako info-objekti prestaju funkcionirati već nakon pet godina i postaju groblje IT-slonovače. O tome je zanimljivo pisao francuski postmoderni sociolog Gilles Lipovetsky u svojim novijim knjigama, navlastito u onoj koju sam objavio kao urednik naslovljenu Paradoksalna sreća: Ogled o hiperpotrošačkom društvu, Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2008. S francuskoga prevela Jagoda Milinković. Problem, međutim, nije u starosti funkcionalnoga objekta koji odgovara novim potrošačkim potrebama permisivnih društava ne više samo Zapada, već globalno umreženih krajolika ljudske komunikacije. Potrošnja je samo druga vrsta proizvodnje kao produktivna potrošnja što je polit-ekonomski bilo bjelodano još i Marxu u doba pisanja prvoga sveska Kapitala. Ono o čemu je ovdje ponajprije riječ jest transcendentalna struktura konstrukcije samoga pojma tehničkoga vremena kao virtualne aktualizacije objekata, a ne više stvari i predmeta. Naše metamoderno doba koje uopće nema značajke epohe i dobnosti kao vremenske zaokruženosti, već je ponovljiva neponovljivost beskonačne brzine protoka novih informacija, određuju tri postmetafizičke moći oblikovanja samosvijesti onog što još tradicionalno nazivamo „kulturom“. To su: (1) estetizacija života, (2) historiziranje povijesti i (3) muzealiziranje ideja. Kad ovo imamo u vidu, onda je posve razvidno da je ovaj kapitalizam koji se razvio u trećem desetljeću 21. stoljeća izveden iz želje čovjeka za vlastitim ovjekovječenjem u liku estetski oblikovanoga objekta koji misli samoga sebe kroz vrijeme kvantificirajuće-projektivnoga računanja i u prostoru sveopćega muzealiziranja ideja. Nije više muzej, dakle, skladište stvari i predmeta iz daleke prošlosti i još bliže historijski obrađene neposrednosti političkih revolucija i obrata u svakodnevnome životu. Njegova je zadaća „danas“ da estetski dizajnira „događaje“ (events) kao istraživanje odnosa između prošlosti i budućnosti koja nije prostor neizvjesnosti i nenadanosti. Umjesto toga, budućnost (futur) postaje probabilizam kulturnoga efekta posvemašnje vizualizacije kao fascinacije onim imaginarnim bilo da je riječ o „iluzijama“ za djecu i odrasle, ili o „deluzijama“ za nerođene i starce koji opsjednuti željom za besmrtnošću žele ostati „ludim“ i „kreativnim“ tako što se neprestano pomlađuju i sami postaju svojim vlastitim muzejom apsolutnoga narcizma. Nećemo više u muzejima, kako to tvrde i filozofi poput Lübbea i Vattima, tražiti arheološku kost pra-ulješure ili antropološki trag genija iz Afrike u liku australopitekusa sa cyber-naočalama. Ono što želimo od ubijanja vremena u ovim mračnim komorama izleta u svoje imaginarno kao Nad-Realno jest čisti lakanovski kazano užitak (jouissance) u inscenaciji događaja. Zato su danas svi muzeji postali dječja zabavišta i starački domovi za posjetitelje koji putuju svijetom kao estetskim Jurskim parkom želeći vidjeti ono još-ne-viđeno u virtualnoj aktualizaciji što su već vidjeli kao platonsku ideju ili formu mentis na svojem pametnome računalu kao vizualizaciju traume, torture, strave i užasa, banalnosti dobra itd. I neka mi nitko više ne govori da je time muzej izgubio svoju historijsku vrijednost čuvanja stvari-predmeta-objekata od propasti u realnome svijetu. Jedini pravi i autentičan muzej koji sjedinjuje procese estetiziranja života i historiziranja povijesti jest muzej ideja s kojim naša transmoderna postmodernost svijeta ulazi u stanje arheologije vječne budućnosti. Mi želimo odmor od ove „beskonačne brzine“ i pogled u čistu pojavnost stvari kao predmeta osjetilnosti koja bijaše bila temelj povijesnoga protjecanja i povijesnoga sjećanja, a ne historijskoga pamćenja. Prvo je čin predrefleksivne svijesti koja uživa u ljepoti i uzvišenosti sačuvane grčke maske iz doba Mikene i Sofoklovih tragedija o kralju Edipu, Agamemnonu i Klitemnestri, i želi je vidjeti u staklenoj vitrini „živu“ i očuvanu za vječnost. Mi ne želimo da nas u muzejima teroriziraju s Baudrillardovim simulakrumima i simulacijama, video-zidovima i info-bitovima jer je to samo nastavak tehničke slike drugim sredstvima i to nitko živ ne „puši“, jer mu je svega preko glave na sučeljima svojih autonomnih objekata umjetnoga pamćenja. To je ono drugo, čin posthistorijske svijesti na zalazu svojih stvaralačkih mogućnosti, jer umjesto nas „misle“ naši kodovi. Kad se spuštamo u podzemlje nekog muzeja terora i torture, onda želimo osjetiti onaj iskonski strah i strepnju od praznoga prostora gotičke jeze kostura iz Hamletove tvrđave, a ne biti fasciniran simulacijom horrora spiritualne vizualizacije ništavila kao nadomjeska za užitak u strahovlašću neumrle povijesti kao Unheimlichkeita. Historiziranje povijesti je, dakle, estetizacija kao dizajniranje „racionalne katarze“, kako je to lucidno govorio Hermann Broch u svojim spisima iz masovne psihologije panične svijesti. Ono „živo“ postalo je muzealizirana smrt imaginacije u korist simboličke vladavine inscenirane događajnosti povijesti koja nema u sebi više ništa povijesno kao otvarajuće, već se zamrzava u datotekama i vizualijama cyber-muzealiziranja. Muzeji su stvoreni u isto vrijeme kad i disciplina humanističkih znanosti ꟷ povijest umjetnosti. Bilo je to početkom 19. stoljeća kad je, uostalom, Hegel i proglasio u ideji „kraj povijesti“ (umjetnosti). Modernost kao industrijski kapitalizam čiste tehnologije osvajanja i prisvajanja zemlje, njezina iskorištavanja i stvaranja Novoga kao tehno-kulture, označavao je pojam procesualnosti i preobrazbe samoga života u stroj vremena kao vječne akceleracije. Najbolje je to prikazao u svojim romanima američki pisac Thomas Pynchon kao simulakrum Kafke i Joycea na n-tu potenciju. Pokazao je, naime, da je razlika između termodinamike strojeva 19. stoljeća i neutronske bombe i gama-zraka kasnoga 20. stoljeća pitanje svijesti koja više ne može ljudski-suviše-ljudski osjećati i doživljavati realnost kao stalnu transformaciju prostora-i-vremena, već je to moguće jedino strojevima pamćenja i autonomnim objektima (robotima) koji nadilaze granice Humanuma već time što sebe neprestano obnavljaju kroz procese historiziranja i muzeliziranja. Imati svijest o sebi znači imati pamćenje koje nepouzdano sjećanje pojedinca ispravlja i popravlja tako da ga apsolutizira kroz sliku i broj, jer je riječ kao temelj jezika ono što izaziva zaborav pra-jezika u korist čiste informacije događaja. Zato su muzeji od skladišta sjećanja postali megaračunala historiziranoga pamćenja. U knjizi Danila Kiša, Enciklopedija mrtvih ovo se književno predskazuje kao mogućnost razotkrivanja događaja počinjenih u prošlosti koji se ne mogu nikad prebrisati iz sjećanja. Problem koji Kiš postavlja u svojoj knjizi pripovjedaka o genealogiji i budućnosti zla u povijesti jest temeljno pitanje današnje muzeolatrije uopće. Ima li tzv. povijesna istina razlog za svoje objektiviranje kao slike-znaka u vremenu ako ne dopušta zaboravu da ostvari spokojstvo čovjeka koji je traumatiziran u prošlosti nekim strašnim događajem poput genocida Židova u naci-logorima smrti? Muzeji su i skladišta sjećanja i tvornice pamćenja, ali su prije svega prostori kontemplativne tišine i šetnje mračnim komorama naše čudovišne povijesti koja je utoliko gora ukoliko je živa tradicija kao u onim slikama-artefaktima Anselma Kiefera s izložbe Stelle cadenti iz 1999. godine u Torinu, na kojima razabiremo tamni sjaj žrtvopisa u triptisima s kojih tragovi skorene zemlje i vlasi ostaju na bodljikavoj žici s krvlju i kalom kao dokaz da je ono što preostaje trauma sjećanja koju nikad ništa neće prevladati, a najmanje muzeolatrijska primijenjena psihoanaliza. Mi živimo između dva vremena koja se međusobno zatiru, prošlosti i budućnosti, i od svega ostaje samo virtualna aktualizacija prostora onog što se više ne rasprostire, već implodira u samome sebi poput svake akumulirane praznine događaja.

October 6, 2024
Ograničena suverenost filozofije?

Ograničena suverenost filozofije?

Koji je prvi roman u povijesti književnosti? Kao da smo u osnovnoj školi na satu književnosti ili na TV-kvizu, pa to je valjda jasno i onome tko ga je napisao. Naravno, Miguel de Cervantes i njegov besmrtni Don Quijote. E, nije, ako slijedimo nit razmišljanja američkoga postmodernog pragmatičnog filozofa Richarda Rortyja iz petog poglavlja njegove knjige Kongtingencija, ironija i solidarnost (Naprijed, Zagreb, 1995. S engleskoga prevela Karmen Bašić). Ondje se razvija postavka gotovo sukladna misli Wilhelma Diltheya da je filozofski diskurs s obzirom na formu njegova očitovanja zapravo onaj koji nema svoju „suverenost“, već ju zadobiva iz uvjetno kazano književnosti. Tako se može blasfemično kazati da je Hegel svoju Fenomenologiju duha „nesvjesno“ napisao kao roman (ideja). Jer pojmovna arhitektonika njegove filozofije apsolutnoga duha nije moguća bez unutarnjeg i vanjskoga okvira u kojem se razvija od prologa do epiloga struktura jedne konceptualne „velike priče“ o povijesti nastanka samosvijesti. Gotovo da bi se moglo, ironično kako to izvodi Rorty, dospjeti do provokativne postavke kako je Proustov roman U traganju za izgubljenim vremenom važnije djelo od spomenuta Hegelova vrhunca mišljenja čitave zapadnjačke metafizike jer je Proust znao da piše roman, a zamislite ludila, tvorac pojma apsolutne svijesti kao ideje nije znao da je njegova forma pisanja „svoje“ filozofije zapravo najrefeksivnija forma moderne književnosti. Ergo, roman u povijesti Zapada otpočinje s Aristotelovom Nikomahovom etikom, jer je njegova Metafizika zapravo forma znanstvene rasprave i stoga u najbližem srodstvu sa znanstvenim diskursom. Ovo je moj zaključak, da pokojnog američkoga mislioca ne opteretimo lažnim dokazima. Argumentacija koju izvodi Rorty polazi od toga da je čitava metafizika u formi djela ili knjige koju piše filozof „subjektiviranje“ pisanja kao mišljenja, pa je stoga univerzalna singularnost „književnosti“ ništa drugo negoli kontingentna matrica pisanja. Književnost se temelji u mythosu, a znanost u logosu. A filozofija? Ona je svagda hibrid između ovog dvojega, pa zato imamo filozofe koji su prerušeni umjetnici poput Kierkegaarda i Nietzschea, ili filozofe koji su nastavak znanosti drugim sredstvima, a takvi su najznačajniji novovjekovni metafizičari-matematičari, poput Descartesa, Pascala i Leibniza, te u 20. stoljeću Wittgensteina i Whiteheada. Nije nimalo začudan ovaj argumentacijski hokus-pokus, ako znamo da je Rorty ponajprije američki filozof analitičkoga smjera, a poznato je da je upravo pragmatizam paradigmatska orijentacija koja polazi od znanstvene racionalizacije svijeta kojemu filozofija može u najboljem slučaju biti tzv. re-deskripcija. Dakle, prvo izvorni opis svijeta kakav su činili grčki mislioci od predsokratika do stoika i skeptika, a onda posao re-deskripcije. Ostavimo daljnje konzekvencije ove „ironične“ postavke koja nije toliko šašava koliko se na prvi pogled čini. Protudokaz koji bi se Rortyju mogao prigovorom podastrijeti je jednostavan. Filozofija je početak logičko-povijesnoga mišljenja i njezin je okvir pisanja fragment koji nije ni mythos ni logos u strogome smislu, već forma koja sabire mudrost kao ono pred-mitsko i pred-logičko poput Heraklitovih fragmenata, među kojima ću ovdje navesti njegov znameniti 52. o pojmu vremena (Aion): „Vrijeme je dijete koje se igra kamenčićima: kraljevstvo djeteta.“ Pa, što je to, profesore Rorty, priča, mit ili poezija? Ništa od toga. Riječ je o predmetafizičkome mišljenju u formi koja prethodi svakom mogućem mito-logičkome i mito-poetskome kazivanju. Eto, dospjeli smo do prave riječi za izvorno zapadnjačko mišljenje. Filozofija je kao što je to na njemačkome u suvremenome mišljenju kazivao Heidegger, to što kazuje o smislu bitka (Dichten), a ne računanje o bićima u smislu matematike kao znanosti (Rechnen). Kazivanje je govorenje, pa izvorno filozofija nužno pripada sabranome govoru koji za Aristotela tvori bit čovjeka (zoon logon echon). Metafizika je istoznačna s govorom i stoga je Sokrat pravi filozof, a ne Heraklit, zar ne? Sokrat raspravlja o problemima umjetnosti, politike, znanosti, religije, prava, ljubavi, seksa, eutanazije na atenskim trgovima s tzv. običnim ljudima, dok Heraklit u svojem utočištu Artemidina hrama u Efezu piše svoje fragmente. Hm, što je onda bilo prvo: tekst kao pismo ili govor filozofije? I jesu li Sokratovi govori Atenjanima koje Platon uzima kao izvorište svojih dijaloga, primjerice Fedra i Fedona, nastavak pisanja fragmenata drugim, dramskim sredstvima retoričkoga umijeća u raspravi s Drugima? Znamo da je Rorty preuzeo stavove kasnoga Wittgensteina iz njegovih Filozofijskih istraživanja da nema filozofskih problema, već samo političkih, ekonomskih, moralnih itd. Otuda je samorazumljivo da je filozofija opis svijeta sredstvima jezika. Kako je stanje stvari s filozofijom na kraju metafizike Zapada postalo takvo da više nema nikakva smisla opetovati grandiozne iluzije naših mudrih predaka, pa tako i Grka, onda je kontingencija umjesto nužnosti i pisanje umjesto govora postalo zrak koji udišemo. No, ne možemo više ovaj sklop rastvoriti na isti način kako su to činili David Hume i empiristi ili američki pragmatisti u 20. stoljeću koji su sumnjali u smisao bitka kao onog što je unaprijed već uvijek postojeće i zauvijek određeno kao samoobjava svijeta u smislu vječnoga stanja stvari. Umjesto ovog transcendentalnoga perenijalizma (Bog kao apsolut i kao jamstvo spoznaje izvan ljudske relativnosti i ograničenosti perspektivom subjekta), nalazimo se suočeni s „ironijom“ samoga svijeta koji je uvelike od Nietzschea ipak samo djelo različitih tumačenja i suprotstavljenih opisa. Re-deskripcija o kojoj govori Rorty pretpostavlja da ono što bijaše izvorno opisano kao bitak, bića, bit čovjeka sredstvima jezika filozofije nije više samorazumljivo i samoreferentno. Zato je forma u kojoj se filozofija pojavljuje nakon kraja metafizike u Hegela nužno problematična. Ako se čak i možemo složiti da ne postoje filozofski problemi, kako je to mislio Wittgenstein, onda je pitanje zašto svijet u svojoj faktičnosti uopće potrebuje filozofiju da joj rješava probleme kad mirne duše može posegnuti za znanstvenom deskripcijom i književnim začaravanjem stvarnosti metaforično-simboličkim govorom, da se ne govori o religiji koja počiva na mistagogiji objavljenoga Boga kao stvaratelja svijeta? Filozofija ne rješava probleme, jer bi bila tehničko-pragmatična terapija za bolest ljudske samosvijesti koja se vara u svojim proračunima. Filozofija postavlja pitanja o svijetu čak i kad unaprijed poput Sokrata zna da ništa ne zna i da nije ni poezija ni znanost, već kazivajući događaj mišljenja koji nastaje nužnom slučajnošću postojanja koje ponajbolje iskazuje onaj Leibnizov i Schellingov stav-pitanje: zašto je radije biće, a ne Ništa? Što otuda proizlazi za daljnje razmatranje „nesuverenosti“ filozofskih formi pisanja, a ne govorenja? Ponajprije to da je govor kao i pisanje ništa drugo negoli mišljenje, a mišljenje stvara samo sebi svoju univerzalnu formu kazivanja koja sjedinjuje književne forme poezije, drame, romana i možda još onog što dolazi iz biti tehnosfere kao sintetičko kodiranje zvukovne taktilnosti samoga bitka jer i filozofi i znanstveni i umjetnici samo su drukčije estetski kodirani i transverzalno povezani umreženim mislima jedne drukčije „formatologike“, a ne „gramatologije“. Tako je mislio rani Jacques Derrida kad je u jednom kvazi-transcendentalnome smislu pisanje pretpostavio govorenju i filozofijski nas uveo u vladavinu slike kao znaka, u tzv. vizualnu kulturu digitalnoga doba. Ne, nije Aristotel „prvi romanopisac Zapada“, niti je, ne daj Bože, suptilni pripovjedač Proust samosvjesni „filozof“ koji nadmašuje profesora Hegela već time što je znao što piše, naime roman, a ludi Hegel nije znao da je umjesto filozofske studije najvišeg ranga u povijesti metafizike zapravo pisao ꟷ roman. Nisam u kušnji kazati da je onda Einstein pisao roman struje svijesti kad je u svojim fizikalnim studijama izveo znamenitu teoriju relativnosti potkrijepljenu vizualnim kodom brojeva u formuli E= mc2. Poezija i znanost su dvije različite forme kazivanja. Ono predmetafizičko kao i metafizičko ne dolazi iz vedra ili tmurna neba nad Atenom, Berlinom ili Washingtonom, već iz jedinstvene i neponovljive događajnosti mišljenja kao događaja koje može uzeti ako hoće baš sve forme diskursa i govoriti ono što je jedino bitno: da je mišljenju kao re-deskripciji svijeta odzvonilo zauvijek i da mu nikakvo prerušavanje u formu romana ne produljuje ionako usahnutu egzistenciju pred prolomom AI kao najvišeg stadija tehnosfere u smislu samoproizvodnje svih mogućih virtualnih svjetova. Zato nakon romana kao posljednje velike metafizičke forme književnosti može doći samo integralno sintetiziranje ili ono što je Richard Wagner u svojem „žanru“ ideje apsolutne glazbe zamišljao kao cjelovito umjetničko djelo (Gesamtkunstwerk). Ironija je da je Wagner umro kao i Marx još 1883. godine. I zato je nečuveno da se još uvijek u trećoj dekadi 21. stoljeća moramo baktati jednom produktivnom himerom da bismo pokazali kako je kontingencija svijeta sve drugo negoli ironični i re-deskritivni „slučaj“ za mišljenje lišeno ekstaze pragmatičkoga brisanja svijeta kao fundamentalnoga probleme suvremene filozofije. A što ako mi više uopće nemamo ni svijet niti njegove fraktale svijesti kao „svoje“ forme kazivanja, već smo uronjeni u mreže jedne posve drukčije svjetovnosti koja nadilazi i filozofiju i umjetnost i znanost kao najviše forme duhovnoga bitka u povijesti?

October 5, 2024
#odarhitekture Krešimir Rogina presreće Žarka Paića

#odarhitekture Krešimir Rogina presreće Žarka Paića

Evo, do toga je došlo. KKKrah je izveo diverzivnu subverziju svega još postojećega u ovome svijetu pseudo-veličina apsolutnoga nihilizma već odavno raspadnutih vrijednosti kojima se kite institucionalna služinčad iz svojih provincijalnih vječnosti od Akademija, Sveučilišta, Crkve, Društva, Države i „ustoličio“ na prijestolje ne-moći onog što je još preostalo od Mišljenja suvremenosti nikoga drugoga nego „mojeg sebe“. Kako se ova KKKrahova post-knjiga razvila iz „mojega“ bloga KAOS u kojem nekoliko puta problematiziram pitanje identiteta, subjekta, narcizma, tymosa ili samopriznanja vlastitosti-u-sebi kroz mitopoetske figure Fernanda Pessoe, Antonina Artauda, Friedricha Nietzschea i Friedricha Hölderlina, onda postaje razvidno da je JA-stvo ili ono što Freud u glavnoj formuli psihoanalize uspostavlja kao zapovijed, naime, da „gdje je bilo Ono, mora postati Ja“ (Wo es war, soll Ich werden), onda je samorazumljivo da su životna mahnitost i stvaralačka ludost samo druga strana ovog zajedničkoga projekta „mojeg“ THE ART OF CHAOS i „njegova“ neka pogodi kako se ova post-knjiga uopće naziva. Ovo je, dakle, moguće samo na kraju povijesti i u doba tehnosfere koja u „mojim“ promišljanjima predstavlja kraj metafizike u kibernetici i početak otvorenosti jednog drugoga i drukčijega mišljenja-kazivanja-šutnje od svega što bijaše bilo i jest u sadašnjosti. On, KKKrah je najradikalniji svjetski ex-arhitekt jer je jedini nakon Cedrica Pricea shvatio i utjelovio umjetnost razaranja i moć samonegacije svijeta u krhotinama. Kad sam napisao 4. svezak „moje“ Tehnosfere naslovljen SKLOP I PETLJA: ŠTO PREOSTAJE OD ARHITEKTURE?, Mizantrop, Zagreb, 2019., s glavnom postavkom nakon studije o arhitekturi-kao-stroju vremena i nasljeđu Le Corbusiera u naše doba kako je „doba arhitekata prošlo“, otišao sam na balkon i zagledao se u bijele rupe transverzalnoga svemira, potom sam bacio pogled na smartphone i vidio „Njegov“ razgovor u „Jutarnjem listu“ u kojem rezolutno tvrdi ISTO, na dlaku ISTO, bilo mi je jasno da je To-To. Ono što nadomješta ne samo arhitekturu, već svih pet duhovnih osjetila (mit-religiju-umjetnost-filozofiju-znanost) nije ništa drugo negoli šesto osjetilo nadosjetilnosti, apsolutni Apsolut tehnološke singularnosti koji označava pojam autopoiesisa. To je samostvaralačka Odiseja u svemiru našeg mikro-i-makro-kozmičkoga lutanja u beskraj vlastite mahnitosti i ludila zvanog „život“. Nema više ničega čemu smo tako lakomisleno posvećivali vlastitu pozornost i žrtvovali ovaj jedini duhovni život za mizerne „filozofske mrvice“, što bi rekao kršćanski protoegzistencijalist Sören Kierkegaard, o kojem sam napisao knjigu Sfere egzistencije, Matica hrvatska, Zagreb, 2017. Nemojmo se praviti naivni. Sve je to bilo prezentno u pretkazanju nadolazeće budućnosti i Nietzscheu pred kraj života kad je dobio pisaći stroj i uskoro poludio. Zadnje riječi su mu bile prije onog konja i Torinskoga ushićenja ove: Unsere Schreibtmaschine schreibt! Evo Vam najradikalnije kritike pseudo-sebstva, kraljevskoga i carskoga JA, narcizma velikih razlika drugim sredstvima. Tko, dakle, piše ovo što „ja“ pišem kao Predgovor/Pogovor knjizi KKKraha koju nije lako zapamtiti jer to i nije knjiga, već stvaralački kaos sastavljen od digitalnih triptiha, kontrapunktura i integrala LSD-estetike s „mojim“ mislima i „njegovim“ mišljevinama. Oboje, naime, savršeno stoje u disonancama i disharmonijama s ovim svijetom naprosto zbog toga što ga pogađaju tako jasno i precizno u Umjetni Mozak i sve mizerije i kvazi-duhove s ovih i globalnih prostora pretvaraju u sirovine za reciklažu ništavila što je za njih najveći misaoni doseg uopće i razlog njihova besmislenoga postojanja. Tehnosfera je nihilistički krug kredom i jedini spas od ovog ne-svijeta što KKKrah intuitivno i (de)konstruktivno pokazuje svojim vizualijama i svojim performativnim konceptualijama već od trenutka dok mu se obznanilo sa Spenglerom i Japancima da je arhitektura pra-temelj svijeta i njegov eterični kraj u bezdanu duha. Nema nikakve dvojbe: ovo je korelacijska struktura sinestetike beskraja u kojoj On i Ja, slika i riječ, u slavu narcizma velikih razlika, pokazuju da je SVE dostojno promišljanja izvan struje i onkraj jezično-slikovnih granica, i to na ovom malome jeziku jednog klaustrofobičnoga naroda koji svoje povijesne veličine sustavno briše i zaboravlja pritom da je to nemoguće anti-poslanstvo, jer sve dođe na svoje, pa tako i ono što struji iz magme kaosa i vraća se u svoj jedinstveni i neponovljivi THE ART OF CHAOS. KKKrah i ŽP nisu narcistički pali anđeli ovog ne-svijeta koji se rapada od lažne taštine i besmisla, već samo oni koji znaju da je jedino važno misliti i biti SVOJ u svakom trenutku vlastita dostojanstva i samoće, u svakom trenutku vlastita traga u ovoj igri s beskonačnom brzinom tehnološke singularnosti koja nas mami i guta bez daha. Evo, do toga je došlo.

October 4, 2024
Totalitarno „Ono“ ili o carstvu objekata

Totalitarno „Ono“ ili o carstvu objekata

Eto, moj prilog filozofijsko-politologijskoj diskusiji o totalitarizmu suvremenosti njemačka Wikipedija svrstava u nove modele ili tipove totalitarizma pod skupnim nazivom „digitalnoga sustava vladavine“. (v. https://de.wikipedia.org/wiki/Totalitarismus) Ne bih ovdje komentirao da u knjizi The Return of Totalitarianism: Ideology, Terror, and Total Control, Palgrave Macmillan, Cham, 2022., ne zagovaram nikakav takav sustav vladavine u smislu analize fenomena koji se danas već uobičajeno svrstava u pojmovlje distopijskoga. Tako se distopijskim označava sve i svašta u smislu ne-utopije koja se u svojoj realizaciji prometnula u perverzni način artikulacije totalnoga zla kao što je to bilo s idejom komunizma u 20. stoljeću. A u 21. stoljeću to ide tako daleko da se više ne zna razlika između klasičnoga i novog totalitarizma i autokratskog populizma, primjerice. Moje je stajalište o povratku totalitarizma kao proskribiranoga pojma društvenih znanosti i politike već u Uvodu knjige izričito: stari i novi totalitarizam su bitno različiti u svim svojim pojavnim formama, jer više nema projektiranog univerzalnoga neprijatelja tzv. narodne zajednice kao što su to bili Židovi za nacističko ozbiljenje Heimata ili buržoaske klase kao što je to bilo za staljinističko-maoističko razumijevanje komunizma, a usto se i sustav koncentracijskih logora za prokazane neprijatelje poretka ne pojavljuje kao nužnost permanentnog terora o kojemu zbori Franz Neumann u svojem Behemotu. Umjesto univerzalnoga neprijatelja totalitarnoga poretka kao narodne zajednice u fašizmu-nacizmu i staljinističko-maoističkome realnome socijalizmu i umjesto totalne države zasnovane na teroru logorskoga sustava isključenja na djelu je trijada nove ideologije, novoga oblika totalnoga terora spram Drugoga i ono što nadomješta sustav logora i čitav pseudo-romantični model „narodne zajednice“. Naravno, riječ je o famoznome „društvu kontrole“ proširenome na postimperijalni prostor globalnoga poretka vladavine kao upravljanja životom Drugoga s pomoću logike tehnosfere. Samo u tom smislu njemački wikipedičari su u pravu. „Digitalni totalitarizam“, kojeg vide teorijski razjašnjenoga u mojem razumijevanju tehnosfere paradigmatski je oblik totalitarne vladavine u suvremenome svijetu 21. stoljeća. Kao najbolju potkrepu ovoga obrata u biti vladavine koji se otpočinje dešavati globalno-planetarno s uvođenjem digitalne tehnologije, a što označava Deleuzeov pojam „društva kontrole“ kao gubitka individualnosti subjekta, podređivanja čovjeka u svim aspektima procesima robotizacije i posthumanoga stanja, te izbora sigurnosti pojedinačno-kolektivne egzistencije pred silama terora umjesto luksuza tjeskobne samotne slobode u interaktivnoj komunikaciji s Drugime, moguće je navesti niz filmskih novijih ostvarenja poput TV-serije „Black Mirror“. No, moram priznati da mi je posebno u tom pogledu impresivni dokumentarac naslovljen „Singapur: Savršena država ili distopijsko društvo“? (Singapore: THE PERFECT CITY OR DYSTOPIAN SURVEILLANCE STATE?) Ovaj film plastično pokazuje razmjere prožimanja države s društvom kroz ono što nadilazi tradicionalni pojam političkoga i politike kao totalne moći nasilja nad Drugim. Tehnosfera kao treći poredak kibernetike s vladavinom informacijskoga koda ulazi u samu jezgru/bit življenja čovjeka i pretvara ga u sustav objekata bez izvanjske prisile. Po prvi put u povijesti totalitarno upravljanje svijetom proizlazi iz želje objekta kao subjekta za vlastitim gubitkom slobode u ime posvemašnje sigurnosti zajednice bez kriminala i ekscesnoga ponašanja ljudi. Ono što je francuski prosvjetiteljski mislilac Étienne de la Boétie utopijski zamišljao u svojem spisu Dobrovoljno ropstvo realiziralo se kao „distopijsko društvo“ neutralizirane i suspendirane slobode u liberalnome shvaćanju od Johna S. Milla do Johna Rawlsa. Tehnosfera nije ništa neutralno za čovjeka, već uvjet njegove apsolutne vladavine i uspona totalitarne strukture upravljanja svime što jest s pomoću umjetnoga uma i prirodne želje za vlastitim samopriznanjem. Stoga je razlog proturječja u logičko-povijesnome smislu između tehnologije i ljudske svijesti u tome što umjetna inteligencija nije više nikakvo sredstvo za instrumentalne svrhe ljudske egzistencije. Pokazao sam vjerodostojno u petoknjižju Tehnosfera da više nema nikakve razlike između sredstva i svrhe u pojmu autopoietičke vladavine sustava nad okolinom što samo znači da je sva metafizika s njezinim organologijama, teodicejama i soteriologijama naprosto mauzolej virtualnih artefakata zamrznute prošlosti. Bit tehnosfere ne dosiže ni Hegelova zatvorena ili spekulativna dijalektika, kao ni otvoreni sustav historijskoga materijalizma Marxa koji tehnologiju vidi neproblematski kao sredstvo za povijesno oslobađanje čovjeka od svih stega prirode i društvenih uvjeta ropstva (otuđenja i postvarenja). Tehnosfera vlada tako da omogućuje nastanak obrata u biti političke metafizike demokracije koja nužno počiva na ideji slobode. Kako? Evo, ovako. Umjesto podređivanja liberalne želje čovjeka za ozbiljenjem vlastite slobode, imamo pervertirani sustav vladavine kao totalitarizma „Onoga“ koji više nije puki subjekt želje za samopriznanjem vlasništva nad Drugim kao svojim posjedom, već onaj koji sebe vidi kao Drugoga u očima „Velikoga Trećega“ i zahtijeva sigurnost zajednice da bi se posve utopio u njezinu svetome Imenu (Singapura, u ovom slučaju, a model je isti i za druge neliberalne autokracije). Tako slavni prosvjetiteljski Freudov slogan psihoanalize postaje izokrenut i sada glasi ovako: Gdje je bilo Ja, mora doći Ono (Wo Ich war, soll Es werden). Konzekvencije su ovog obrata u razumijevanju povijesti samosvijesti dalekosežne. Umjesto liberalne naravi subjekta želje, sve se usmjerava želji za desubjektiviranjem s pomoću novih informacijsko-komunikacijskih tehnologija. U mojoj knjizi o totalitarizmu čitav se problem gubitka subjekta i nastanka novoga „digitalnoga totalitarizma“ svodi na pitanje o novome subjektu političke vladavine. To nije liberalno-demokratski „narod“ u postmodernome stanju deliberativne demokracije, već autokratski vođa koji za razliku od klasičnih totalitarnih Vođa (Hitlera, Staljina, Mao Dze Donga) više ne potrebuje legitimnost Partije kao Apsoluta. Nadomjestak Partije postaje tajna policija u novome kontekstu globalnoga stvaranja kaosa kao permenentnoga izvanrednog stanja i zbog toga tehnosfera postaje najubojitije oružje razaranja Drugoga, njegove posvemašnje kontrole i zatiranja drugim sredstvima od etničkoga čišćenja naroda, deteritorijaliziranja/reteritorijaliziranja Moći i uspostavljanja logike onog što Lacan naziva užitkom (jouissance) onkraj granica jezika. Tehnosfera i digitalni totalitarizam su neskrivena želja za biti Ono kao objekt želje i stoga će nadolazeća budućnost biti u znaku trijade vladavine autokratsko-neliberalnih poredaka ideologija neoliberalizma u ekonomiji, populizma u politici i fundamentalizma u kulturi. Cenzura u filmu o distopijskome društvu o Singapuru zahvaća gotovo sve aspekte života. Sudovi šikaniraju političke protivnike vlasti. Pripadnici spolnih manjina su pod prismotrom. Konzumiranje droge vodi ravno u zatvor, a katkad i na gubilište. Nakon stanke uvedene za vrijeme pandemije COVID-a, opet se izvršavaju smrtne kazne vješanjem. Pratimo svakodnevni život građana Singapura, prožet zabranama i najsuvremenijom tehnologijom. U školama i bolnicama, na tržnicama i ulicama nadzorne kamere su sveprisutne. Upoznajemo ljude koji su na vlastitoj koži osjetili strogost režima: bivšeg zatvorenika koji je proveo 25 godina iza rešetaka zbog običnog prekršaja, a zatim mu je dosuđena i tjelesna kazna. Ili demokratske aktiviste koji sanjaju o većoj slobodi, ali onda završe u zatvoru. Snimljene su scene s obitelji čovjeka koji čeka izvršenje smrtne kazne. Njegov zločin: imao je kod sebe 35 grama heroina, a posjedovanje više od 15 grama automatski se kažnjava smrću. Vidimo korporativnu arhitekturu nebodera u kojem financijski kapitalizam doseže vrhunac, a unutar četiri zida sve je gotovo kao iz Orwellova romana 1984. Zabrana držanja mačaka, ali ne i pasa, zabrana golotinje u vlastitoj intimi, nužno cinkanje susjeda kao mogućih nositelja subverzivnih ideja kao što su pušenje na javnome mjestu i slično. Vidimo fascinantno bogatstvo visoke klase s notornim brandovima poput Guccija, Armanija, Diora i simulacije venecijanskih kanala. Vidimo i bordele onkraj korporativne arhitekture kao backstage ovog posttotalitarnoga ludila čistoće, luksuza i želje za dosezanjem apsolutne sigurnosti. Vidimo naposljetku bolnice kao paradigmu najboljeg javnoga zdravstva na svijetu u kojem umjesto bolničarki rade autonomni roboti i krajnje funkcionalno i predano zbrinjavaju stare pacijente s Alzheimerom. Vidimo eksperimentalnu večeru za profesionalne gurmane u hotelu, što je očito nužna budućnost hranidbenoga lanca ovog svijeta: posthumano proizvedena piletina bez uzgoja i klanja životinja, iz zametaka i sintetičkoga uzgoja koji ide tako daleko da je nalik pravoj piletini i sve se čini „savršenim“. Zbogom humanizmu i liberalizmu, dobrodošlica onom tehno-Realnome koje može riješiti svaki problem bez nepotrebnih psiho-smetnji i sukobljenosti među ljudima! I na kraju, da ne zaboravim, vidimo jednu djevojku na motoru kojoj je sve ovo posve dozlogrdilo pa hita praznim noćnim avenijama osvijetljenoga Singapura na motoru u novi svijet izvan logike sigurnosti i zajedničke sreće. Gdje je subjekt singapurskoga „društva kontrole“ ꟷ tajna policija? Zašto je se ne vidi nigdje na ulicama, poput američko-ruskih špijuna u robnim kućama i na spektakularnim događajima poput sportskih arena? Zato što je to nepotrebno, jer „narod“ cinka sve i nikoga. Čudovišna moć tehnosfere kroz nadzorne kamere isporučuje vizualne informacije u realome vremenu i virtualnome prostoru toliko brzo da i Tom Cruise u Spielbergovu distopijskome filmu Minority Report ne može tolikom beskonačnom brzinom eliminirati neprijatelja koji smišlja zločin prije no što ga uzmogne uopće počiniti. Tajna je policija postala glavni agent sveprisutne tehnološke singularnosti. Otuda film o Singapuru nije nikakva kritika ni ove države i grada kao azijske paradigme autokratskoga kapitalizma. Ne. nema ni govora o nekoj fatalnoj kolektivnoj nepunoljetnosti i deficitu demokracije u Aziji za razliku od Europe i Amerike. Ta, gdje je nastao izvorni totalitarizam negoli u srcu moderne, avangardne i dekadentne Europe? Japan je nakon svojeg poraza 1945. u ratu protiv SAD-a prvi krenuo ovim stopama brzoga ekonomskoga rasta i imperativa visokih tehnologija u svakodnevnome životu. Singapur je to nastavio i tako dospio do posthumanoga stanja u najpozitivnijem i najnegativnijem pogledu uopće. Kina predstavlja hibridni posttotalitarni eksperiment ovog globalnoga društva kontrole i nema nikakve dvojbe da je slučaj Azije najbolji primjer kako se „digitalni totalitarizam“ doslovno ucjepljuje u čovjeka kad je njegova težnja za sigurnošću i blagostanjem veća od praznoga hoda individualnih sloboda. Uostalom, Singapur je singularna iznimka koja potvrđuje univerzalno pravilo da je želja za Onim uvijek i tehnološko negiranje sebstva koje je čak i u doba prosvjetiteljstva bila ekscentrično pravo na vlastito osamljivanje i borbu protiv Drugih kao bezočno pokornih ljudi bez svojstava.

October 3, 2024
Glazba kao mišljenje

Glazba kao mišljenje

U jednom tekstu Arnolda Schönberga, koji je toliko lucidno napisan u kritičkome tonu protiv tzv. pseudopovjesničara glazbe na konzervatorijima i još je k tome nadasve duhovit, a koji uskoro izlazi u tematskome bloku o estetici i filozofiji glazbe u časopisu Europski glasnik br. 29/2024. čitamo i ove nezaboravne rečenice. „Često sam razmišljao o tome bi li ljudima koji posjeduju mozak bilo bolje da prikriju tu činjenicu. Potkrepu u tom stavu pružio mi je primjer Beethovena, koji je odgovor na jedno pismo svojeg brata Johanna, potpisano sa „zemljoposjednik“ potpisao s „posjednik mozga“. Moglo bi se pitati zašto je Beethoven naglašavao upravo da posjeduje mozak. Imao je toliko drugih odlika na koje je mogao biti ponosan, primjerice, da je bio u stanju skladati glazbu koju su mnogi ljudi smatrali vrhunskom, da je bio savršeni pijanist – i kao takvog priznavalo ga je čak i plemstvo – i da je mogao zadovoljiti svoje izdavače time što im je za novac davao i nešto vrijedno. Zašto se nazivao upravo „posjednikom mozga“, kad posjedovanje mozga za mnoge pseudopovjesničare slovi kao opasnost po umjetničku naivnost?“ (Arnold Schönberg, „Nova glazba, zastarjela glazba, stil i misao“, s njemačkoga preveo Boris Perić) Mozgoposjednik je kao skladatelj najmesijanskije simfonije svih vremena, one Devete, unutar koje se uzdiže do desetoga neba „Oda radosti“, za mene istog ranga kao i Hegelova filozofija apsolutnoga duha. On i njegova glazba vladaju zemljom, a ne vlasnički list njegova brata Johanna ovjeren kod njemačkoga javnog bilježnika u 19. stoljeću. Naravno, reći će se onako opskurno realistički, da je Johann važniji za bit kapitalizma od njegova gluha i genijalnoga brata i to zbog toga što je vlasnik uvjeta mogućnosti realne vrijednosti proizvodnje života, dok je tzv. kulturni kapital umjetnosti, doduše, aura suvremenoga kapitalizma kojeg neki sociolozi poput Lipovetskoga nazivaju „estetskim“. Ali zemlja je uvijek zemlja i kad je mrtav kapital. Vidimo da Schönberg implicitno razlikuje status glazbe u dvije njezine uobičajene mislive forme. Prva je ona tzv. narodski razumljiva i stoga nužno pripadna rekao bi Pascal „logici srca“, dok je druga često mnoštvu odiozna i krajnje neprihvatljiva jer unosi razdor u sensus communis, rekao bi Kant. Obje su forme od davnine nazočne u svijetu umjetnosti. Koliko je talentiranih umjetnika radije izabralo komercijalni uspjeh za razliku od prihvaćanja gorke sudbine inovatora koji se ne libe prezreti svaki čin masovnoga obožavanja. Zato zajedljivi Schönberg sjajno ukazuje na jednu anegdotu iz Schophenhauerova teksta, koju najveći metafizičar glazbe komentira, a ona potječe još iz doba Demostena i njegove škole govorništva. Kad jedan od njegovih učenika nakon svojeg govora o stanju nacije u Ateni dobije opetovane ovacije za svoje umijeće argumentacije i retoričkoga nagovora na pobunu protiv vlastodržaca, sav uznevjeren zapita ekstatički puk: „Zar sam nešto strašno pogriješio?“ Beethoven je uspostavitelj nove glazbe kao mišljenja apsoluta. Na njega bi se s punim pravom mogao primijeniti iskaz Gillesa Deleuzea kako suvremeni filmski redatelji misle u slikama i stoga ih valja tretirati ravnopravno s filozofima koji misle u pojmovima. Pa, kako onda to misle glazbeni skladatelji? Naravno, u trijadi zvuka-tona-melodije. Zar nisu u slučaju Adorna kao filozofa i sociologa kritičke teorije društva njegovi pojmovi poput disonanci u estetici izvedeni iz „filozofije nove glazbe“? Nećemo baš kazati da iz Beethovenove glazbe, osobito simfonija i sonata, progovara apsolutni duh nalik Hegelovu iz Fenomenologije duha i Enciklopedije filozofijskih znanosti. Postoji ipak nešto blisko onome što iskazujemo pojmovljem korelacije mišljenja i glazbene kompozicije jer ako postoji ono što je popularno i ono što je na najvišoj razini ozbiljnosti izvedbe, ono masovno i ono elitno, onda je glazba kao mišljenje srodna konceptualnoj umjetnosti koja u suvremenosti sjedinjuje i izvedbu (performativ) i postav (instalaciju). S Beethovenom kao „posjednikom mozga“ muzika kao uvjet mogućnosti glazbe ne potiskuje u drugi plan ljudske osjećaje da bi od glazbe načinila logičko-matematički problem stvaranja ugođaja ekstatičke racionalnosti. Aporija je konceptualne umjetnosti u tome što je već i za Hegela ideja kraja povijesti označavala neminovnu silaznu putanju moći umjetnosti da bude ono što naziva osjetilnim sijanjem ideje u doba vladavine apsoluta kao sinteze supstancije i subjekta. Umjetnost u moderno doba nema više za svoj predmet svijet, već samo njegovu sliku i zbog toga u slučaju glazbe nastaje ono isto što je zadesilo i književnost i vizualne umjetnosti. Naime, umjetnost u sučeljenosti s vladavinom znanosti i tehnosfere gubi svoju apsolutnost koju je postulirala upravo Beethovenova ideja „apsolutne muzike“. Ona je trebala biti jedinstvo apsolutnoga duha i svijeta kao ozbiljenja mišljenja koje nužno zahtijeva mesijanski prostor-vrijeme kozmopolitske zajednice i nade čovječanstva u imperativ dobra u pobjedi nad zlom. U svojoj knjizi ogleda Čemu glazba? koju će objaviti Litteris 2025. godine razlikujem stoga četiri paradigme u kojima se ogleda ovaj proces uspostavljanja ideje apsolutne glazbe od Beethovena preko Wagnera do Mahlera i nakon njega do Schönberga, Berga i kasnije Darmstadske škole nove glazbe. To su razdoblje vladavine duha kojim simfonijska muzika sjedinjuje težnju da se umjetnička religija (Kunstreligion) ozbilji u ideji cjelovitoga umjetničkoga djela (Gesamtkunstwerk) čega je Wagner najznačajniji predstavnik. Ovaj protokonceptualizam je izdanak njemačke romantike koja je htjela sjediniti filozofiju, znanost i umjetnost i ta je fikcija bila razlogom sloma njemačkoga idealizma iz kojeg je proizašao rasap apsoluta u samome sebi. Beethoven je svoju glazbu i samoga sebe nužno morao razumjeti kao uzdignuće i žrtvovanje svega izvanjsko-osjetilnoga za ono nadosjetilno koje nije nikakav Bachov odsutni Bog, već čista ideja stvaranja i razaranja, apsolutni duh koji se sintetički pojavljuje u svijetu kroz pojmovnu arhitektoniku filozofije i znanosti te doživljajno-osjećajnu konstrukciju ljudske samosvijesti kao Hegelova „nesretna svijest“. Aporija je ovog slučaja u povijesti glazbe na njezinome kraju u smislu rasapa apsolutnoga duha u tome što je svaki mesijanizam kao bit glazbe koja postaje samosvijest nove epohe znanosti i tehnosfere istodobno „anti-mesijanizam“ jer je posve jasno da ideja Boga ne počiva u ovoj glazbi koja nadilazi sve svoje granice i postaje svijet-glazbe-za-sebe samu. U kušnji sam kazati da je ideja apsolutne glazbe koja je nastala s Beethovenom, a ne Wagnerom, oglušila na zahtjev svoje apsolutnosti već s IX. Simfonijom. Zašto? Pa, zar to nije samorazumljivo? Beethoven nakon realizacije apsoluta u kozmopolitskoj praznini neba na zemlji mogao je biti samo „posjednik mozga“ i od mesijanske nade u nadolazeći Optimum svijeta tvoriti čitav niz „serijalnih ponavljanja“ što ga je naposljetku i ubilo/oglušilo. Duh koji ovom glazbom teži umjetničku religiju kao estetiziranje svijeta dovesti do najviših vrhunaca ispario je u samome sebi. Nijemci nakon njega i Wagnera nisu više imali primat u muzici. Netko bi se narogušio i kazao možda poput Schönberga: a tko onda, pa ne valjda Amerikanci koji su u 20. stoljeću glazbu doveli do najveće blaziranosti tjelesne performativnosti od jazza i rock & rolla do Johna Cagea? Nismo završili: a što ćemo s Bečkim krugom i Darmstadtovcima? Nisu li to najveći vrhunci „filozofije nove glazbe“ o kojoj teorijski suvereno zbori Theodor W. Adorno? Naravno da jesu, ali u ideji, ovdje više nije riječ ni o čemu drugome negoli o nastanku konceptualizma „nove glazbe“ koja za svoju „bit“ ne uzima više ni duh ni tijelo, već dušu i njezine traumatske i sentimentalne postmetafizičke varijacije na teme prirode i zemlje. To je glazba dekadencije, a ne avangarde, i zato je novo čitanje spisa Vladimira Jankélévitcha o Debussyju i Ravelu važnije od novoga čitanja korifeja i teorijskoga vođe svih avangardnih (s)kretanja u glazbi 20. stoljeća u spisima Theodora W. Adorna. Nakon smrti Nietzschea 1900. ostalo je u nasljeđe Francuzima (Debussy i Ravel) te navlastito Gustavu Mahleru dekonstruirati apsolutni duh njemačkoga idealizma i ideju apsolutne glazbe kao sveze simfonijskoga muziciranja i vokalizma u cjelovitome umjetničkome djelu (operna drama Wagnerova tipa). Silazna putanja dekadencije apsolutne glazbe s njegovom je V. Simfonijom dosegla stanje vladavine onog što se tradicionalno metafizički naziva duša (psyché) i što glazbi podaruje višak osjećaja i manjak apsolutne redundancije duha. Umjesto subjekta-supstancije kao Čovječanstva (Beethoven) i Naroda (Wagner), na scenu stupa tjeskobno i bolno raspeti singularni individuum kao stjecište novoga apsoluta stvorenoga iz moderne poezije i slikarstva (Mallarmé i impresionizam) ili iz religiozno-ekstatičkoga pristupa Prirodi u njezinoj emanaciji ljepote i uzvišenosti iza koje stoji smrtni rasap i nova tragičnost (Mahler i Rilke). Treća paradigma jest već spomenuta tjelesnost ili samosvrhovitost glazbe koja postaje čista tehnička konstrukcija s atonalizmom Schönberga i okončava s performativnošću Cageovih tišina i eksperimenata s ništavilom kao praznim prostorom apsolutne muzike. Već je otuda, in nuce, razvidno da je ovo treće dokidanje vladavine duha i duše te preobrazba glazbe u autopoietičku strukturu proizvodnje zvuka-tona-melodije s pomoću tehnosfere. Naravno, nije nimalo začudno da je to do savršenstva dosegnuto u kompozicijama Iannisa Xenaxisa koji je sjedinio duh i znanje funkcionalizma u modernoj arhitekturi kao nastavljač Le Corbusiera i arhajske grčke glazbe. Tehnosfera se „arheologijski“ pojavljuje 1960ih godina kroz sintetiziranje zvuka i tako otpada čitava povijest mesijanizma i soteriologije u biti glazbe, sav patos apsolutnoga duha i sva patetika uznosite ljudske duše. Trijumf čiste ekspresivnosti tijela, međutim, neljudskoga je karaktera. Umjesto organike na djelu je tehnološka napredna protetika „posjednika mozga“ koji više nije čovjek poput Ludwiga van Beethovena, već stroj mišljenja poput HALA 9000 iz Kubrickova SF-filma 2001: Odiseja u svemiru. Konceptualna je glazba čisti autopoiesis. Ona ne sklada i ne svira nešto tako što oponaša zvukove iz prirode (mimesis) i ne predstavlja nekoga ili nešto (poput Majstora pjevača). To je glazba koja više nije glazba jer nije oživljavanje glasa životinje ili ljudi, a nije ni muzika u smislu predmetafizičke grčke tragedije bitka koju je tako zanosno i oduševljeno slavio mladi Nietzsche u njegovu spisu Rođenje tragedije iz duha glazbe. Tehnosfera je zapravo četvrta, posljednja paradigma u tzv. povijesti glazbe kao umjetnosti i ne može se smatrati više ni proizvodnjom glazbe ni konstrukcijom muzike kao apsolutnoga događaja. Posrijedi je čisti konceptualni događaj kojim se Mozak u svojem umjetnome stanju metastabilne ravnoteže reda i kaosa uspostavlja kao „novi apsolut“ koji vibracije zemlje i transverzale svemira „prevodi“ u zvukove i ritmove jedne nove glazbe sinestetičkoga doba za „posjednike mozga“ na ovoj zemlji koju više ne nastanjuju samo ljudi i druga živa bića, već mutanti i post-bića, čitav sklop kibernetičkih duhova-duša-tijela bez svijeta, naprosto Ono što bismo frojdovski mogli reći ovako: „Wo Es war, soll Super-Ego werden.“ Muzika kao glazba jest posljednji izgled spasonosnoga bijega čovjeka iz ovih meta-svjetova tehnosfere koji predstavljaju brutalnu vladavinu kaosa na zemlji i zato je slušati Beethovena više od mesijanskoga spasa. To je jednostavno apsolutni užitak i to je posve dovoljno zauvijek.

October 2, 2024
Tehnosfera

Tehnosfera

U tradiciji metafizike riječ-pojam drugi i drugo odnosi se na postojanje svijeta izvan granica empirijske spoznaje. Drugi je svijet onaj koji se odnosi u kršćanskoj teologiji na kraljevstvo Božje izvan ovog svijeta materijalnosti i opsjene pravoga bitka i njemu pripada vječnost i blaženstvo. Bog se, dakle, određuje posve legitimno kao ‘Veliki Drugi’, jer upravlja ovim ovdje svijetom iz nesvodivosti svoje transcendencije. Biti-preko i onkraj znači biti u svezi transcendencije i metafizike. Ništa se u ovome svijetu stoga već od Platona preko skolastike do modernih filozofija duha ne zbiva autonomno, jer je ljudska egzistencija najveći doseg slobode ovog bića kojemu bit određuje njegova duhovnost s podrijetlom u onome što je nalik božanskome, ali ne kao simulakrum Boga, već kao potencijalnost realizacije pet transcendentalija kao uvjeta mogućnosti svekolike zbilje uopće – unum, bonum, verum, ens, pulchrum. I platonizam i aristotelizam, i Ideja i Energeia kao temeljne riječi za smisao bitka, pretpostavljaju da je svijet nastao djelom božanske volje ili čina stvaranja, ali tek će tomizam skolastike Boga izjednačiti s mišlju-pojmom-činom stvaralačke djelatnosti koja u načelu odgovara onome što čovjek ima kroz iskustvo svih pet osjetila. Transcendentalije su ideje i forme u kojima se pojavljuje mogućnost stvaranja ljudskoga svijeta u njegovu savršenstvu. Pet transcendentalija je istodobno pet duhovnih osjetila kojim se ono što proizlazi iz Božje supstancije realizira u ovome svijetu ovdje. ‘Veliki Drugi’ nužno mora biti izvan i onkraj ovog svijeta, a ono drugo i drukčije nije vezano uz značajku bića, već bitka kao takvog kojemu prethodi Bog. U skolastičkoj logici, kako je poznato, koja nastavlja s aristotelovskom logikom, izraz tertium non datur ili treće ne postoji upućuje na to da u isto vrijeme nije moguće postojanje bića i ovdje i ondje, te da se istina bitka pojavljuje samo u suđenju u smislu podudaranja mišljenja i stvari same, ali tako da može biti samo jedan iskaz istinit, a drugi ne-istinit ili lažan. Temeljna logika metafizike jest logika ili-ili. No, od Platona do Hegela, Marxa, Freuda i Lacana i do kibernetike susrećemo se s nečim samorazumljivo čudovišnim, Unheimlich. Naime, Platon uspostavlja trijadu ili trojstvo teorije, prakse i proizvodnje. Ono potonje uspostavlja se kao poiesis i označava proizvođenje bića iz bitka. Kršćanska teologija na toj će pretpostavci Boga odrediti kao onoga koji stvara iz Ničega, creatio ex nihilo. Uglavnom, poiesis je stvaranje, rad, proizvodnja kojim čovjek oblikuje svoj svijet kao djelo nužnosti i slobode, jer mu je proizvođenje u djelovnome i ne-djelovnome smislu, primjerice, poezije i kiparstva, nešto ‘urođeno’ što određuje njegovu bit. Naravno, proizvođenje je po rangu treće iza teorije i prakse. U Hegela je ono treće na najvišem rangu i ima značajke apsoluta u smislu povijesno-dijalektičkoga napretka i razvitka. Tako je filozofija uvjet mogućnosti nastanka znanosti apsoluta i nalazi se iznad umjetnosti i religije. „Veliki Treći“ pojavljuje se za Hegela kao bit apsolutne metafizike i kao kraj povijesti u smislu dokidanja-prevladavanja, (njemački Aufhebung), prethodna dva stadija povijesnoga razvitka, prirode i društva, subjektivnoga i objektivnog duha. Tek na stadiju onog trećeg, ozbiljuje se smisao filozofije kao metafizike, a povijest ima karakter teodiceje svjetskoga duha koji zna sebe kao istinu čitavog procesa zbivanja od početka do kraja. Marx, pak, „Velikoga Trećeg“ zadobiva tako što tzv. trojni obrazac vladavine kapitalizma od prvoga stadija robe preko novca do kapitala ili čiste Ideje samog zbiljskoga procesa razvitka svjetske povijesti dokida-prevladava u onome što Sutlić naziva praksom rada kao znanstvenom poviješću, a to je ništa dugo negoli komunizam kao najviši oblik smisaonosti povijesti uopće. Čovjek i u Hegela i u Marxa jest slobodni individuum koji svoju egzistenciju ima samo u sintezi „Velikoga Trećeg“ i povijesti kao osmišljavanja kretanja ideje kroz nužne likove svoje pojavnosti. Komunizam je stoga ‘imanentna transcendencija’ povijesnoga aposluta u kojem čovjek egzistira, ali komunizam nije cilj povijesti, već njezin kraj u metafizičkome smislu riječi. Freud govori o stadiju osvještavanja subjekta kroz stadije koje obilježavaju Id, Ego i Superego. Naravno, temeljni problem psihoanalize je „Veliki Treći“ koji zapovijeda i tlači, oslobađa i ugnjetava, postaje nesavladivom preprekom za slobodni razvitak osobe ili ima utopijsku vrijednost vjere i nade u buduće društvo sreće, blagostanja i svestranoga razvitka osobe. Lacan ovu istu shemu „dekonstruira“, pa imamo ono imaginarno, simboličko i Realno koje je, dakako, traumatsko jer je rascjep prvoga i drugoga i ne postoji drukčije negoli kao želja za dosezanjem sublimnoga objekta. „Veliki Treći“ je unutar metafizike stoga pokretač povijesti, njezin cilj u smislu sinteze supstancije i subjekta, moment vremena koji se pronalazi u aktualnosti „ovdje“ i „sada“ a ne u mitskoj prošlosti ili u nedoglednoj budućnosti. Biti-treći znači biti ono što nadilazi ljudsku egzistenciju po formi, ali se u njemu nalazi po sadržaju i određuje mu granice njegova djelovanja. Budući da čovjek nema svoju vječnu i postojanu „bit“, onda je „Veliki Treći“ svagda metafizički mišljen kao kantovski kazano regulativno djelovanje u smislu ljudskoga povijesnoga usavršavanja, samoosvještenja, samoorganiziranja i samovođenja do prelaska u stanje koje više nema karakter ljudskog-suviše-ljudskoga. Bog, Povijest, Apsolut, Rad i ono što nadilazi granice metafizike i pojavljuje se u transklasičnoj logici tehnosfere kao logici i-i, odnosno virtualnoj aktualizaciji postajanja, su istodobno transcendencija i imanencija samoga života koji je već za Aristotela bio sinonim za bitak. No, razlika je u tome što Tehnosfera kao treći poredak kibernetike označava vladavinu autopoiesisa koji misli i više ne prolazi kroz stadije ili povijesne likove onog što je pripadalo prošlosti, već je njezin razvitak ireverzibilna hiperplastičnost umjetnoga života u vječnoj sadašnjosti. Samo uvjetno od sada možemo govoriti o prvome, drugome i trećem pojmu u okviru spekulativne i refleksivne trijade, jer za tehnosferu više ne vrijedi ideja povijesti kao eshatologije i soteriologije, kao teodiceje i mesijanstva u svim zamislivim verzijama od Marxa do Benjamina, Lévinasa, Derride. Ono „treće“ više ne vrednujemo iz dijalektičke logike kao najviše u rangu stvari. Ne, sve je to iza nas i pripada muzealiziranoj prošlosti mišljenja. Tko ovo ne vidi, ne želi misliti o tome, ne shvaća da je to naša jedina i apsolutna stvarnost u procesu ‘beskonačne brzine’ puta spram tehnološke singularnosti, ne zaslužuje naziv mislioca suvremenosti niti mislioca uopće jer je ili slijep kod zdravih očiju ili je zamrznut u nekom drugom vremenu pseudo-mistike svijeta zbog nostalgije za apsolutom kad je željeti još pomagalo. Ili je naposljetku zaostali relikt nekog već odavno propalog smjera mišljenja koje više nikome ne znači baš ništa. Biti i misliti ono istinski suvremeno znači biti na razini onog što ovo vrijeme „ovdje“ i „sada“ neodgodivo zahtijeva, a to isključuje svaki bezglavi okret prošlosti i svaki praznoglavi zalet spram budućnosti kao velike iluzije. Tehnosfera kao „Veliki Treći“ suvremenosti sve prethodne trijade povijesti mišljenja i bitka naprosto čini nesuvremenim i to zauvijek. Hegel je imao najbolju sliku-prispodobu za ovo što ovdje govorim. Na kraju povijesti sve što je bilo zbiva se kao pogled u golemi katalog slika kojim svjetski duh promatra ono što mu je prethodilo prije no što je postao o-i-za-sebe apsolutom. Filozofija nije više ni prvo ni drugo, već samo i jedino ono što nastaje iz svijeta kao trećeg poretka kibernetike kad više nismo bačeni u svijet, nego uronjeni u njegove beskrajne mreže značenja.

October 1, 2024
Neuki, obrazovani i oni ravnodušni

Neuki, obrazovani i oni ravnodušni

U jubilarnome 25. dvobroju časopisa Tvrđa, kojeg uređujem, glavni tematski sklop tekstova posvećen je velikome postmodernom talijanskome filozofu Gianniju Vattimu, nedavno preminulome. Još 2008. godine u ediciji TVRĐE, izdavačke suradnje Hrvatskoga društva pisaca i Izdanja Antibarbarus u Zagrebu, izašla je svojevrsna mala hrestomatija njegovih temeljnih tekstova koje je preveo s talijanskoga jezika, uredio i redigirao Mario Kopić. Giannija Vattima (1936.-2023.) sam upoznao 2010. godine kad smo na skupu u Kotoru o fundamentalizmu i suvremenosti uz njega govorili teolog Boris Gunjević, filozofi Boris Buden, Srećko Horvat i ja. Tada sam mu uručio primjerak knjige naslovljene Gianni Vattimo, ČITANKA, i vjerujem da nije iz kurtoazije kazao da je knjiga lijepo oblikovana, s pomno odabranim tekstovima i da je iznimno sretan što i na hrvatskome jeziku postaje prisutan svojim „slabim mišljenjem“ (il pensiero debole). Zanimljivost ovog hommagea Vattimu u Tvrđi zacijelo leži u tome što je Mario Kopić iz dugogodišnje prepiske s njime izabrao najkonciznije postavke o temeljnim pojmovima filozofije i njegova mišljenja „njime samime“. Tako u odrednici o Jürgenu Habermasu i demokraciji koju će u ovome zapisu nastojati komentirati stoje i ove riječi.. „S njim dijelim mnoge stvari na političkom planu. Ali mi se čini da on uvijek utemeljuje demokraciju na modelu znanstvenog subjektiviteta. Totalna komunikabilnost vrst je modernog metafizičkog mita. To implicira rizik subjektivnosti modelirane prema znanosti, i dakle nadmoć klase stručnjaka nad drugim neupućenima. To je model psihoanalize: analitičar, koji već zna, pomaže mi postati autentičnim.“ (Tvrđa, 1-2/2024., str. 9.) Naravno, čitav problem s Habermasovim određenjem pojma demokracije u suvremenosti jest njegovo misaono nasljeđe Frankfurtske škole kritičke teorije društva. Unatoč tome što su odmah poslije apokalipse 2. svjetskoga rata njezini utemeljitelji i glavni teoretičari Theodor W. Adorno i Max Horkheimer objavili slavnu kritiku otuđenja i postvarenja tehnološke civilizacije Zapada u djelu Dijalektika prosvjetiteljstva, ipak je ono što preostaje iz te radikalne kritike kapitalističkoga društva militarizma ništa drugo negoli bit prosvjetiteljstva: samoprosvjećivanje i autonomija uma. No, da bi taj proces racionaliziranja „svijeta života“ bio uvjet mogućnosti kritike svakoga oblika političke tiranije i despocije u uvjetima posttotalitarnih zastranjenja nakon sloma fašizma-nacizma 1945. godine, nužno je da netko mora imati legitimnost prosvjećivanja subjekata koji provode tu moćnu autonomiju slobode individuuma u kasnome kapitalizmu. Demokracija je stoga za Habermasa uvijek kao i za Aristotela u Politici suspektno stanje vladavine bez umno zasnovane djelatnosti obrazovanih ljudi, iako za razliku od autora Nikomahove etike njemački filozof i sociolog neće posegnuti za sekulariziranim tipovima vladavine aristokratske elite. Sada je elita ona koja svoju moć legitimira iz prosvjetiteljske kritike teorije o znanosti kao ideologiji i o znanju kao moći. Pitanje moći u demokratskim sustavima upravljanja životom na globalnoj razini pretpostavlja otuda „deliberativnu demokraciju“ i „komunikacijsku kompetenciju“ koja nužno prethodi onome što se smatra praznim središtem vladanja u demokratskim poretcima od Grka do današnjih populista u Europi i Americi: narodu kao agregaciji mnoštva uglavnom neukih ljudi bez partikularnih vještina i protokola znanja koja proizlaze iz modernih društvenih znanosti od prava, politologije, sociologije, ekonomije, demografije i javnih politika. Vattimo opravdano dovodi u pitanje ovaj elitarni koncept vladanja u poretku koji se prevodi uglavnom i danas kao „vladavina naroda“, premda je od Carla Schmitta do Niklasa Luhmanna i konstrukcionista demokratsko vladanje ono koje autopoietički označava primat odluke nad normom ili zakonom i tako uvodi u optjecaj razumijevanje politike kao kontingencije i neodredljive slobode kao egzistencijalnoga rizika koji pripada nepostojećoj „biti“ ljudske sudbine. Neuki nisu „idioti“ u političkoj borbi za vlast, već često lukave lisice o kojima je najbolje znao Machiavelli u svojem Vladaru, kad je u krvoločnim postupcima svrgavanja raznih talijanskih vladara koje je uništio moćni Cezare Borgia prepoznao ono što je konstanta političke „mudrosti“ do kraja svijeta ꟷ neutraliziranje i suspendiranje Drugoga kao neprijatelja. Nije, dakle, slučajno Carl Schmitt u svojem Pojmu političkoga 1920ih godina ovu postavku modernizirao i proglasio je egzistencijalnom značajkom djelovanja kao biti političkoga kroz polemički odnos spram Drugoga kao prijatelja-neprijatelja. Sve je, dakle, pitanje moći, odnosa i težnje za apsolutnom vladavinom u svijetu. Vattimo je kao i Habermas dijete sekularizirane reformacije i revolucije, na lijevome spektru teorijsko-praktičnoga odnosa spram nedaća i nevolja suvremenih borbi između demokracije i posttotalitarnih poredaka od kojih je autokracija s populizmom najljući neprijatelj zagovornika prosvjetiteljstva i racionalnosti, slobode, jednakosti i pravednosti. No, neuki za razliku od elite vladara kao tehnokratskih upravljača koji bolje znaju zašto bi eutanazija, primjerice, bila demokratsko pravo čovjeka na dostojanstvenu smrt u postsekularnome društvu, nisu nipošto „neuki“ u smislu nepodobnih ili neznalica koji bi mogli složene pravno-političke mjere liberalnih demokracija danas doslovno upropastiti. Neuki nisu nužno ni skloniji primitivizmu i aroganciji, nisu neizbježno amoralniji ili oni koji podržavaju diktature i povratak totalitarnih poredaka u drugome postmodernome ruhu globalnih društava kontrole, kulture kao nove ideologije i terora kao sustavne represije nad slobodom individuuma. Ali, sve ove negativne tendencije srozavanja ideje demokracije na populizam i autokratizam ponajprije ipak podržavaju uvijek u pravilu onaj neodređeni „subjekt“ koji se ne određuje klasno-socijalno, a niti nužno nacionalno, već kao „mnoštvo“ ili kao singularni pokret neodređenih izvan položaja tradicionalnih stranaka i njihovih interesnih grupacija. Vattimova kritička suprotstavljenost Habermasu je naravno očekivana. Znamo li što je sam Habermas u svojem napadu na francusku postmodernu (Derrida, Bataille, Foucault, Deleuze) u knjizi Filozofski diskurs moderne iznio kao optužbu, naime da su ovi mislioci reprezentanti „novoga konzervativizma“ i mističnoga jezičnoga obrata koji racionalni diskurs demokracije mistificiraju, a sam je Vattimo ostao najznačajniji talijanski postmoderni filozof, ostaje neporecivo da je otklon od racionaliteta i tzv. diskursne etike komunikacije bio nužan korak suprotstavljanja u teorijskome smislu. Ali, pravo govoreći, a to sam u svojim knjigama o problemu postmoderne i nihilizma neprestano dokazivao, spor modernista i postmodernista (Habermasa te Francuza i Talijana) uvelike je bio na razini ontologijskoga nesporazuma i pretjerivanja. Niti je modernost apsolutiziranje kritički ustrojenoga Uma protiv svih opačina konzervativizma i totalitarnosti, a niti je postmodernost spoznajni relativizam i konstrukcionizam bez pokrića u misaonoj provokativnosti. Dostatno je pročitati Deleuzeovu Razliku i ponavljanje i odmah će se sve magle raspršiti i svi prividi razjasniti: virtualna aktualizacija, simulakrumi i interaktivna komunikacija izvedena iz kibernetike suvereno vladaju danas, a ne nikakvi tzv. moderni principi mišljenja kao dualizma, kojeg je Habermas posljednji Mohikanac kritičke teorije. Oboje, i Habermas i Vattimo, iako s različitih pozicija u razmatranju problema subjekta suvremene demokracije i njezinih očitih zastranjenja i deficita, ne mogu izaći iz vlastite kože zastupnika građanskoga individualizma, slobode za sve i za manjinske skupine i pravednosti one kozmopolitske zajednice koja postoji kao norma i kao tehnički ideal svjetske povijesti, ali ne i kao istinska zbilja okvira za djelovanje. Moj kritički komentar protiv Habermasa i Vattima jest u tome što sam u petoknjižju Tehnosfera dokazivao da oni nisu relevantni mislioci za suvremenost kad je riječ o fundamentalnome problemu ne više krize demokracije, već njezina rastrojstva i rastemeljenja. Nisu, naime, obojica promislili bit tehnosfere kao uvjeta mogućnosti vladavine u suvremenome svijetu kao što su to podarili svojim mišljenjem Heidegger i Deleuze. Osim toga, nije problem u demokratskome načinu mišljenja i djelovanja ni neukost ni obrazovanost, ni mnoštvo ni elita, već to što tzv. subjekt postdemokratskoga stanja danas nije više u vjeri u budućnost kao takvu. Umjesto toga, taj je „subjekt“ kao iz jednog romana Alberta Moravie, Ravnodušni ljudi izvan matrice demokratske igre i zaloga prosvjetiteljstva zbog gubitka vjere u smisao demokracije uopće. I tako smo dospjeli do najveće aporije demokracije, ne i njezina paradoksa. (v. Žarko Paić, Sloboda bez moći: Politika u mreži entropije, Bijeli val, Zagreb, 2013.) Što je više znanja i znanstvenih tehnika vladanja svijetom, što je više na djelu vladavina elita kao novih „masovno obrazovno neukih“ s obzirom na stalne borbe oko prijestolja moći i na proizvodnju Drugih kao neprijatelja, to je demokracija postala, da parafraziram samoga Vattima, „rizik objektivnosti u odlučivanju o budućnosti kao prostoru-vremenu kontingentne ravnodušnosti naroda i nacija o etičkim postulatima djelovanja“. Da, dobro ste čuli. Politika je izgubila smisao danas ne zato što je ne-etičnost njezina istinska zbilja djelovanja, nego stoga što više nema nikakvih postulata djelovanja izvan zadane dijalektike mišljenja neukih i obrazovanih. Ravnodušnost spram Drugoga temeljni je egzistencijalni deficit demokracije koja strance, tuđince, neukorijenjene briše iz svojih kozmopolitskih ideala i nastavlja s govorom o „istini“, „slobodi“ i „etici“ polazeći od starog vina u novim bocama. Demokracija nije vladavina naroda, već narod koji ne upravlja samim sobom i ne vlada svojom okolinom. To umjesto njega čini neljudski kibernetički sustav kontrole, iz kojeg logično proizlazi ravnodušnost objekata koji misle tako što Druge tretiraju kao brojeve i slike, ili kako bi to sjajno kazao književnik Bruno Schulz u pripovijesti Kometa ꟷ „arhivski broj u velikoj registraturi neba.“ Sazrelo je konačno vrijeme da se sve te lakomislenosti diskursa o demokraciji u njihovim binarnim oprekama i dualizmima ostavimo iza sebe kao nepotrebnu postmetafizičku prtljagu u kojoj ima još tako malo onoga s čime se možemo poslužiti na vlastitome putu mišljenja.

September 30, 2024
Sonata za fluidna stanja

Sonata za fluidna stanja

Evo, pođimo ponajprije od enciklopedijskoga objašnjenja ovog pojma u naslovu današnjega zapisa/bloga. Što je, dakle, sonata? Navest ćemo nekoliko odrednica iz mjerodavne online Britannice. „Sonata, vrsta glazbene skladbe, obično za solo instrument ili mali instrumentalni ansambl, koja se obično sastoji od dva do četiri stavka ili dijela, svaki u srodnom tonalitetu, ali s jedinstvenim glazbenim karakterom. Potječući od participa prošlog talijanskog glagola sonare, “zvučati”, pojam sonata izvorno je označavao skladbu sviranu na instrumentima, za razliku od one koja je bila kantata, ili “pjevana”, glasovima. Njegova prva takva uporaba bila je 1561., kada je primijenjen na suitu plesova za lutnju. Pojam je od tada dobio druga značenja koja lako mogu izazvati zabunu. Može značiti skladbu u dva ili više stavaka, ili zasebnih dionica, koju izvodi mala skupina instrumenata, a koja nema više od tri samostalna dijela. Najčešće se odnosi na takvo djelo za jedan ili dva instrumenta, poput Beethovenove Mjesečeve sonate (1801.) za klavir. Prošireno, sonata se također može odnositi na skladbu za veću instrumentalnu skupinu koja ima više od dva ili tri dijela, kao što je gudački kvartet ili orkestar, pod uvjetom da se skladba temelji na načelima glazbenog oblika koji su od sredine 18. stoljeća korišteni u sonatama za male instrumentalne skupine. Izraz je labavije primijenjen na djela 20. stoljeća, neovisno o tome oslanjaju li se na načela 18. stoljeća ili ne.“ (https://www.britannica.com/art/sonata) Što nas obuzima kad slušamo sonate? To da iz ove glazbene forme zvuči ili odjekuje ljepota i sklad svemira kao sveopće uređenoga sustava prirode i duha kao u najumnijim postavkama Leibnizove Teodiceje. Ako nema Boga, neka mu zvukovnost višeznačnih stavaka baroknih skladbi Bacha podari postojanje koje ne možemo drukčije misliti niti kazivati osim onako kao što su srednjovjekovni teolozi stupnjevali stadije i stanja bitka da bi dospjeli do pojma-riječi koji zvuči savršeno na latinskome i zato ga ne treba prevoditi: ens realissimum. Doduše, uvijek se u raspravama o univerzalijama navodi i drugi oblik istoga kao ens perfectissimum, Sonata je stoga uvijek usmjerena nekome ili nečemu, pa tako i ta znamenita Beethovenova koju zacijelo nadahnuje gibanje Zemljina satelita i koji svaki puni mjesec lunaticima i opsjednutima fluidima onostranoga pričinja teške probleme izazivajući nesanicu. Slušati sonate već uvijek označava biti u stanju mjesečarenja čak i kad tematsko ozračje glazbe za nekoliko instrumenata upućuje na grozni nesklad kao pravo stanje suvremenoga svijeta i svih njegovih pojava. Riječ ima u sebi više od poziva na samoću u zajedništvu bez pretjerivanja. Kad čitam ranu Joyceovu liriku nazvanu divno Komorna glazba odmah pomislim na sonatu ne za nekoga ili nečega, već za ideju upravo te divne „komorne glazbe“. Ne možemo slušati sonatne koncerte u tvornicama i vojarnama, u buci i bijesu avangardne pobune protiv kanona veličajne i uznosite prošlosti u znaku tog žuđenoga sklada, ali možemo u samotnim kapelama i klaustrima, u sanatorijima i u koncertnim dvoranama. Nije to demokratska forma za svekoliki vox populus, već ono što pripada svima kojima su odlučili ne slušati više taj sumorni i dosadni, zaglušujući ritam histeričnih ulica i raspadnutih prostora gradova pretvorenih u skladišta za smrznutu ribu i plastične folije ničega. Svirati sonatu i slušati je uspostavlja suptilno zajedništvo onih koji su posvećeni trenucima izlaska iz sebe i odlaska ondje gdje prebiva carstvo zvukovnih znakova same biti glazbe kao emanacije metafizičkoga osjećaja najviše razine ljepote uopće. Ništa nam drugo nije potrebno, samo malo komornoga prostora i iznimnoga vremena uzvišene slobode namijenjene vlastitoj izolaciji u zajedništvu posredovanome glazbom. Sonata za fluidna stanja duha zahtijeva smirenje ili smiraj duše. To je idealna forma kojom klasična glazba uspijeva preživjeti svoja izvrtjela i propala vremena kad je još postojala iluzija da je moguće sve skladno dovesti u savršeni red poput baroka za kojeg je ideja Leibnizove prestabilirane harmonije paradigmatska struktura mišljenja. Filozofija, teologija i umjetnost čine savršeni duhovni red uspostavljene monadologije samim time jer dostatni razlog postojanja svijeta proizlazi logički iz matematike i iz nje se tehnički konstruira ona glazba koja nije bila prije moguća jednostavno zato što je prošlost bila tehnički zastarjela u instrumentalnome smislu. Ne možemo uživati u sonatama u predbarokno doba jer nedostaje uvjeti mogućnosti ove forme za komornu glazbu. Tehnodiceja povijesti pretpostavlja svoja formalna sredstva da bi svjetski duh bio na visini zadatka kroz muziku Bacha, slikarstvo Velázqueza i filozofiju Leibniza. Ali, to ne znači da je s nestankom baroka, tog razdoblja nabora i kristalne čistoće konstruirane simetrije svemira, prestala duhovna potreba za onim što je u svojoj kratkoj poemi naslovljenoj Wittgensteinova sonata nesvodivo refleksivna i suptilna hrvatska pjesnikinja i esejistica Ljerka Mifka iskazala tako sabrano i razasuto, posve u skladu s mijenom duha vremena kojem je pripadala i dušom i tijelom bez kompromisa. Evo, zar ovi stihovi nisu dokaz mjesečarenja i usmjerenosti izvan središta vrtnje jednog svijeta na rubu vlastite održivosti. Poslušajmo ih u spokojstvu samoće, onako kako to jedino ima smisla. Ljerka Mifka SONATA ZA WITTGENSTEINA (1993.) Ako je dozvoljeno samoubojstvo (tada) je sve dozvoljeno. To baca novo svjetlo na prirodu Etike. 11.1. 1917. L.W. Bog nema osjećaja Bog nema osjećaja. Prozirnost Njegova je potpuna Ponekad se vidi prašina na staklu, Pejzaž iza njega, Nikad staklo samo Koliko odjeka i brige prolazi Membranom, ni kajanje ni brza vožnja Ne sustižu prah. II Već kad se ispisuju slova Neko biće se briše. U šupljini Možda je govor, možda smijeh, Može se prebrisati pejzaž Iza stakla, može se izbrisati Točka na horizontu, ali Brod na zlatnim krilima leti. Što struji iz sonate koja umjesto Beethovena mjesečarenja ima u naslovu filozofa jezika iz Tractatusa i još k tome s citatom koji se odnosi na mogućnost da samoubojstvo ne bude zabranjeno i na etičku dimenziju novoga reda u životu? Kaos koji kroz fluidna stanja miješa riječi i osjećaje kao „točku na horizontu“; koji se ozvučuje kao let „broda na zlatnim krilima“; koji nadilazi „šupljinu prebrisana pejsaža“. Baš tako. S Wittgensteinom sonata može konačno slušati svoje vlastito breme vremena, ono koje ubrzano hita u bezdan singularnosti, i pitati se o granicama svojeg svijeta bez jezika. Baš tako.

September 29, 2024
Pisanje kao autentično življenje

Pisanje kao autentično življenje

Tek onda kad je književnost izgubila jasnu i razgovijetnu „sliku svijeta“, a to je očigledno otpočelo s godinom smrti Friedricha Nietzschea, 1900. kojom simbolički nastupa apsolutno doba modernosti, smrti Boga, totalne mobilizacije rata i nastanka tehnosfere, neogotičke arhitekture koja gradnjom Babilonskih tornjeva želi dotaknuti tamnu stranu Mjeseca, poniranjem u bezdan ljudske duše na kauču doktora Freuda i otkrićem kvantne teorije i Einsteinove teorije relativnosti s najznamenitijom formulom u povijesti fizike E= mc2, moglo je doći do razvitka refleksivnoga doba u kojem pisanje prethodi književnosti, a ne obratno. Nije stoga slučajno da je najznačajniji mislilac ovog „doba pisanja“ s njegovim sumnjama u svrhovitost ovog posla, koju utjelovljuje praški bankovni prokurist, zaposlenik korporativnoga kapitalizma in nuce, i bolesnik od tuberkuloze Franz Kafka, zapravo francuski mislilac i pisac Maurice Blanchot koji pripada anti-realističkome smjeru u filozofiji umjetnosti, a navjestitelj je uz Georgesa Bataillea onog što će 1960-1970ih procvjetati pod pojmom poststrukturalizma. Kome je moglo pasti na pamet u doba kićene prosvjetiteljske neobaroknosti stila 18. stoljeća da od književnosti pravi „književni prostor“ u kojem smrt, samoubojstvo, tjeskoba, nemoć, očaj, ravnodušnost tvori razvojnu liniju silazne putanje dekadencije i to onim književnim sredstvima koji su izdanak povijesnih pokreta avangarde poput negacije i osporavanja, razaranja i razgradnje „kanona“? Zacijelo ne Voltaireu ili u doba romantizma Hugou ili Lamartineu. Sve je tada još imalo svoju uzvišenu višu svrhu bila ona objavljena od samoga Boga ili sekularizirano prizemljena u odaje lascivno-erotskoga materijalizma koji, dakako, kreće na svoj dugi put pomračenja života nakon Markiza de Sadea i njegove amoralno-odgojne Filozofije u budoaru. O Blanchotu sam ekstenzivno pisao u knjizi eseja Neiskazivost: O mišljenju kao pisanju, Litteris, Zagreb, 2019. Nemam nikakve dvojbe da je njegovo shvaćanje književnosti prostor pisanja kojim se tekstovi metafizički i postmetafizički odnose jedni na druge i sve se odvija u svijetu duhovne imanencije življenja kao pitanje „drugosti“ i „Drugoga“ kroz mrežu tekstualne kulturalne i socijalne mikro-strukture moći koja podaruje biti čovjeka njegov jedini autentični spas i mogućnost uzdignuća u beskonačnost i vječnost izvan granica vjere u onostrano. Pisanje je, dakle, kako je to filozofijski promislio Emanuel Lévinas u knjizi Autrement QU’ÊTRE OU AU-DELÀ DE L’essence, Blanchotov glavni sugovornik i suputnik na istom putu mišljenja kao pisanja, stvaranje onoga što „nije“ bitak u svojoj postojanosti i nepokretnosti, već bivanje-postajanje drukčijim od bitka, ono što otuda ima svoju vlastitu deontologiju ili tradicionalno metafizički kazano etiku koja prethodi svakoj mogućoj ontologiji. Zato pisanje zahtijeva svoj prostor koji nije svediv na izvanjski i svagda postojeći svijet. Pisanje izmišlja nemoguće odnose, stvara nove riječi i proizvodi mrežu tekstova koja virtualno vodi svoj život kao življenje bez uporišta u nekom fiksnome svijetu „realiteta“ i „realizma“. Dva su citata koje Blanchot uzima za ono najradikalnije što pisanju u doba kraja teodiceje svjetskoga duha i krize europskoga duha uopće poslije Prvoga svjetskoga rata podaruje nadomjesnu svrhovitost. Ona je važnija čak i od besmrtne kvalitete književnoga djela kao proizvoda subjektivnosti i autorstva. Oba citata pritom ukazuju na temeljnu mogućnost promjene života ne samo pisca, već i njegove vizije i ozbiljenja svijeta kao tvorbe spisateljskoga umijeća i rezultata najvišeg stupnja izvedbe duhovnog stvaranja. Iako će mnogi pomisliti da je jedan citat onaj iz slavne Rilkeove pjesme Arhajski Apolonov torzo s još moćnijim stihom „Svoj život promijeniti moraš!“, Blanchot uzima za uvjet mogućnosti navlastita tumačenja odnosa pisanja i življenja misli Paula Valéryja i André Gidea. Navedimo ih. Prvo, Valéry: „Istinski slikar čitav život traži sliku; istinski pjesnik Poeziju.“ Drugo, Gide: „U Ljubavnom pokušaju (Tentative Amoureuse) želio sam istaknuti utjecaj knjige na onoga koji piše tijekom samog čina pisanja. Jer, izlazeći iz nas, knjiga nas mijenja preustrojavajući kretanje našeg života…“(str. 93. i 96.) Što iz ovih rečenica o traganju za istinskom biti stvaralaštva neminovno slijedi ako ne ono što je izvan književnosti i pisanja ali tako da nije nedokučiv misterij i mistika Božjega udjela u svijetu ili, pak, njegove profanacije? Maurice Blanchot će to iskazati na sljedeći način: „Pisanje nas mijenja. Ne pišemo u skladu s onim što jesmo: mi jesmo na osnovi onoga što pišemo.“ (str. 97.) Ova promjena, međutim, nije neka puka promjena u smislu zadobivanja drukčijeg društvenog ili političkoga statusa, ugleda profesije koja u modernome svijetu paradoksalno proživljava urušavanje sjaja davnih vremena i još gore, profesije koja u tzv. privatnome životu omogućuje svojim stvaralaštvom i djelom korporativnome kapitalizmu Knjige i Slike (izdavači u svijetu sveučilišnoga pogona, potom književni mastodonti i knjižarske mreže tiskanih i digitalno oblikovanih knjiga) njihov dobro stojeći život a sebi loše sjedeću bijedu i čemer ako se pisac povodi za svojom prokletom zvijezdom samoće i isključenosti iz zajednice te poput Kafke, Pessoe, Kavafisa, Eliota zarađuje za kruh baveći se profanim poslovima činovništva u raznim bankama, državnim uredima i drugim institucijama prodavanja magle i praznine ovoga svijeta. Promijeniti „svoj“ život nije nikakva izmišljotina modernih vremena veličajne autonomije i suverenosti kojim pisanje proizvodi svoj „književni prostor“. Uostalom, Blanchot nije nikakav sociolog književnosti te ne govori poput Pierrea Bourdieua o tzv. habitusu i kulturnome kapitalu pojedinca, društva i države, U čitavoj knjizi fragmentiranoga totaliteta pisanja riječ je o „slobodi, samoći i smrti“. To je trijada življenja u stalnome procesu preobražaja ljudskoga svijeta izvan tradicionalne zajednice koja individuuma svodi na uključenika ili isključenika iz svojih moralno-političkih i metafizičkih okvira mišljenja i djelovanja. Postoje Pisci i pisci; oni koji nisu prvi do prijestolja svojim velikim stilom osloboditelja svijeta od okova privida i laži života pod zvijezdama tiranije i despocije, već su to svojim pozivom uključenika u svijet institucionalne perverzije od škola, sveučilišta do Akademija znanosti i umjetnosti. Oni koji su samo pisci ne pišu zbog državne slave i društvenih priznanja, već pišu zato da se oslobode demona užasa i ponora ništavila s kojim su prisiljeni obitavati u istoj kući od početka do kraja svijeta. I nije nimalo slučajno da će Blanchot stoga Kafkin slučaj otvoriti kao pitanje nečega što nije više samo promjena života pisanjem u smislu bijega od vlastite egzistencijalne pojedinačne i kolektivne nesreće. Ne zaboravimo, umro je 1924. godine od tuberkuloze. Da je poživio još dva desetljeća i recimo doživio šezdeset i jednu godinu, vjerojatno bi ga uz njegove sunarodnjake zadesila industrija genocida u Auschwitzu ili nekom drugom stratištu ljudskosti 20. stoljeća, jer nitko ne bi znao da je riječ o piscu njemačkoga jezika koji je upravo to stoljeće tehnosfere i genocida opisao kao fundamentalnu matricu neljudskoga kao takvoga ꟷ kao mašineriju zla. Ono što je u Blanchotovu tumačenju slučaja Kafke, uz Deleuzeovu i Guattarijevu knjigu Kafka: U prilog minornoj književnosti, Matica hrvatska, 2020. S francuskoga preveo Ugo Vlaisavljević, osobito intrigantno proizlazi iz Blanchotova čitanja Kafkinih Dnevnika. Na jednom mjestu čitamo kako je pitanje nesreće i sudbinskoga progonstva Židova, kojeg je on sam singularna iznimka koja potvrđuje i niječe zlatno pravilo postojanja, nešto mnogo više od prokletstva umjetnosti, a koju njezin „subjekt“ živi do kraja odlučno i nepokolebljivo. Blanchot, naime, kaže: „Umjetnost je najprije svijest o nesreći, a ne njezina kompenzacija. Kafkina rigoroznost, njegova vjernost imperativu djela, njegova vjernost imperativu nesreće, poštedjele su ga onog raja fikcije kojim se slade toliki slabi pisci koje je život razočarao.“ („Kafka i zahtjev djela“, u: Književni prostor, str. 78-79. S francuskoga prevela Marija Bašić) Što onda znači uopće ta fatalna promjena života pisanjem ako je svaka sublimna kompenzacija za životnu nesreću i očaj bespredmetno naklapanje o raju koji pisanje konstruira utjehom od bezdanih prostora stvarnosti kao univerzalne tjeskobe? Fernando Pessoa je umjesto fantastike praškoga prokuriste Gregora Samse, kao onog Drugoga koji ponajviše naliči stvarnome Franzu Kafki, ali ne kao mogućem čudovišnome „kukcu“ nakon vlastita preobražaja u snu, stvorio mnoštvo Drugih osobnosti pisaca i odlutao u snovita prostranstva Lisabona da bi dosadnu i banalnu svakodnevicu radnoga labirinta obveza i rutinskih poslova pretvorio u Knjigu nemira što je piše pomoćni knjigovođa Bernardo Soares. U oba slučaja ꟷ fantastike i oniričnosti ꟷ susrećemo se s književnošću kao sviješću o moći Drugoga i drugoga života kojemu smrt i umiranje nisu nikakva posljednja riječ i prepreka. Književnost živi u knjigama, slikarstvo u slikama, filmovi u ikoničnim scenama glumaca, a arhitektura nadživljuje i samu sebe u očima Boga i vječnosti. Nema razloga očajavati. Sve je onkraj i iza zbog toga jer je ovdje i sada kao čarolija teksta bez pada u maniju ponavljanja bitka kao lažne postojanosti Istoga. Ono najinventivnije u Blanchotovu traganju za promjenom života pisanjem u slučaju Kafke jest drukčije čitanje njegove „ontologijski“ čiste bolesti zvane tuberkuloza zbog koje se od mladosti liječio po raznim europskim sanatorijima. Bolest nije stanje, već proces trajnoga oboljenja i mogućeg prebolijevanja tog stanja. A stanje je da je Kafka kao i mnogi veliki europski književnici umro od ove bolesti europskoga modernizma. Hrvatska proto-avangarda ostala je s 24 godine bez Janka Polića Kamova koji je umro od tuberkuloze u Barceloni, a hrvatski ekspresionizam ostao je s 27 godina bez vrhunskoga pjesnika Antuna Branka Šimića koji je umro od iste bolesti. Zar nije korelacijski duhovno iskustvo ove bolesti koja povezuje Kafku i Šimića gotovo okultne naravi: najpoznatija pripovijest 20. stoljeća jest Kafkin „Preobražaj“, a jedna od najljepših zbirki hrvatskoga pjesništva 20. stoljeća su Šimićevi „Preobraženja“. Da, ako „svoj život promijeniti moraš“, kako glasi estetski imperativ moderne nakon Rilkeove pjesme Arhajski Apolonov torzo, nije li ironično-morbidno da je sudbinski shvaćen mitopoetski život modernih pisaca mijenjala jedna čudovišna plućna bolest? Za Kafku, kako to Blanchot iščitava iz njegovih Dnevnika, ova je bolest imala blagotvornu moć otklona od nametnutih religiozno-moralno-obiteljskih obveza, od ženidbe do postajanja onog što su željeli njegova majka i otac. Usporedba koju čini Blanchot doista je maestralna. Naime, Hölderlinova je majka svesrdno i autoritativno nakanila da pjesnik svih pjesnika i tvorac Patmosa i Hyperiona postane protestantski pastor, pa je autor elegija o bijegu grčkih bogova iz ovoga svijeta u onostrano poludio i ostatak relativno dugoga života od 1806-1843. godine proveo izoliran u obiteljskoj kući obuzet shizofrenijom i ponekad sviranjem glasovira. Tuberkuloza je za Kafku bila sveti bijeg iz stvarnosti u drugu stvarnost, onu gotovo neizlječive bolesti i onu koja omogućuje slobodno vrijeme za pisanje, što korporativna davež činovništva uskraćuje i posve negira kao primarnu potrebu čovjeka-kao-pisca. Što je, prema Blanchotu, za Kafku uopće smisao književnosti i njezina poziva čovjeku? To je poput „druge Kabale“ ꟷ „forma molitve“. (str. 74) Pisanje se, dakle, pojavljuje kao sveti bijeg od tegobne stvarnosti, kao sloboda, samoća i smrt, te naposljetku, u jednom posve ateologijskome obratu kao mesijanski zavjet stvaranja treće zemlje koje za čovjeka nema. Promjena života pisanjem je pisanje života kao preobražaja i promjene svijeta koji nije više svijet unaprijed objavljenoga smisla koji podaruje Bog ili Narod, Povijest ili Sudbina. Umjesto takvih ontologijskih fikcija i iluzija, mi smo bačeni u drugi svijet, onaj svijeta kao teksta i samo u njemu i kroz njega možemo utvarati da svijet kao takav ima smisla. Čak i da ga nema, treba ga stvoriti i zatvoriti posljednje poglavlje Knjige na svojem noćnome ormariću na kojem je ako niste znali prije no što je skočio u prljave vode pariške Seine posljednji pjesnik apsolutne modernosti ako ne i uopće Paul Celan držao jedno pismo i knjigu pjesama Friedricha Hölderlina na njemačkome otvorenu na točno odabranoj stranici koja govori o odlasku čovjeka iz ovoga svijeta nakon što su već otišli i umorni bogovi s njihovim neuspjelim poslanstvom promjene života čovjeka i svijeta. Eto, pišemo sve do kraja, dok god ide iz vlastite pobune protiv drugih knjiga i tekstova, iz očaja i vjere u spasonosno kojeg nema, iz užitka u pisanju, tog prvog i posljednjeg uvjeta svoje egzistencijalne drame koju svatko mora proživjeti na svoj način i konačno završiti tekst s posljednjom točkom na kraju ili nizom točaka nedovršenosti svega preostaloga što još traži da se pisanjem opravda drugi život ove umjetnosti savršene idolatrije.

September 28, 2024
Čovjek koji je znao kako nastaje smijeh

Čovjek koji je znao kako nastaje smijeh

U spisu Paula Valéryja Uvod u metodu Leonarda da Vincija na jednom mjestu stoji da je ‘Leonardo bio majstor lica, anatomija, strojeva. Znao je kako nastaje smijeh.’ (Paul Valéry, Introduction to the Method of Leonardo da Vinci, Routledge and Kegan Paul, London and Henley, 1977., str. 63.) Poredak kojim Valéry pokazuje Leonardove invencije u slikarstvu i pronalazaštvu kao da ima neki začudni metafizički okvir, jer između lica i njegova smijeha nalaze se anatomija i strojevi. Što nam to govori drugo negoli da je tijelo uvjet mogućnosti svake nove tehnologije. Uostalom, mediolog Marshall McLuhan shvatio je medije produžetkom ljudskoga tijela. Leonardo je eksperimentalni mislilac oblikovanja tijela kao mimetičko-simboličkoga ustrojstva, pa Valéry može slobodno i autoritativno kazati da je tako stvorio ʺKrista, anđela, čudovište uzimajući iz onog što je već poznato, što posvuda postoji i sklapajući ih u novi poredak.ʺ (str. 64) Zaboravili smo da je povijesno-umjetnička epoha renesanse bila ponajprije nesvodiva po majstorstvu oblikovanja u temelju kojeg stoji savršeno poznavanje tijela u njegovoj fiziologijsko-anatomskoj izvedbi. Otuda slikati lice i njegov smijeh nije moguće bez preciznoga uvida u anatomiju glave i trupa kao stroja u organsko-metafizičkome smislu. Skice slikanja lica ukazuju na to da je Leonardo ulazio poput ‘skenera’ u kretanje i zaustavljanje facijalnostI da bi dobio onu unutarnju gestu ili psihogram pojedinačne singularnosti lika/lica. Sve je pritom otčitavanje velike Knjige prirode, ali s bitnim dodatkom misaone invencije slike. Taj je dodatak umijeće postavljanja onog već postojećega u sklop iz kojeg nastaje misterij mimetičko-simboličke otvorenosti značenja. Smijeh, ah smijeh!? To je u fiziologijsko-anatomskome smislu kretanje i zaustavljanje geste lica, ali svatko se smije na navlastit način i svatko kroz smijeh pokazuje svoju suspstancijalnu narav. Nije slučajno da je komedija za Aristotela u Poetici, ne samo ono suprotno tragediji, već ono što proizvodi svijet kao ekspresivnu moć svih stupnjevanja izokretanja tzv. normalnosti života u zajednici od ironije, sarkazma do cinizma, od podsmijeha, zavodničkoga smiješka do bezobzirne poruge. Leonardo je majstor slike koja lice u stanju smijeha uzvisuje do onog što ostaje tajnom poput Gioconde. No, tajna nije u onome metafizičkome i simboličkome, onome mističnome i misterijskome, već u mentalnoj moći umjetničke konstrukcije kojom se geste lica podudaraju s kontekstom slike i njezinom kompozicijom. Valéry pokušava ovo dokučiti tako što uvodi u analizu pojam mentalne slike, a tzv. tajnoviti smiješak Gioconde promišlja kroz ‘senzacije’ i ‘impresije’ umjetnosti. U kritičkoj, pak, analizi Leonardova spisa Paragone u kojem se izlaže Leonardova sklonost spram ‘vizualne slike’ naspram tzv. verbocentrične, utemeljitelj vizualnih studija i jedan od najznačajnijih teoretičara ‘pictorial turna’ u suvremenoj image science, znameniti čikaški profesor William J.T. Mitchell tvrdi da je ovaj Leonardov čin ‘veličanje kognitivne superiornosti slika’, ali baš zato to dovodi do aporije, jer slike nisu mimesis istine, već i laži. (W.J.T. Mitchell, Ikonologija – Slika, tekst, ideologija, Izdanja Antibarbarus, Zagreb, 2009., str. 128-129.) Slika, dakle, pokazuje i zakazuje u svojem mentalizmu, jer ono što je vidljivo može skrivati nevidljivo kao što smijeh skriva tugu ili neki trag unutarnje napetosti čak i kad se čini da se naslikano lice osjeća sjajno. Slika, naime, za razliku od fotografije može biti čitava sukcesija trenutaka i može biti studija o karakteru lica nekog lika koju je slikar dorađivao i bez prisutnosti naslikanoga. Uglavnom, problem s Leonardovim tzv. teorijskim pristupom slici jest to što je odveć vezana uz ono što pripada mimetičkome okružju geste lica i što je otuda posve usmjerena u moć mentalne ili kognitivne slike. Sve nas to, ipak, ovdje ne treba posebno zaokupljati i voditi do pokušaja da vidimo koliko je Leonardo i spoznajno-teorijski nastojao stvoriti slikarstvo koje će zadiviti spojem savršenstva tehnike slikanja i uvida u bit ljudskoga lica kao psihograma singularne egzistencije. Zato je Valéyjevo suptilno izvođenje problema odnosa slike i tijela putokaz jednom drukčijem viđenju same stvari. On nas, naime, vodi do postavke o ‘arhitekturi kristala’ (str. 89) kojim se prostor slike pojavljuje kao konstrukcija onog što izaziva ljepotu kao misterij života. To je duhovni sklop, a ne već uvijek postojeći arhetip koji renesansni umjetnik uvodi u sliku kao mimetičko-simboličko znamenovanje svijeta, bez obzira slika li Krista, Mona Lisu ili anđele. Ključ razumijevanja njegova načina objelodanjivanja psihograma jedne epohe koja je povijest svijeta dovela do arhitekture kristala leži u tome što je za njezinu težnju prema uzvišenosti i mjeri ljudskoga bilo odlučujuće uspostaviti skladne odnose između anatomije i strojeva da bi lice moglo zasjati u smiješku i otvoriti višeznačnost slike. To je, uostalom, jedina epoha u povijesti umjetnosti koja je imala ideju čovjeka i to kroz konstrukciju njegove biti kao posredovanja između Boga i prirode. Grci to, paradoksalno, nisu imali jer su njihovi bogovi ravnodušno prebivali među ljudiima kao statue ljepote i ravnovjesja svijeta, a ne kao transcendentni Bog kršćanske eshatologije koji stvara čovjeka na tzv. svoju sliku i priliku. Čovjek je invencija renesanse, kao što su humanističke znanosti legitimacijski okvir ove duhovne konstrukcije koja je po prvi put u povijesti svijet shvatila iz pojma geometrijske perspektive. Čovjek je fantastično djelo slikarske iluzije prikazivanja trodimenzionalnih objekata na dvodimenzionalnim plohama. Nije li otuda krajnje znakovito da u znamenitome govoru Pica della Mirandole iz 1496. godine naslovljenom O čovjekovu dostojanstvu čovjek biva smješten u „središte“, iako je to što se zove središtem već uvijek uspostavljeno činom Božjega stvaranja. Pico o tome kazuje sljedeće: ʺU središte svijeta sam te smjestio da bi otuda mogao bolje razgledati sve što je na svijetu. Nisam te stvorio ni kao nebesko ni kao zemaljsko biće, ni kao smrtnika ni kao besmrtnika, zato da bi sam – čestiti i slobodni kipar svojega vlastitog bića – isklesao svoj lik onako kako ti se najviše sviđa. Možeš se izroditi i postati niže, bezumno biće; po svojoj ćeš se volji moći preporoditi i postati nešto više, božansko.ʺ (Giovanni Pico della Mirandola, Oratio de hominis dignitate, Stuttgart 1997, cap. 21, 22, 23). Leonardo da Vinci izumio je metodu slikanja čovjeka kao bića koje emanira ljepotu iz psihograma estetske egzistencije nadmoćne svim drugim okružjima ljudskosti poput etičnosti i religioznosti. Zato on nije slikar sakralnosti svijeta, već njegove savršene konstrukcije u kojoj tijelo nije slika stroja, već njegov istinski model, kao što lice koje krasi božanski, anđeoski ili ljudski smijeh otvara prostor onoj vječnost koju ne mogu dokučiti ni astrofizika, ni kozmologija, niti umjetna inteligencija koja počiva na konceptu vizualizacije mentalne ili kognitivne slike. Tajna je ovog događaja u samome događaju ugođenosti naših senzacija i impresija u želji da ono što vidimo mora biti poput bljeska sunca, u trenutku u kojem sve drugo iz izvanjskoga svijeta postaje nevrijedno spomena, a čovjek se kao smrtnik odjednom osjeća besmrtnikom zaboravljajući da to što gleda jest samo i jedino slika. Ali kakva slika, slika nad slikama, slika njegove uzvišenosti i tjelesne lakoće prolaza kroz svjetlost poput kristala.

September 27, 2024
Izlaz iz „ekstremne mahnitosti“

Izlaz iz „ekstremne mahnitosti“

Je li ono spasonosno uistinu skriveno u iskonu zapadnjačkoga mišljenja i to u izreci Parmenida o bitku kao onome istome koje je vječno i neuništivo? Za talijanskoga filozofa Emanuela Severina, nedvojbeno jednog od ključnih autora za uvid u bit suvremenosti, čija knjiga Bit nihilizma predstavlja autentičan dokument mišljenja izvan cjelokupne vodeće struje ontologije 20. stoljeća, svako daljnje ustrajavanje u provedbi znanstveno-tehnološkoga razvitka dovodi samo do još veće „ekstremne mahnitosti“ kao posljedice vladavine nihilizma, otuđenja i ratnoga uništenja zemlje kao jezgre života svih bića, a ne samo čovjeka. U tekstu naslovljenom „Eros, Thanatos: Platon i rat“, čitamo sljedeće postavke: „Uvjerenje što ga svi mi kao stanovnici Zapada dijelimo, naime da stvari proishode i vraćaju se u ništinu – povezano je s Nužnošću ekstremne mahnitosti, budući da je povezano s Nužnošću uvjerenja da su stvari niština. To je odlučna crta mojih tekstova: uvjerenje da stvari, odnosno ne-niština, proishode iz ništine i u nju se vraćaju, identično je s uvjerenjem da su stvari niština. Uvjerenje da je bivstvujuće niština i upravo ekstremna mahnitost. Ova temeljna mahnitost, koja upravlja poviješću Zapada, izvorni je smisao onoga što nazivamo „ratom“. Smisao koji zapadnjačka civilizacija daje stvarstvu onoga što stvari jesu jest izvorni smisao rata kao prigode Zapada.“ (Emanuele Severino, „Eros, Thanatos: Platon i rat“, Tvrđa, br. 1-2/2022., str. 151. S talijanskoga preveo Mario Kopić) Severino kao neoparmenidovski mislilac ne može stoga uopće prihvatiti ono što je najveći problem i ujedno aporija metafizike a što je ponajbolje iskazao Leibniz pitanjem: zašto je uopće biće, a ne ništa? Ništa „nije“ puka negacija bitka, ali ujedno ne može mu se pripisati ontologijska oznaka da „jest“. Kad se, naime, stvari vraćaju izvoru kao niština, onda je problematično u ovom klasičnome stavu kako grčke tako i kršćansko-srednjovjekovne metafizike ništa drugo negoli stav o negaciji bitka u njegovoj izvornoj vremenosti onkraj tradicionalnih opreka vječnosti i vremenitosti. Najteže je misliti „jednostavno“, polazeći od onoga što se samo pokazuje u svojem očitovanju da bitak jest i da je njegov smisao u postojanome i trajnome bivstvovanju onog Istoga u razlikama koje ne dovode u pitanje univerzalnost Istoga. Zato je postavka o „ekstremnoj mahnitosti“ Zapada s obzirom na njegov pad u bezdan nihilizma upravo time što „uništava“ izvorni sklad prirode i čovjeka i pretvara sve tijekom povijesnoga razvitka u proces otuđenja o čemu su najmjerodavnije dijalektički mislili Hegel i Marx, naizgled samorazumljiva. Pa, zar to još vjerodostojnije nije u 20. stoljeću kazivao Heidegger na svojem putu bitkovno-povijesnoga mišljenja tvrdnjom da je jedini izgled spasonosnoga prevladavanja metafizike koja okončava u kibernetici u mišljenju „drugoga početka“ onkraj „zaborava bitka“? Problem je, međutim, u tome što Severino istom „logikom“ sve ključne putove mišljenja protiv „ekstremne mahnitosti“ suvremenoga nihilizma (od Heideggera i Husserla do marksizma i psihoanalize, Whiteheada i teorije znanosti) smatra u bitnome zagovornike bivanja-postajanja (Werden-devenir-becoming), a paradoks je da je u tome začetnik nitko drugo negoli Nietzsche, koji je stvorio pojam nihilizma kao ontologijsko-metafizičko označavanje ništenja bitka i uništenja svijeta tragajući neprestano za njegovim prevladavanjem. Uglavnom, Severino je posve odrješit i drži kako je najveća redukcija i obogaljenje, degeneracija i deformacija smisla bitka kad se njegova postojanost svodi na vremenitost kojom upravlja pojam bivanja-postajanja i kojim ono što samo tu „biva-postaje“ drukčijim i drugim ꟷ postaje zapravo Ništa. Formalno gledano, Severino mora kao i Heidegger i prije njega Nietzsche proglasiti svaki oblik dinamizma i opsjednutosti modernim pojmovljem „napretka“ i „razvitka“ u smislu ireverzibilnosti povijesti kao vladavine znanosti-tehnologije-kibernetike ničim drugim negoli „ekstremnom mahnitošću“. Što je to, kakav je to začudan izraz i sklop u kojem se povezuju ono što je prekomjerno ili što nadilazi prosječnu mjeru u smislu kvantiteta i kvaliteta bitka s ludilom? Očito je, naime, da nije posrijedi neko stanje mentalne bolesti čovjeka poput patološkoga narcizma i shizofrenije. Umjesto toga, Severino pokazuje kako valja govoriti o svojevrsnome kolektivno nesvjesnome čitavog čovječanstva, pa stoga ne možemo ovdje imati tek preuzeti pojam iz Freudove psihoanalize. Više je to konceptualni hibrid nalik Jungovu arhetipu. Ipak, razlika je u tome što nitko ne želi vidjeti da time što podržava bivanje-postajanje i metafiziku na njezinu ishodu u kibernetici s pojmom umjetne inteligencije nesvjesno opravdava put u ništavilo bez ikakvoga znaka mogućnosti prevladavanja. U istom tekstu Severino dovodi u svezu trijadu nihilizma, otuđenja i rata. Neki bi se privrženici teorija modernizacije i modernosti na tragovima Marxova historijskoga materijalizma i zahtjeva za ukidanjam (Aufhebung) kapitalizma, koji označava društveni poredak ove trijade jer je njegova posljedica teorija imperijalizma i militarizma, mogli možda iznenaditi da im je neoparmenidovski mislilac kritike bezuvjetne moći zapadnjačke metafizike zapravo bliži od njihovih velikih gurua političke ontologije i tzv. revolucionarnoga mišljenja. Naravno, i sam Severino u knjizi Kapitalizam bez budućnosti (Capitalismo senza Futuro, Rizzoli, Milano, 2013) tvrdi kako je u samoj biti kapitalizma upisana dekadencija i kraj metafizike čiji je posljednji društveni izdanak, sustav i poredak odnosa, upravo način proizvodnje života nastao krajem 14. stoljeća u Italiji, u isto vrijeme kada nastaju banke i moda, ta furiozna ideja novoga i stalne promjene, što su samo ontički izrazi za ono što Severino u jednom drugome spisu o Platonu i Aristotelu naziva fundamentalnom ili izvornon strukturom. Ta matrica, obrazac, paradigma jest pojam bivanja-postajanja kao nastajanja ništine, onog Ničega u samoj „biti“ onoga što zapadnjački „stil“ života razlikuje od puta Istoka kao njegove negacije i ujedno samo drukčijeg izvođenja onog Istoga. „Ekstremna mahnitost“ nije, dakle, neka ljudsko, suviše ljudska značajka njegove usmjerenosti onom negativnome kao takvome što ima svoj najčudovišniji izraz u pojmu zla. Naprotiv, ovo nesvodivo ludilo jedne uzvišene vrste kojoj sloboda određuje bit egzistencije u svijetu posvemašnjega otuđenja i postvarenja života rezultat je onoga što se povijesno slučilo kao događaj vladavine „fundamentalne ili izvorne strukture“ iz koje proizlazi trijada nihilizma, otuđenja i rata. Ništa nije mitološki nadređeno i zauvijek okovano željeznom nužnošću prirode kao biološka faktičnost vrste poput kornjače koja nosi svoj vlastiti oklop do kraja svijeta. Ne, promjena života nije nužnost zbivanja bivanja-postajanja kao ništenja bitka. Zbog toga Severino već na početku ovog teksta jasno pokazuje kako je već u Platona i potom u Aristotela u metafizičkome mišljenju Zapada „utemeljeno“ ono što nam i danas određuje put Noći, umjesto puta Dana. Što? „Platon u Politei (Republici, Državi) zbori o ratu kao „najvišem umijeću“, naime kao jednom od specifičnih načina rada koji su mogući unutar organizacije „podjele rada“ od koje se sastoji super-umijeće polisa. I rat je, dakle, „demijurg“. Štoviše, rat je demijurško djelo koje dovodi do krajnje granice destruktivnu značajku demijurškog – kao što kasnije kapitalizam do krajnje granice dovodi konstruktivnu značajku. Aristotel, razlikujući „hrematistiku“ od „ekonomije“, tvrdi da je cilj ove druge proizvodnja upotrebnih dobara (sve je ove pojmove baštinio Marx, Marx je naime jedan veliki grčki mislilac), dočim je, tomu nasuprot, cilj „hrematistike“ beskonačna proizvodnja bogatstva. Tako se uz proizvodnju bezgraničnog bogatstva, unutar polisa, nadovezuje bezgranična proizvodnja destrukcije, „najviše umijeće“ rata, o kojem zbori Platon.“ (str. 150) Jesmo li dobro čuli? Ako nismo, valja ponoviti Severina: Marx je jedan veliki grčki mislilac! Ovako je mogao kazivati u nas još „ontologijski“ preciznije u svojim tekstovima o „Radu i bogu“ i „Izgledima povijesnoga mišljenja“ samo Vanja Sutlić i nitko drugi. (Vanja Sutlić, Praksa rada kao znanstvena povijest: Ogledi uz kriptofilozofijsko ustrojstvo Marxova mišljenja, Edicija časopisa „Kulturni radnik“, Zagreb, 1974.) Razlog je bjelodano otvoren u samoj ideji povijesti kao zbivanju slobode u njezinome liku pervertirane slobode u kapitalizmu, koji se kako bi rekao Severino uzdiže do „ekstremne mahnitosti“ kroz svoj znanstveno-tehnološki „napredak“ i „razvitak“. Zato je i moja glavna postavka kako je autopoiesis tehnosfere u tendenciji i latenciji kraj kapitalizma blizak doista tezi Severina, iako ne dijelim njegov stav o tome da su Nietzsche, Marx i Heidegger pretkazatelji nihilizma kroz njihovo „ontologiziranje“ pojma bivanja-postajanja. Onaj koji je krajem 20. stoljeća pravi adresat ovog misaonoga sučeljavanja i tko na tragu Nietzschea izvodi svoj digitalni konstruktivizam bivanja-postajanja u pojmu virtualne aktualizacije jest Gilles Deleuze, ali se on izrijekom nikad ne spominje u tekstovima Emanuela Severina. Problem, dakle, nije u tome što je idejni tvorac otuđenja kao temeljnog ideologijskoga obrata u biti rada kao što je to Marx ꟷ „grčki mislilac“. Problem je u tome što su Platon i Aristotel kao očevi-utemeljitelji metafizike kao nihilizma oni mislioci koji su Zapadu podarili onu „fundamentalnu ili izvornu strukturu“ iz koje čak i rat (Polemos) može postati destruktivni demijurg novoga i tako se sve do Hegela i tumači. Nije rat tek krvoločno uništenja Drugoga, pojedinca i naroda, već dinamički konstituens negativne naravi povijesti kao vladavine volje za moć kojim bivanje-postajanje od neutralnoga ontologijskoga obrata u biti bitka postaje mogućnost onoga što nazivam permanentnim stanjem totalne mobilizacije tehnosfere s onu stranu dobra i zla. (v. Žarko Paić, „The Permanent Condition of War-and-Peace: From Total Mobilization to the Absolute Construction of the Event“, u: Neoliberalism, Oligarchy and Politics of the Event: At the Edge of Chaos, Cambridge Scholars Publishing, Newcastle upon Tyne, 2020., str. 5-34) Ima li onda ikakva izlaza iz „ekstremne mahnitosti“ koja nas obuzima i zauzima sve postojeće tzv. duhovne prostore apsolutnoga tehnologiziranja života iza kojeg se vode totalni ratovi do istrebljenja vrste i njezina metafizičkoga poslanstva stvaranja nove povijesti smisla svijeta? Severino je od prvog svojeg spisa do posljednjih knjiga, predavanja i javnih nastupa kakav je i onaj u dijalogu s nobelovcem, matematičarem Rogerom Penroseom, nepokolebljivo tvrdio da je pojam poiesisa sjaj i prokletstvo ljudske civilizacije, njezina uspona i propasti. Proizvođenje novoga kao stvaranje pretpostavlja upravo logiku bivanja-postajanja i zbog toga je ono ništavno i ništeće, nipošto paradoksalno, uvjet mogućnosti ljudske slobode. Pogledajmo samo kako Sartre određuje odnos bitka i ništavila, kako uspostavlja „humanizam“ ljudske sudbine kao postojanje rupe-u-bitku. Naravno, sve je to samo „antropologizirao“ i preuzeo od Heideggera koji je jedini u 20. stoljeću pokazao još krajem 1920ih da je Ništa ono koje ništi, a nije negacija bitka i nije biće, kako je to suprotstavio Leibniz u onom znamenitome pitanju koje je ponovio i Schelling o tome zašto je radije biće, a ne Ništa? Nema izlaza iz „ekstremne mahnitosti“, prijatelji moji, jer izlaz pretpostavlja suprotnost ulazu i pripada istoj „fundamentalnoj ili izvornoj strukturi“ metafizike koju Severino kao i Heidegger, u posljednjoj konzekvenciji, nastoji prevladati svojim povratkom iskonu, a ne „drugome početku“. Problem je u „drugome izlazu“ koji već uvijek prihvaća fakticitet slobode kao tragičnoga udesa čovjeka na ishodu metafizički shvaćene povijesti, a taj je „udes“ realizirana kibernetika u pojmu tehnosfere. Ne možemo nikad ništa „novo“ učiniti, ako ne promislimo zašto to „novo“ nije novost novoga drukčija od starosti jedne tradicije u kojoj je to „novo“ rođeno kao destruktivno-konstruktivni poiesis koji biva-postaje na kraju svojih mogućnosti „novi“ autopoiesis i sebe-prevladava u samoj mahnitoj preobrazbi trijade nihilizma, otuđenja i rata u ono što nadilazi svako buduće trojstvo metafizike, znanosti i tehnosfere. Što je u „biti“ svakog prevladavanja Istoga drugo ako ne razlika u pojmu Ničega kao ništine i Ničega kao ništenja bitka koji je postao informacijom i zahtijeva vlastitu konstrukciju iz onog što je i za efeškoga filozofa Heraklita bilo ravno nemogućem. Uostalom, u jednom fragmentu on je kazao: Ne nada li se, neće se susresti nenadano, Jer je ono nedokučivo i neistraživo. Nenadanost, nedokučivost, neistraživost ꟷ sve su to elementi jednog nadolazećega mišljenja i podaruju nam nešto mnogo važnije od vjere ili znanja o onome što pripada bitku izvan svekolike postojanosti i ničemu izvan svake ništavnosti.

September 26, 2024
Etos i patos

Etos i patos

Nije slučajno Gustav Mahler jednom kazao da su o glazbi filozofijski jedini dospjeli svojim promišljanjem dovinuti se Schopenhauer i Nietzsche. Netko bi dometnuo da to možda proizlazi iz sljedeća dva naizgled različita razloga. Prvi je vezan uz strukturu Schopenhauerove metafizike volje i predstave (svijeta), jer jedino muzika kao uvjet mogućnosti nastanka glazbe može otvoriti svijetu njegov misterij nastanka i nestanka, života i smrti bića kao takvoga i tako zbližiti duh, dušu i tijelo u onome što je naprosto kao takvo neizrecivo. Zvuk-ton-melodija nadilazi granice jezika u pisanju onog što je sveza ljudskoga i neljudskoga. U slučaju Nietzschea, pak, razabiremo kako njegov način mišljenja zahtijeva upravo nemir glazbenih vihora i strasti, a to dolazi do izražaja u načinu pisanja koji je sam po sebi apsolutni patos egzistencijalne patnje, vedrine i ekstaze. Njegove rečenice od svih drugih filozofa prepune su uskličnika. Umjesto tradicionalno metafizičkih sumnji i propitivanja razloga zašto nešto jest i pod kojim uvjetima nastaje smisao nečega Nietzsche odagnava svaki oblik skepse i rezolutno kroči putovima zapovjedne retorike DA-govorenja. Njegovi su likovi u spisima poput Dioniza, Raspetoga, Zarathustre uvijek i performativno-konceptualni obrat biti zapadnjačke metafizike. Razlog koji dovodi do toga da je nakon Schopenhauera jedini Nietzsche u cijelom 19. stoljeću paradigmatski mislilac glazbe i to ponajprije kao obožavatelj, a onda kao radikalni oskrnavitelj kulta Wagnera, zacijelo dolazi iz toga što je muzika nakon Bacha i filozofija nakon Hegela izgubila status mesijansko-eshatologijskoga apsoluta na zemlji i nužno je morala pronaći svoj drukčiji put oslobođenja prirode i čovjeka od bezdana i kaosa koji su joj prijetili stapanjem s modernim dobom znanstveno-tehničke proizvodnje života. Umjetnost glazbe morala je iznova dospjeti do vlastite ideje mišljenja kao stvaranja svijeta, ne njegove puke mimetičko-reprezentacijske preslike u instrumentalnome muziciranju i dramsko-scenskome pjevanju. Bit ovog obrata koji pogađa razdoblje romantike u njemačkome duhovnome krugu mišljenja odnosi se na pokušaj spajanja etosa i patosa dvaju najvećih kompozitora 19. stoljeća kao što su to Ludwig van Beethoven i Richard Wagner. Moja je glavna postavka da je to u drugome obratu i pokušaj sjedinjenja ideja umjetničke religije (Kunstreligion) i cjelovitoga umjetničkog djela (Gesamtkunstwerk). „Glazba je prije Wagnera bila uglavnom usko ograničena: ticala se onih trajnih stanja u čovjeku, onoga što Grci zovu etosom, i tek se kod Beethovena počela očitovati jezikom patosa, jezikom strastvena htijenja i dramskih zbivanja što ih čovjek proživljava u svojoj unutrašnjosti. Prije toga se ugođaj, tj stanje koje je bilo ili staloženo ili vedro, ili pak pobožno ili pokajničko, moglo raspoznati pomoću tonova; htjelo se, takoreći, upadljivom sličnošću forme slušatelja potaknuti na to da protumači značaj glazbe te da se dovede u isto raspoloženje.“ (Friedrich Nietzsche, Slučaj Wagner, Disput, Zagreb, 2022., str. 89. S njemačkoga preveo Blaž Ivanković) Zar nije zadivljujuće kad se u jednoj rečenici tako jasno i ujedno stilski nadmoćno jednostavno ukazuje ono što je fundamentalni problem tzv. preokreta ili obrata metafizike kroz pronalazak dva drevna grčka pojma!? Što je drugo etos negoli smisao ne samo helenske, već i kršćansko-srednjovjekovne metafizike u svim aspektima, a ne samo u području glazbe. Pritom se ono etičko ne odnosi ni na kakvo shvaćanje u užem smislu ljudskoga morala kao pitanja savjesti i dužnosti u djelovanju u svijetu, već upućuje na cjelinu odnosa u zajednici kao načina smislena življenja kojim čovjek predaje svoje duhovno-duševne zaloge postojanja bogovima, Bogu i onome božanskome uopće. Etos označava najvišu razinu smisla bitka kao slobode čovjeka u granicama nadilazeće mu zajednice (polis i sveti grad). Glazba koja se korijeni u etosu ne može biti ništa drugo negoli najviše duhovno očitovanje osmišljavanja bitka bez pada u subjektivnost subjekta. To je doba Bacha i njegove mesijanske metafizike uspostavljanja glazbe fuga kao ponavljanja i svagda novoga u svijetu. Etos se, međutim, ne može apsolutizirati kao nešto samo o sebi vječno i postojano, nepromjenljivo i trajno. Zato glazba u 19. stoljeću s obratom romantike mora „pasti“ iz vječnosti u vrijeme i zatreperiti u duševnosti osjećaja čovjeka kroz zanos i oduševljenje instrumentalnom glazbom kao ontologijskim varijacijama na temu nastanka onog što će Kierkegaard nazvati religioznom transcendencijom ljudske egzistencije. Prava suprotnost iskonskome etosu postaje moderna subjektivnost kao patos, ono što za Nietzschea savršeno „utjelovljuje“ ugođajno-strastvena glazba Ludwiga van Beethovena. U dva spisa, kako u Slučaju Wagner, tako i u Ljudskome, suviše ljudskome susrećemo se s prosudbama o njegovoj glazbi koje su naprosto u bitnome smislu neoborive. Beethoven je umjetnik modernosti par excellence, i to ne samo stoga što je humanizirao hegelijanski apsolut u IX. Simfoniji, nego ponajprije zato što je uzvisio ljudsku moć imaginacije kao sintezu boli, patnje i ekstaze do najviših vrhunaca. No, s Beethovenom nastaje nešto što je samo Nietzsche jasno razabrao. Upravo će to ponoviti u drugome kontekstu ne navodeći svoje izvore Ortega y Gasset u ogledu o Velázquezu naslovljenim „Oživljavanje slike“ u kojem španjolski filozof tvrdi da je s njime nastalo doba „slikara za slikare“ kao što je u 20. stoljeću s Nielsom Bohrom i kvantnom teorijom nastalo doba „fizike za fizičare“. U 152. aforizmu Ljudskoga, suviše ljudskoga čitamo, dakle, ovo: „Beethoven i Mozart. — Beethovenova glazba često se čini poput duboko dirljivog odraza kada neočekivano ponovno čujete davno izgubljeno djelo “Unschuld in Tönen”: to je glazba o glazbi. U pjesmama prosjaka i djece na ulici, u monotonim melodijama lutajućih Talijana, u plesu u seoskoj krčmi ili u pokladnim noćima – tu otkriva svoje “melodije”: skuplja ih kao pčela, uskoro ovdje uskoro tamo dohvaća zvuk, kratku sekvencu. Za njega su one preobražene uspomene iz “boljeg svijeta”: slično onome što je Platon mislio o idejama. — Mozart ima potpuno drugačiji pristup svojim melodijama: inspiraciju ne pronalazi slušajući glazbu, nego gledajući život, onaj najbogatiji južnjački život: uvijek je sanjao Italiju kad nije bio tamo.“ (Friedrich Nietzsche, Menschliches, Allzumenschliches: Ein Buch für frei Geister, KSA, sv. I-II, W. de Gruyter, Berlin-New York, 1970., str. 269. Prir. G. Colli i M. Montinari) Eto u čemu je bit cjelokupnoga metafizičkog obrata u ozbiljnoj glazbi 19. stoljeća. Beethoven je nakon Mozarta i njegove mimetičko-reprezentacijske obuzetosti ljepotom i uzvišenošću prirode kao pastoralne slike južne Italije sve „subjektivirao“ i pretvorio u patetičku glazbenu konstrukciju tako što je stvorio „glazbu o glazbi“. Njegov referencijalni okvir postala je sama umjetnost muzike i tako se ono predmetno i izvanjsko, ono naizgled čisto „prirodno“ izgubilo u svijetu glazbe. Točnije rečeno, ono što je pripadalo krhotinama etosa, postalo je svijet patosa na višu duhovnu potenciju. Isto će, ali ipak drukčije u kontekstu korelacije s Wagnerovim dostignućem u glazbi, Nietzsche kazati u spisu Slučaj Wagner. Jer, ako „glazba o glazbi“ zahtijeva i novu zadaću samoga glazbenika koji od romantike postaje autonomni subjekt umjetničkoga događaja, pa se veliki virtuozi violine i glasovira promeću u „zvijezde“ i „lutalice“ nalik onim poetskim likovima iz Hölderlinovih elegija što pronose tajnu umjetničkoga poziva onkraj svih tegobnih profanosti življenja u svijetu. Štoviše, Nietzsche će ići još korak dalje i vidjeti u Beethovenovu glazbenome poslanstvu nešto krajnje proturječno. Evo o čemu je riječ. On je „dopustio glazbi da besjedi novim, do tog trenutka zabranjivanim govorom strasti…(…) Beethovenov je umjetnički razvoj susretao osobite poteškoće i konfuznosti. Unutrašnje dramsko zbivanje…htjelo je u novome obliku izaći na vidjelo; ali ona tradicionalna shema ugođajne glazbe usprotivila se tomu kao da je posrijedi kakvo zlodjelo. Katkad se doima da si je Beethoven zadao kontradiktoran zadatak: da patos izrazi medijem etosa.“ (str. 90.) Baš tako, ali uz napomenu da je položaj Beethovena u ovoj razgradnji apsoluta u čitavoj povijesti glazbe unatoč Nietzscheovoj sklonosti i kasnijem kritičkome odbacivanju Wagnerove dramatizacije života kao konstrukcije iz duha umjetničke religije ili estetskoga imperativa života krajnje „nekontradiktoran“. On je, naime, sinteza patosa kao novoga etosa mesijanske univerzalnosti glazbe i njezine čistoće koja spaja instrumentalnost i pjevanje, ono neljudsko i ljudsko, suviše ljudsko, daleko iznad svih wagnerijanskih oslobađanja prostora za nešto što je precijenjeno. I to je u prvoj fazi svoje „idolatrije“ Nietzsche posve razbarušeno činio do paroksizma. Jer ove rečenice jasno pokazuju što on suprotstavlja Beethovenu kao alternativu. Ništa drugo negoli sliku Wagnera čija je „glazba preslika svijeta, onako kako ga je shvaćao veliki efeški filozof, kao harmoniju koju sukob proizvede iz samoga sebe, kao jedinstvo između pravde i neprijateljstva.“ (str. 93) Ako je Mozart za Nietzschea bio glazbenik koji crpe svoja snovita nadahnuća iz života, dok Beethoven, pak, sklada „glazbu o glazbi“, što ćemo s Wagnerom ꟷ što on to „novo“ i „fascinantno“ otvara u svojem shvaćanju biti glazbe? On uvodi „pjevnu strastvenost u cjeloviti simfonijski kontekst glazbe“ (str. 94.); usto on stvara osjećaj „nužnosti“ i zato ona Nietzscheova problematična postavka koja je, da stvar bude gora, s psihologijsko-političkoga stajališta točna, ako možda nije s muzikologijskoga. „Umjetnik nad kojim se prostire takva sila neminovno podjarmljuje sve ostale umjetnike, htio on to ili ne.“ (str. 96.) Ovo „podjarmljivanje“ ne proizlazi ni iz čega drugoga negoli iz toga što je samo Wagner imao ideju realizacije njemačkoga shvaćanja Kunstreligion u samome životu kao povratka onog što je bilo pripadno duhu izvornoga helenstva. Ta ideja je označavala povratak mita (grčkoga i njemačkog) u „suvremenost“, a za to je instrumentalna glazba kao Beethovenova bila nedostatno mesijanski plodotvorna iz razloga što nije uključivala bit glazbe kao metafizičke vladarice svih umjetnosti. Wagner i njegov obožavatelj Nietzsche s konceptom dionizijske umjetnosti prije no što će sve to baciti u vjetar i spoznati da je Wagner „Cagliostro modernosti“, vjerovat će ustrajno i nepokolebljivo u dramatski karakter umjetnosti kao događaja. Filozof ima smisla u modernosti samo kao lik umjetnika, a sve je drugo vrijedno prezira i zaborava. Otuda je samorazumljivo zašto Wagner i „nužnost“ nadilaženja svekolike dotadašnje glazbe imaju za Nietzschea više od muzikologijske važnosti. Dramska glazba, ne više talijanska opera kao vrhunac sentimentalne ugođajnosti, postaje stoga najviša forma ove onto-kronije ljudske egzistencije jer spaja mit i poeziju, moć kazališna privida i veličajnost ljudskoga glasa koji doziva ono nadolazeće iz dubina izvora (arché). I što smo, naposljetku, uopće dobili ako je baš s Nietzscheom u njegove dvije misaone faze stvaranja kulta Wagnera i njegova bezobzirnoga rušenja filozofijski uvid u bit glazbe postao više od ovog života, ujedno banalnoga i patetično-etički uzvišenog polazeći od umjetnosti kao ꟷ stimulansa za život? Ništa nismo drugo dobili negoli „glazbu za slobodne duhove“, kako bismo mogli parafrazirati podnaslov Nietzscheova djela Ljudsko, suviše ljudsko. Onaj tko je možda razriješio ovaj sukob između etosa i patosa (Beethovena i Wagnera), morao je poput Gustava Mahlera dospjeti do prve i posljednje postaje kraja metafizike u apokalipsi i konačnome izbavljenju iz okova glazbe kao umjetničke religije naše proigrane „suvremenosti“ time što je jedini istinski tematizirao u svojim simfonijama pitanje ljubavi i smrti na način dostojan čovjeka kojemu više ni etos ni patos nisu odlučujuće riječi-pojmovi iz povijesti metafizike za koju se isplati i sići u pakao da bismo dospjeli do posljednjih vrhunaca neizmjerne sreće i užitka što smo slušali ono što odjekuje beskonačnim prostranstvima duše, a što Jorge Luis Borges iskazuje najpoetskijom definicijom ikada kad kaže: Glazba, ta savršena simetrija svemira!

September 25, 2024